Oyuncu
Bir aktör veya aktris, bir performansta bir karakteri canlandıran kişidir. Aktör, geleneksel tiyatro ortamında veya film, radyo ve televizyon gibi modern medyada "ete kemiğe bürünerek" performans sergiler. Benzer Yunanca terim ὑποκριτής (hupokritḗs), kelimenin tam anlamıyla "cevap veren kişi "dir. Oyuncunun bir rolü yorumlaması - oyunculuk sanatı - ister gerçek bir kişiye ister kurgusal bir karaktere dayansın, oynanan rolle ilgilidir. Bu, tiyatrolarda kullanılan parşömenler nedeniyle bu şekilde adlandırılan bir "aktör rolü" olarak da düşünülebilir. Yorumlama, deneysel performans sanatının bazı biçimlerinde olduğu gibi, oyuncu "kendini oynarken" bile gerçekleşir. ⓘ
Eskiden, Antik Yunan ve Ortaçağ dünyasında ve William Shakespeare zamanında İngiltere'de sadece erkekler oyuncu olabilirdi ve kadın rolleri genellikle erkekler ya da oğlan çocukları tarafından oynanırdı. Antik Roma kadın sahne sanatçılarına izin vermiş olsa da, bunların sadece küçük bir azınlığına konuşma rolü verilmiştir. Ancak İtalya'daki commedia dell'arte, profesyonel kadınların sahne almasına erkenden izin vermiştir; 10 Ekim 1564 tarihli bir oyuncu sözleşmesinde adı geçen Lucrezia Di Siena, adıyla bilinen ilk İtalyan aktris olarak anılmaktadır; Vincenza Armani ve Barbara Flaminia ise ilk primadonnalar ve İtalya'da (ve Avrupa'da) iyi belgelenmiş ilk aktrislerdir. 1660'taki İngiliz Restorasyonu'ndan sonra İngiltere'de kadınlar sahneye çıkmaya başladı. Modern zamanlarda, özellikle pandomim ve bazı operalarda, kadınlar zaman zaman erkek çocuk veya genç erkek rollerini oynamaktadır. ⓘ
Tarih
Kayıtlara geçen ilk oyuncu vakası M.Ö. 534 yılında (yıllar içinde takvimdeki değişiklikler tam olarak belirlenmesini zorlaştırsa da) Yunan oyuncu Thespis'in Dionysos Tiyatrosu'nda sahneye çıkarak bir oyun ya da hikayede karakter olarak söz söyleyen bilinen ilk kişi olmasıyla gerçekleşmiştir. Thespis'in gösterisinden önce Grek hikayeleri sadece şarkı, dans ve üçüncü şahıs anlatımıyla ifade ediliyordu. Thespis'in onuruna, oyunculara genellikle Thespianlar denir. Antik Yunan tiyatrosunda sadece erkek oyuncular üç tür dramada rol alırdı: trajedi, komedi ve satir oyunu. Bu, Romalılar döneminde önemli ölçüde gelişmiş ve genişlemiştir. Antik Roma tiyatrosu, sokak tiyatrosu, çıplak dans ve akrobasi festival performanslarından durum komedilerinin sahnelenmesine ve yüksek tarzda, sözlü olarak ayrıntılı trajedilere kadar gelişen ve çeşitli bir sanat formuydu. ⓘ
Batı Roma İmparatorluğu 4. ve 5. yüzyıllarda çöküşe geçerken, Roma'nın iktidar merkezi doğuya, Konstantinopolis'e taşındı. Kayıtlar pandomim, pantomim, trajedi ve komedilerden sahneler ya da okumalar, danslar ve diğer eğlencelerin çok popüler olduğunu göstermektedir. 5. yüzyıldan itibaren Batı Avrupa genel bir kargaşa dönemine sürüklendi. Küçük göçebe oyuncu grupları dönem boyunca Avrupa'yı dolaşmış, seyirci bulabildikleri her yerde performans sergilemişlerdir; kaba sahneler dışında bir şey ürettiklerine dair hiçbir kanıt yoktur. Geleneksel olarak oyuncular yüksek statüye sahip değillerdi; bu nedenle Erken Orta Çağ'da gezici oyuncu gruplarına genellikle güvensizlikle bakılırdı. Erken Orta Çağ aktörleri, Karanlık Çağlar boyunca Kilise tarafından tehlikeli, ahlaksız ve pagan olarak görüldükleri için kınanmışlardır. Avrupa'nın birçok yerinde, bölgenin ve zamanın geleneksel inançları, aktörlerin Hıristiyan cenazesi alamayacağı anlamına geliyordu. ⓘ
