Opera
Opera, müziğin temel bir bileşen olduğu ve dramatik rollerin şarkıcılar tarafından üstlenildiği bir tiyatro biçimidir. Böyle bir "eser" (İtalyanca "opera" kelimesinin birebir çevirisi) tipik olarak bir besteci ve librettist arasındaki bir işbirliğidir ve oyunculuk, dekor, kostüm ve bazen dans veya bale gibi bir dizi sahne sanatını içerir. Performans genellikle bir opera binasında, 19. yüzyılın başlarından beri bir orkestra şefi tarafından yönetilen bir orkestra veya daha küçük bir müzik topluluğu eşliğinde verilir. Müzikal tiyatro opera ile yakından ilişkili olsa da, ikisinin birbirinden farklı olduğu kabul edilir. ⓘ
Opera, Batı klasik müzik geleneğinin önemli bir parçasıdır. Başlangıçta, şarkılı bir oyunun aksine, tamamen söylenen bir parça olarak anlaşılan opera, Singspiel ve Opéra comique gibi sözlü diyaloglar içeren bazıları da dahil olmak üzere çok sayıda türü içermeye başlamıştır. Geleneksel sayı operasında şarkıcılar iki şarkı söyleme tarzı kullanır: resitatif, konuşmayı yansıtan bir tarz ve bağımsız aryalar. 19. yüzyıl sürekli müzik dramasının yükselişine tanıklık etmiştir. ⓘ
Opera 16. yüzyılın sonunda İtalya'da (Jacopo Peri'nin 1598'de Floransa'da sahnelenen ve büyük ölçüde kayıp olan Dafne adlı eseriyle), özellikle de Claudio Monteverdi'nin L'Orfeo adlı eseriyle ortaya çıkmış ve kısa sürede Avrupa'nın geri kalanına yayılmıştır: Almanya'da Heinrich Schütz, Fransa'da Jean-Baptiste Lully ve İngiltere'de Henry Purcell 17. yüzyılda kendi ulusal geleneklerini oluşturmaya yardımcı olmuşlardır. 18. yüzyılda İtalyan operası, George Frideric Handel gibi yabancı bestecilerin ilgisini çekerek Avrupa'nın çoğuna (Fransa hariç) hakim olmaya devam etti. Opera seria, Christoph Willibald Gluck 1760'larda "reform" operalarıyla yapaylığına tepki gösterene kadar İtalyan operasının en prestijli biçimiydi. Geç 18. yüzyıl operasının en tanınmış figürü, opera seria ile başlayan ancak en çok İtalyan komik operaları, özellikle Figaro'nun Düğünü (Le nozze di Figaro), Don Giovanni ve Così fan tutte'nin yanı sıra Alman geleneğinde dönüm noktası olan Die Entführung aus dem Serail (Saraydan Kız Kaçırma) ve Sihirli Flüt (Die Zauberflöte) ile ünlü olan Wolfgang Amadeus Mozart'tır. ⓘ
Gioachino Rossini, Gaetano Donizetti ve Vincenzo Bellini'nin bu tarzda imza niteliğinde eserler yarattığı 19. yüzyılın ilk üçte birlik dönemi, bel canto tarzının zirveye ulaştığı dönem olmuştur. Aynı zamanda Daniel Auber ve Giacomo Meyerbeer'in eserleri ve Carl Maria von Weber'in German Romantische Oper (Alman Romantik Operası) ile büyük operanın ortaya çıkışına da tanıklık etmiştir. 19. yüzyılın ortalarından sonlarına kadar olan dönem, İtalya'da Giuseppe Verdi ve Almanya'da Richard Wagner'in öncülüğünde ve hakimiyetinde operanın altın çağı olmuştur. Operanın popülaritesi İtalya'daki verismo dönemi ve çağdaş Fransız operası aracılığıyla 20. yüzyılın başlarında Giacomo Puccini ve Richard Strauss'a kadar devam etmiştir. 19. yüzyıl boyunca, Orta ve Doğu Avrupa'da, özellikle Rusya ve Bohemya'da paralel opera gelenekleri ortaya çıkmıştır. 20. yüzyılda atonalite ve serializm (Arnold Schoenberg ve Alban Berg), neoklasisizm (Igor Stravinsky) ve minimalizm (Philip Glass ve John Adams) gibi modern tarzlarla birçok deney yapılmıştır. Kayıt teknolojisinin yükselişiyle birlikte, Enrico Caruso ve Maria Callas gibi şarkıcılar opera hayranlarının ötesine geçen çok daha geniş kitleler tarafından tanınır hale geldi. Radyo ve televizyonun icadından bu yana, operalar bu ortamlarda da icra edildi (ve bu ortamlar için yazıldı). 2006 yılından itibaren bazı büyük opera evleri, performanslarının canlı yüksek çözünürlüklü video yayınlarını dünyanın dört bir yanındaki sinemalarda sunmaya başladı. 2009 yılından bu yana, tüm performanslar indirilebilmekte ve canlı olarak izlenebilmektedir. ⓘ
Opera, genellikle konusunu tarihten, mitolojiden, efsanelerden veya güncel olaylardan alan, sözlerinin tümü veya birçoğu müzikle bestelenmiş, içinde güzel sanatların tümünü barındırabilen (Dans, Dekor, Kostüm, Işık vb.), teatral formda bir sahne eseridir. ⓘ