Erken Orta Çağ'da Avrupa'daki kiliseler İncil'deki olayların dramatize edilmiş versiyonlarını sahnelemeye başladı. On birinci yüzyılın ortalarına gelindiğinde, ayin draması Rusya'dan İskandinavya'ya ve İtalya'ya kadar yayılmıştı. Aptallar Bayramı komedinin gelişmesini teşvik etmiştir. Geç Orta Çağ'da 127 kasabada oyunlar üretilmiştir. Bu yerel Gizem oyunları genellikle komedi içeriyordu ve oyuncular şeytanları, kötü adamları ve palyaçoları canlandırıyordu. Bu oyunlardaki oyuncuların çoğunluğu yerel halktan seçiliyordu. İngiltere'deki amatör oyuncular yalnızca erkekti, ancak diğer ülkelerde kadın oyuncular da vardı. ⓘ
Orta Çağ'da sahnelenen birkaç seküler oyun vardı, bunlardan en eskisi Adam de la Halle'nin 1276'da yazdığı Greenwood Oyunu'dur. Hiciv sahneleri ve periler ve diğer doğaüstü olaylar gibi halk materyalleri içerir. Farslar da 13. yüzyıldan sonra popülerlik kazanmıştır. Geç Orta Çağ'ın sonunda İngiltere ve Avrupa'da profesyonel oyuncular ortaya çıkmaya başlamıştır. Richard III ve Henry VII profesyonel oyunculardan oluşan küçük kumpanyalar kurmuşlardır. 16. yüzyılın ortalarından itibaren Commedia dell'arte toplulukları yüzyıllar boyunca Avrupa'nın dört bir yanında canlı doğaçlama oyunlar sergiledi. Commedia dell'arte oyuncu merkezli bir tiyatroydu, çok az dekor ve çok az sahne gerektiriyordu. Oyunlar, oyuncuların etrafında doğaçlama yaptığı durumlar, komplikasyonlar ve eylemin sonucunu sağlayan gevşek çerçevelerdi. Oyunlarda stok karakterler kullanılırdı. Bir topluluk tipik olarak 13 ila 14 üyeden oluşuyordu. Çoğu oyuncuya oyundan elde edilen gelirden kabaca rollerinin büyüklüğüne denk bir pay ödenirdi. ⓘ
Rönesans tiyatrosu, gizem oyunları, "ahlak oyunları" ve Atina trajedisini yeniden yaratmaya çalışan "üniversite draması" gibi çeşitli ortaçağ tiyatro geleneklerinden türetilmiştir. İtalyan Commedia dell'arte geleneği ve sarayda sıkça sergilenen özenli maskeler de halk tiyatrosunun şekillenmesine katkıda bulunmuştur. I. Elizabeth'in hükümdarlığından önce, önde gelen aristokratların evlerine oyuncu toplulukları bağlanmış ve mevsimsel olarak çeşitli yerlerde sahne almışlardır. Bunlar Elizabeth döneminde sahneye çıkan profesyonel oyuncuların temelini oluşturmuştur. ⓘ
Tiyatronun gelişimi ve oyunculuk fırsatları, Püritenlerin sahneye olan muhalefeti Londra'da tüm oyunların sahnelenmesini yasakladığında durdu. Püritenler tiyatroyu ahlak dışı olarak görüyorlardı. Tiyatroların 1660 yılında yeniden açılması İngiliz tiyatrosunda bir rönesansın habercisiydi. 1660-1710 yılları arasındaki Restorasyon döneminde yazılan ve sahnelenen İngiliz komedileri toplu olarak "Restorasyon komedisi" olarak adlandırılır. Restorasyon komedisi cinsel açıklığı ile ünlüdür. Bu noktada, kadınların ilk kez İngiliz sahnesinde yalnızca kadın rollerinde görünmelerine izin verildi. Bu dönem, ilk profesyonel aktrislerin ortaya çıkışına ve ilk ünlü aktörlerin yükselişine tanıklık etmiştir. ⓘ
19. yüzyıl
19. yüzyılda aktörlerin olumsuz ünü büyük ölçüde tersine dönmüş ve oyunculuk onurlu, popüler bir meslek ve sanat haline gelmiştir. Seyirciler en sevdikleri "yıldızlara" akın ederken, aktörün ünlü olarak yükselişi bu geçişi sağladı. Kendi şirketlerini kuran ve oyuncuları, prodüksiyonları ve finansmanı kontrol eden oyuncu menajerleri için yeni bir rol ortaya çıktı. Başarılı olduklarında, yapımlarına akın eden kalıcı bir müşteri kitlesi oluşturdular. Ülke çapında turnelere çıkarak, Shakespeare'in oyunları gibi tanınmış oyunlardan oluşan bir repertuar sergileyerek izleyici kitlelerini genişletebiliyorlardı. Gazeteler, özel kulüpler, barlar ve kafeler, yıldızların ve yapımların göreceli değerlerini değerlendiren canlı tartışmalarla çınladı. Henry Irving (1838-1905) İngiliz aktör-yöneticilerin en başarılısıydı. Irving, Shakespeare rolleriyle ve dikkatlerin daha çok sahneye, daha az seyirciye odaklanabilmesi için salon ışıklarını söndürmek gibi yenilikleriyle ünlüydü. Kumpanyası İngiltere'nin yanı sıra Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'nde turneye çıkarak yıldız oyuncuların ve ünlü rollerin coşkulu izleyicileri çekme gücünü gösterdi. 1895'te aldığı şövalyelik unvanı, İngiliz toplumunun yüksek çevrelerine tam olarak kabul edildiğini gösteriyordu. ⓘ
20. yüzyıl
20. yüzyılın başlarında, büyük ölçekli prodüksiyonların ekonomisi oyuncu-yönetici modelini yerinden etti. Hem oyunculuk hem de yöneticilik dehasını bir araya getiren insanları bulmak çok zordu, bu nedenle uzmanlaşma rolleri sahne yöneticileri ve daha sonra tiyatro yönetmenleri olarak böldü. Mali açıdan, büyük bir şehirde faaliyet göstermek için çok daha büyük bir sermaye gerekiyordu. Çözüm, Theatrical Syndicate, Edward Laurillard ve özellikle Shubert Organization gibi tiyatro zincirlerinin kurumsal mülkiyetiydi. Turistlere hitap eden büyük şehirlerdeki tiyatrolar, özellikle müzikaller olmak üzere son derece popüler oyunların uzun süreli gösterimlerini giderek daha fazla tercih eder oldu. Büyük yıldızlar daha da önemli hale geldi. ⓘ
Teknikler
- Klasik oyunculuk, bedenin, sesin, hayal gücünün, kişiselleştirmenin, doğaçlamanın, dış uyaranların ve senaryo analizinin ifadesini bütünleştiren bir oyunculuk felsefesidir. Konstantin Stanislavski ve Michel Saint-Denis gibi seçkin klasik oyuncu ve yönetmenlerin teori ve sistemlerine dayanır.
- Stanislavski'nin yöntemi olarak da bilinen Stanislavski'nin sisteminde, oyuncular canlandırdıkları karakterin "gerçeğini" aktarmak için kendi duygu ve deneyimlerinden yararlanırlar. Oyuncular kendilerini karakterin zihniyetine sokar, karakterin daha gerçek bir tasvirini vermek için ortak noktalar bulurlar.
- Metot oyunculuğu, Lee Strasberg tarafından formüle edildiği şekliyle, oyuncuların oynadıkları karakterleri daha iyi canlandırabilmeleri için eğitilmelerine dayanan bir dizi tekniktir. Strasberg'in yöntemi, rollerine dair duygusal ve bilişsel bir anlayış geliştirmek için oyuncuların karakterleriyle kişisel olarak özdeşleşmek üzere kendi deneyimlerini kullanmaları gerektiği fikrine dayanır. Stanislavski'nin sisteminin bazı yönlerine dayanır. Stella Adler ve Sanford Meisner gibi diğer oyunculuk teknikleri de Stanislavski'nin fikirlerine dayanır, ancak bunlar "metot oyunculuğu" olarak kabul edilmez.
- Meisner tekniği, oyuncunun tamamen diğer oyuncuya odaklanmasını gerektirir, sanki o gerçekmiş ve sadece o anda varlarmış gibi. Bu, sahnedeki oyuncuların seyirciye daha gerçekçi görünmesini sağlayan bir yöntemdir. Oyunculuğun ifadesini insanların diğer insanlara ve koşullara verdiği tepkide bulduğu ilkesine dayanır. Stanislavski'nin sistemine dayanır. ⓘ
Karşı cins olarak
Eskiden bazı toplumlarda sadece erkekler oyuncu olabiliyordu. Antik Yunan'da, Antik Roma'da ve Ortaçağ dünyasında bir kadının sahneye çıkması ayıp sayılırdı; yine de Antik Roma'da kadınlar sahneye çıktı ve 16. yüzyılda İtalya'da Commedia dell'arte'de tekrar sahneye çıktılar; Lucrezia Di Siena Antik Roma'dan bu yana belki de ilk profesyonel oyuncu oldu. Fransa ve İspanya'da da 16. yüzyılda kadın oyuncular vardı. Ancak William Shakespeare'in İngiltere'sinde kadın rolleri genellikle erkekler ya da oğlan çocukları tarafından oynanırdı. ⓘ
1660'taki İngiliz Restorasyonu'ndan sonra on sekiz yıllık Püriten tiyatro yasağı kaldırılınca, İngiltere'de kadınlar sahneye çıkmaya başladı. Margaret Hughes genellikle İngiliz sahnesindeki ilk profesyonel aktris olarak anılır. Daha önce, ziyaretçi bir İtalyan Commedia dell' arte kumpanyasının üyesi olan Angelica Martinelli, 1578 gibi erken bir tarihte İngiltere'de performans sergilemişti, ancak bu tür yabancı konuk gösterileri nadir istisnalardı ve İngiltere'de profesyonel İngiliz aktrisler yoktu. Bu yasak Charles II'nin hükümdarlığı sırasında kısmen aktrisleri sahnede izlemekten hoşlandığı için sona erdi. Charles II, Thomas Killigrew ve William Davenant'a "ciddi" drama sergilemeleri için iki Londra tiyatro şirketi kurma tekel hakkını veren patent mektupları verdi ve patent mektupları 1662'de aktrislerin ilk kez sahne almasına izin veren revizyonlarla yeniden yayınlandı. ⓘ
OED'ye göre aktris terimi ilk kez 1608 yılında kullanılmış ve Middleton'a atfedilmiştir. 19. yüzyılda, aktrisler genellikle fahişe oldukları ve ahlaksızlıkla ilişkilendirildikleri için birçok kişi oyunculuk yapan kadınlara olumsuz bakıyordu. Bu önyargılara rağmen, 19. yüzyılda Sarah Bernhardt başta olmak üzere ilk kadın oyuncu "yıldızlar" da ortaya çıkmıştır. ⓘ
Japonya'da, Edo döneminde kadınların sahneye çıkması yasaklandığında kabuki tiyatrosunda onnagata ya da kadın rollerini üstlenen erkekler kullanılmıştır; bu gelenek devam etmektedir. Pekin operası gibi Çin tiyatrosunun bazı türlerinde erkekler geleneksel olarak kadın rolleri de dahil olmak üzere tüm rolleri oynarken, Shaoxing operasında kadınlar genellikle erkek rolleri de dahil olmak üzere tüm rolleri oynamaktadır. ⓘ
Modern zamanlarda kadınlar zaman zaman erkek çocuk ya da genç erkek rollerini oynamıştır. Örneğin, Peter Pan'ın sahne rolü geleneksel olarak bir kadın tarafından oynanır, tıpkı İngiliz pandomimindeki çoğu baş erkek çocuk gibi. Operada geleneksel olarak kadınlar, genellikle mezzo-sopranolar tarafından söylenen birkaç "pantolon rolü" vardır. Hänsel und Gretel'deki Hansel, The Marriage of Figaro'daki Cherubino ve Der Rosenkavalier'deki Octavian bunlara örnektir. ⓘ
Filmlerde erkek rollerini oynayan kadınlar, kayda değer istisnalar dışında nadirdir. Stina Ekblad 1982'de Fanny and Alexander'da gizemli Ismael Retzinsky'yi canlandırmış ve Linda Hunt The Year of Living Dangerously'de Billy Kwan'ı canlandırarak En İyi Yardımcı Kadın Oyuncu Akademi Ödülü'nü almıştır. 2007 yılında Cate Blanchett, I'm Not There filminde Bob Dylan'ın 1960'lardaki kurgusal bir temsili olan Jude Quinn'i canlandırarak En İyi Yardımcı Kadın Oyuncu Akademi Ödülü'ne aday gösterildi. ⓘ
2000'li yıllarda, canlı tiyatroda erkekleri oynayan kadınlar, özellikle cinsiyetin önemsiz olduğu rollerde çok sayıda erkek karakterin yer aldığı Shakespeare eserleri gibi eski oyunların sunumlarında yaygındır. ⓘ
Bir oyuncunun komik etki yaratmak için karşı cins gibi giyinmesi de komik tiyatro ve filmlerde uzun süredir devam eden bir gelenektir. Shakespeare'in komedilerinin çoğunda, Bir Yaz Gecesi Rüyası'ndaki Francis Flute gibi, açıktan karşı cins gibi giyinme örnekleri yer alır. A Funny Thing Happened on the Way to the Forum filminde Jack Gilford genç bir gelin gibi giyinmektedir. Tony Curtis ve Jack Lemmon, Billy Wilder filmi Bazıları Sıcak Sever'de gangsterlerden kaçmak için kadın kılığına girmişlerdir. Komik etki yaratmak için çapraz giyinme, Carry On filmlerinin çoğunda sıkça kullanılan bir araçtı. Dustin Hoffman ve Robin Williams, çoğu sahneyi kadın kılığında oynadıkları birer hit komedi filminde (sırasıyla Tootsie ve Mrs. Doubtfire) rol almışlardır. ⓘ
Zaman zaman, örneğin Victor/Victoria'da Julie Andrews ya da Shakespeare in Love'da Gwyneth Paltrow gibi, bir kadının erkek gibi davranarak bir kadını oynaması meseleyi daha da karmaşık hale getirmektedir. It's Pat: The Movie filminde, film izleyicileri androjen ana karakterler Pat ve Chris'in (Julia Sweeney ve Dave Foley tarafından canlandırılan) cinsiyetini asla öğrenemezler. Benzer şekilde, yukarıda bahsedilen Figaro'nun Düğünü örneğinde, Cherubino'nun (bir kadın tarafından canlandırılan erkek bir karakter) kadın gibi giyindiği ve davrandığı bir sahne vardır; sahnedeki diğer karakterler cinsiyet rolü gizlemesinin tek bir seviyesinin farkındayken, seyirci iki seviyenin farkındadır. ⓘ
Birkaç modern rol, rolün cinsiyet akışkanlığını vurgulamak için karşı cinsten biri tarafından oynanır. Hairspray'deki Edna Turnblad 1988 yapımı orijinal filmde Divine, Broadway müzikalinde Harvey Fierstein ve 2007 yapımı film müzikalinde John Travolta tarafından canlandırılmıştır. Eddie Redmayne 2015 yapımı Danimarkalı Kız filminde canlandırdığı Lili Elbe (trans kadın) rolüyle Akademi Ödülü'ne aday gösterilmiştir. ⓘ
Oyuncu terimi
Antik Yunan tiyatrosunun aksine, Antik Roma tiyatrosunda kadın oyunculara izin verilmiştir. Çoğunluğu nadiren konuşma rollerinde, daha ziyade dans etmek için istihdam edilse de, Roma'da konuşma rollerinde istihdam edilen azınlık bir aktris grubu ve ayrıca Eucharis, Dionysia, Galeria Copiola ve Fabia Arete gibi sanatlarıyla zenginlik, şöhret ve tanınırlık elde edenler vardı ve bunlar aynı zamanda kendi oyunculuk loncaları olan Sociae Mimae'yi kurdular. Bu meslek görünüşe göre geç antik dönemde sona ermiştir. ⓘ
Kadınlar 17. yüzyılın ikinci yarısına kadar İngiltere'de sahneye çıkmaya başlamamış olsa da, 16. yüzyılın sonlarından itibaren İtalya, İspanya ve Fransa'da ortaya çıkmışlardır. Roma'da 10 Ekim 1564 tarihli bir oyunculuk sözleşmesinde adı bulunan Lucrezia Di Siena, Vincenza Armani ve Barbara Flaminia ile birlikte İtalya'da (ve Avrupa'da) ilk primadonnalar ve ilk iyi belgelenmiş aktrisler olarak bilinen ilk İtalyan aktris olarak anılmaktadır. ⓘ
İngiltere'de kadınların ilk kez sahneye çıkmaya başladığı 1660 yılından sonra, kadın oyuncular için aktör ve aktris terimleri birbirinin yerine kullanılmaya başlanmış, ancak daha sonra Fransızca actrice teriminden etkilenen aktris, tiyatro ve sinemadaki kadınlar için yaygın olarak kullanılan bir terim haline gelmiştir. Etimoloji, actor kelimesine -ess eklenmesiyle elde edilen basit bir türetmedir. Her iki cinsiyetten oyuncu gruplarına atıfta bulunulurken aktörler tercih edilmektedir. ⓘ
Meslek içinde, nötr terimin yeniden benimsenmesi, kadınların genel olarak kültürel yaşama katkılarının gözden geçirildiği 1950 ve 60'ların savaş sonrası dönemine dayanmaktadır. The Observer ve The Guardian 2010 yılında yeni ortak stil rehberlerini yayınladıklarında, "Hem erkek hem de kadın oyuncular için ['aktör'] kullanın; ödül adı dışında aktris kullanmayın, örneğin en iyi kadın oyuncu için Oscar" ifadesini kullanmışlardır. Kılavuzun yazarları, "aktrisin, mesleklerin büyük ölçüde tek bir cinsiyetin (genellikle erkeklerin) elinde olduğu dönemlerden kalma yazar, komedyen, menajer, 'bayan doktor', 'erkek hemşire' ve benzeri eski terimlerle aynı kategoriye girdiğini" belirtmiştir. (Bkz. Norm olarak erkek.) "Whoopi Goldberg'in gazeteye verdiği bir röportajda belirttiği gibi: 'Bir aktris sadece bir kadını oynayabilir. Ben bir oyuncuyum - her şeyi oynayabilirim." Birleşik Krallık'taki sanatçı sendikası Equity'nin "aktör" ya da "aktris" kullanımına ilişkin bir politikası bulunmamaktadır. Bir Equity sözcüsü, sendikanın bu konuda bir fikir birliği olduğuna inanmadığını ve "...konunun mesleği böldüğünü" belirtti. 2009 yılında Los Angeles Times, kadınlara verilen büyük oyunculuk ödüllerinde (örneğin En İyi Kadın Oyuncu Akademi Ödülü) "Aktris" teriminin yaygın olarak kullanılmaya devam ettiğini belirtmiştir. ⓘ
Amerika Birleşik Devletleri sineması ile ilgili olarak, cinsiyet ayrımı gözetmeyen "oyuncu" terimi sessiz film döneminde ve Sinema Yapım Kanunu'nun ilk günlerinde filmlerde yaygındı, ancak 2000'li yıllarda film bağlamında genellikle arkaik olarak kabul edilmektedir. Bununla birlikte, "oyuncu" tiyatroda kullanılmaya devam etmekte ve genellikle American Players, East West Players vb. gibi bir tiyatro grubunun veya şirketinin adına dahil edilmektedir. Ayrıca, doğaçlama tiyatro oyuncuları da "oyuncu" olarak anılabilmektedir. ⓘ
Ücret eşitliği
2015 yılında Forbes, "...2014 yılının en çok hasılat yapan 100 filminden sadece 21'inde bir kadın başrol ya da yardımcı başrol oyuncusu yer alırken, en çok hasılat yapan 100 filmdeki karakterlerin sadece %28,1'inin kadın olduğunu..." bildirmiştir. "ABD'de, tüm ölçeklerdeki maaşlarda sektör genelinde bir [uçurum] vardır. Ortalama olarak, beyaz kadınlar beyaz bir erkeğin kazandığı her bir dolara karşılık 78 sent kazanırken, Hispanik kadınlar beyaz bir erkeğin kazandığı her bir dolara karşılık 56 sent, siyah kadınlar 64 sent ve Amerikan yerlisi kadınlar ise sadece 59 sent kazanıyor." Forbes'un 2013 yılında ABD'deki oyunculuk maaşlarına ilişkin analizi, "...Forbes'un o yıl için en çok kazanan aktörler listesindeki erkekler, en çok kazanan aktrislerden 21/2 kat daha fazla para kazandı. Bu da Hollywood'un en çok kazanan kadın oyuncularının, en çok kazanan erkek oyuncuların kazandığı her bir dolar için sadece 40 sent kazandığı anlamına geliyor." ⓘ
Türler
Tiyatro, film, televizyon ve radyoda çalışan aktörler belirli becerileri öğrenmek zorundadır. Bir oyunculuk türünde işe yarayan teknikler başka bir oyunculuk türünde işe yaramayabilir. ⓘ
Tiyatroda
Sahnede rol almak için oyuncuların senaryoda yer alan "Sol Sahne" ve "Sağ Sahne" gibi sahne yönergelerini öğrenmeleri gerekir. Bu yönlendirmeler, oyuncunun sahnede durup seyirciye bakarkenki bakış açısına dayanır. Oyuncular ayrıca "Sahne Üstü" (seyirciden uzakta) ve "Sahne Altı" (seyirciye doğru) sahne yönergelerinin anlamını da öğrenmelidir. Tiyatro oyuncuları, "...bir oyuncunun oyun sırasında sahnede nerede ve nasıl hareket ettiği" anlamına gelen bloklamayı öğrenmelidir. Çoğu senaryoda bazı bloklamalar belirtilir. Yönetmen ayrıca sahneyi geçmek veya bir dekoru alıp kullanmak gibi bloklama talimatları da verir. ⓘ
Bazı tiyatro oyuncularının sahnede dövüş simülasyonu olan sahne dövüşünü öğrenmeleri gerekir. Oyuncuların el ele dövüş veya kılıç dövüşü simülasyonu yapmaları gerekebilir. Oyunculara, dövüş eylemlerinin koreografisini öğrenmelerine yardımcı olan dövüş yönetmenleri koçluk yapar. ⓘ
Filmlerde
Sessiz filmler
1894'ten 1920'lerin sonuna kadar filmler sessizdi. Sessiz film oyuncuları beden diline ve yüz ifadesine önem verirdi, böylece seyirci bir oyuncunun ekranda ne hissettiğini ve neyi canlandırdığını daha iyi anlayabilirdi. Sessiz film oyunculuğunun çoğu günümüz izleyicisine basit ya da acayip gelebilir. Melodramatik oyunculuk tarzı bazı durumlarda oyuncuların eski sahne deneyimlerinden edindikleri bir alışkanlıktı. Vodvil tiyatrosu pek çok Amerikalı sessiz film oyuncusu için özellikle popüler bir köken olmuştur. Sahne oyuncularının sinemadaki yaygın varlığı, 1917'de yönetmen Marshall Neilan'ın şu çıkışına neden oldu: "Sinemaya giren sahne insanları ne kadar çabuk çıkarsa, sinema için o kadar iyi olur." Diğer durumlarda, John Griffith Wray gibi yönetmenler oyuncularından vurgu için gerçek hayattan daha büyük ifadeler kullanmalarını istemişlerdir. Amerikalı izleyiciler daha 1914 gibi erken bir tarihte perdede daha fazla doğallığı tercih ettiklerini belli etmeye başlamışlardı. ⓘ
Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'ndeki öncü film yönetmenleri, 1910'ların başlarında sahne ve perde ortamlarının farklı sınırlamalarını ve özgürlüklerini fark ettiler. Sahne ve perde arasındaki farklar belirginleştikçe, 1910'ların ortalarında sessiz filmler daha az vodvil haline geldi. D.W. Griffith gibi yönetmenlerin çalışmaları sayesinde sinematografi daha az sahneye benzer hale geldi ve o zamanlar devrim niteliğindeki yakın plan çekimler ince ve doğal oyunculuklara olanak tanıdı. Amerika'da, D.W. Griffith'in şirketi Biograph Stüdyoları, sahneden ziyade sinemaya uygun olarak yürütülen yenilikçi yönetmenlik ve oyunculuklarıyla tanındı. Griffith, tiyatro oyunculuğunun filmde iyi görünmediğini fark etti ve aktör ve aktrislerinin haftalarca süren film oyunculuğu eğitiminden geçmelerini istedi. ⓘ
Lillian Gish, bu dönemdeki çalışmalarıyla sinemanın "ilk gerçek aktrisi" olarak adlandırılmış, sahne ve perde oyunculuğu arasındaki önemli farkların bilincine vararak yeni film oyunculuğu tekniklerine öncülük etmiştir. Albert Capellani ve Maurice Tourneur gibi yönetmenler filmlerinde natüralizm konusunda ısrarcı olmaya başladılar. 1920'lerin ortalarında birçok Amerikan sessiz filmi daha natüralist bir oyunculuk tarzını benimsemişti, ancak tüm oyuncular ve yönetmenler natüralist, sade oyunculuğu hemen kabul etmedi; 1927 gibi geç bir tarihte, Metropolis gibi dışavurumcu oyunculuk tarzına sahip filmler hala gösterime giriyordu. ⓘ
Wisconsin Üniversitesi'nden sessiz film uzmanı Anton Kaes'e göre, Amerikan sessiz sineması 1913 ile 1921 yılları arasında, Alman sessiz filmlerindeki tekniklerden etkilenerek oyunculuk tekniklerinde bir değişim görmeye başladı. Bunun başlıca nedeni Weimar Cumhuriyeti'nden gelen ve aralarında "film yönetmenleri, yapımcılar, kameramanlar, ışık ve sahne teknisyenlerinin yanı sıra aktör ve aktrislerin de bulunduğu" göçmen akınıdır. ⓘ
Filmde sesin ortaya çıkışı
Film oyuncuları, karşılarında bir kamera olmasına alışmayı ve bu konuda rahat olmayı öğrenmelidir. Film oyuncularının "işaretlerini" bulmayı ve orada kalmayı öğrenmeleri gerekir. Bu, zeminde bantla işaretlenmiş bir pozisyondur. Bu konum, ışıkların ve kamera odağının optimize edildiği yerdir. Film oyuncularının ayrıca iyi hazırlanmayı ve ekran testlerinde iyi performans göstermeyi öğrenmeleri gerekir. Ekran testleri, senaryonun bir bölümünün filme alınmış seçmeleridir. ⓘ
Tekrarlanan performanslar için karakter geliştiren tiyatro oyuncularının aksine, film oyuncuları süreklilikten yoksundur, bu da onları tüm sahnelere (bazen nihayetinde göründükleri sıranın tersine çekilir) zaten tamamen gelişmiş bir karakterle gelmeye zorlar. ⓘ
"Film en küçük jesti bile yakalayıp büyüttüğü için... sinema, oyuncudan tiyatroya kıyasla daha az gösterişli ve stilize bir bedensel performans talep eder." "Duygu performansı, sinema oyunculuğunun ustalaşması en zor yönüdür: ...sinema oyuncusu, inandırıcı bir karakter yaratmak için ince yüz mimiklerine, titremelerine ve küçük kaş kaldırmalarına güvenmek zorundadır." Bazı tiyatro yıldızları "...tiyatrodan sinemaya geçişi oldukça başarılı bir şekilde gerçekleştirmişlerdir (örneğin Laurence Olivier, Glenn Close ve Julie Andrews), diğerleri ise gerçekleştirememiştir..." ⓘ
Televizyonda
"Bir televizyon setinde, genellikle sete açılı birkaç kamera vardır. Ekran oyunculuğuna yeni başlayan aktörler hangi kameraya bakacaklarını şaşırabilirler." TV oyuncularının lav mikrofon (Lavaliere mikrofon) kullanmayı öğrenmeleri gerekir. TV oyuncularının "çerçeve" kavramını anlamaları gerekir. "Çerçeve terimi kameranın objektifinin yakaladığı alanı ifade eder." Oyunculuk sektöründe, bir programda yer alabilecek dört tür televizyon rolü vardır. Her türün önemi, görünme sıklığı ve ücreti farklıdır. Bunlardan ilki, dizinin daimi oyuncusu olarak bilinen ve dizinin daimi kadrosunun bir parçası olan ana oyunculardır. Yinelenen rollerdeki aktörler, bir dizinin birden fazla bölümünde görünmek için sözleşme altındadır. Yardımcı oyuncu rolü, genellikle yalnızca bir bölümde görünen küçük bir konuşma rolüdür. Konuk oyuncu, yardımcı oyuncu rolünden daha büyük bir roldür ve karakter genellikle bölümün ana odağıdır veya olay örgüsünün ayrılmaz bir parçasıdır. ⓘ
Radyoda
Radyo draması, radyoda yayınlanan veya kaset ya da CD gibi ses ortamlarında yayınlanan, dramatize edilmiş, tamamen akustik bir performanstır. Görsel bir bileşeni olmayan radyo draması, dinleyicinin karakterleri ve hikayeyi hayal etmesine yardımcı olmak için diyalog, müzik ve ses efektlerine dayanır: "Fiziksel boyutta işitseldir ancak psikolojik boyutta görsel bir güç kadar güçlüdür." ⓘ
Radyo draması, 1920'lerdeki ilk gelişiminden sonraki on yıl içinde yaygın bir popülerlik kazanmıştır. 1940'lara gelindiğinde, önde gelen bir uluslararası popüler eğlence haline gelmiştir. Ancak 1950'lerde televizyonun ortaya çıkmasıyla birlikte radyo draması popülaritesinin bir kısmını kaybetti ve bazı ülkelerde bir daha asla geniş kitlelere ulaşamadı. Bununla birlikte, OTR (eski zaman radyosu) kayıtları bugün koleksiyoncuların ve müzelerin ses arşivlerinin yanı sıra Internet Archive gibi çeşitli çevrimiçi sitelerde varlığını sürdürmektedir. ⓘ
2011 itibariyle, radyo draması Amerika Birleşik Devletleri'nde karasal radyoda çok az yer almaktadır. Amerikan radyo dramasının çoğu, önceki on yıllara ait programların yeniden yayınları veya podcast'leri ile sınırlıdır. Bununla birlikte, diğer uluslar hala gelişen radyo draması geleneklerine sahiptir. Örneğin Birleşik Krallık'ta BBC her yıl Radio 3, Radio 4 ve Radio 4 Extra'da yüzlerce yeni radyo oyunu üretmekte ve yayınlamaktadır. Podcasting, eski programların dağıtımının yanı sıra yeni radyo dramaları yaratma imkanı da sunmuştur. ⓘ
"Sesli drama" veya "sesli tiyatro" terimleri bazen "radyo draması" ile eşanlamlı olarak kullanılır, ancak bir farkla: sesli drama veya sesli tiyatro özellikle radyoda yayınlanmak üzere tasarlanmayabilir. İster yeni üretilmiş ister OTR klasikleri olsun, sesli drama CD'lerde, kasetlerde, podcast'lerde, web yayınlarında ve geleneksel radyo yayınlarında bulunabilir. ⓘ
Dijital kayıt ve internet dağıtımındaki gelişmeler sayesinde radyo draması yeniden canlanmaktadır. ⓘ
Stanislavski'nin kuramı
Konstantin Stanislavski tarafından 19. yüzyılın sonlarında Moskova Sanat Tiyatrosu'nda geliştirilen bu oyunculuk kuramı, 1930'lu yıllarda Group Theatre (New York) tarafından popülerleştirildi. Daha sonra 40'lı ve 50'li yıllarda Actors Studio'da Lee Strasberg tarafından geliştirildi. Bu kuramda oyuncunun, ruh durumunu yaratıcı konuma getirmesi ve bunu istemli bir şekilde oluşturması amaçlanır. Kurama göre, oyuncunun o anda oynadığına gerçekmişçesine inanması gerekmektedir. Oyuncu rolüne hazırlanırken, anılarından bir kaynak olarak faydalanabilir ancak, yalnızca bu duygularla değil, oynadığı rolün çevresini, koşullarını iyice araştırarak bunların hepsinin üzerine, kendi düş gücünü de koyup rolüne hazırlanmalıdır. ⓘ