Operatik terminoloji
Bir operanın sözleri libretto (kelime anlamıyla "küçük kitap") olarak bilinir. Başta Wagner olmak üzere bazı besteciler kendi librettosunu yazmıştır; Mozart ve Lorenzo Da Ponte gibi diğer besteciler ise librettistleriyle yakın işbirliği içinde çalışmıştır. Genellikle "sayı operası" olarak adlandırılan geleneksel opera, iki şarkı söyleme biçiminden oluşur: resitatif, konuşma çekimlerini taklit etmek ve vurgulamak için tasarlanmış bir tarzda söylenen olay örgüsünü yönlendiren pasajlar ve karakterlerin duygularını daha yapılandırılmış bir melodik tarzda ifade ettikleri arya ("hava" veya resmi şarkı). Vokal düetler, üçlüler ve diğer topluluklar sıklıkla ortaya çıkar ve korolar aksiyon hakkında yorum yapmak için kullanılır. Singspiel, opéra comique, operetta ve semi-opera gibi bazı opera türlerinde resitatifin yerini çoğunlukla sözlü diyalog alır. Resitatifin ortasında ya da onun yerine geçen melodik ya da yarı melodik pasajlar da arioso olarak adlandırılır. Çeşitli operatik ses türlerinin terminolojisi aşağıda ayrıntılı olarak açıklanmaktadır. Hem Barok hem de Klasik dönemlerde resitatif, her birine farklı bir enstrümantal topluluğun eşlik ettiği iki temel biçimde ortaya çıkabilirdi: kelimelerin vurgusuyla belirlenen serbest bir ritimle söylenen, yalnızca basso continuo'nun eşlik ettiği secco (kuru) resitatif, ki bu genellikle bir klavsen ve viyolonseldi; ya da orkestranın eşlik ettiği accompagnato (strumentato olarak da bilinir). 18. yüzyıl boyunca aryalara orkestranın eşlik etmesi giderek artmıştır. 19. yüzyıla gelindiğinde, accompagnato üstünlüğü ele geçirmiş, orkestra çok daha büyük bir rol oynamış ve Wagner "sonsuz melodi" olarak adlandırdığı arayışında arya ve resitatif arasındaki neredeyse tüm ayrımları ortadan kaldırarak operada devrim yaratmıştır. Sonraki besteciler Wagner'in örneğini takip etme eğiliminde olmuş, ancak Stravinsky'nin The Rake's Progress adlı eserinde olduğu gibi bazıları bu eğilime karşı çıkmıştır. Orkestranın operadaki değişen rolü aşağıda daha ayrıntılı olarak anlatılmaktadır. ⓘ
Tarihçe
Kökenleri
İtalyanca opera kelimesi, hem harcanan emek hem de üretilen sonuç anlamında "iş" anlamına gelmektedir. İtalyanca sözcük Latince opera sözcüğünden türemiş olup "iş" anlamına gelen tekil bir isimdir ve aynı zamanda opus isminin çoğuludur. Oxford İngilizce Sözlüğü'ne göre, İtalyanca sözcük ilk kez 1639 yılında "şiir, dans ve müziğin bir araya getirildiği kompozisyon" anlamında kullanılmıştır; bu anlamda kaydedilen ilk İngilizce kullanım 1648 yılına aittir. ⓘ
Jacopo Peri'nin Dafne'si, bugün anlaşıldığı şekliyle opera olarak kabul edilen en eski bestedir. Yaklaşık 1597 yılında, büyük ölçüde "Camerata de' Bardi" olarak bir araya gelen Floransalı hümanist okur-yazarlardan oluşan seçkin bir çevrenin ilhamıyla yazılmıştır. Dafne'nin, Rönesans'a özgü daha geniş antik canlanmanın bir parçası olarak klasik Yunan dramasını yeniden canlandırma girişimi olması önemlidir. Camerata üyeleri, Yunan dramalarının "koro" bölümlerinin orijinal olarak söylendiğini ve hatta muhtemelen tüm rollerin tüm metninin söylendiğini düşünüyorlardı; opera bu nedenle bu durumu "restore etmenin" bir yolu olarak düşünülmüştü. Ancak Dafne kaybolmuştur. Peri'nin daha sonraki bir eseri olan 1600 tarihli Euridice, günümüze kadar ulaşan ilk opera partisyonudur. Ancak, halen düzenli olarak sahnelenen ilk opera olma onuru Claudio Monteverdi'nin 1607 yılında Mantua sarayı için bestelediği L'Orfeo'ya aittir. Monteverdi'nin işverenleri olan Gonzagalar'ın Mantua sarayı, yalnızca konçerto delle donne'nin saray şarkıcılarını (1598'e kadar) değil, aynı zamanda ilk gerçek "opera şarkıcılarından" biri olan Madama Europa'yı da istihdam ederek operanın kökeninde önemli bir rol oynamıştır. ⓘ
İtalyan operası
Barok dönem
Opera uzun süre saray seyircisiyle sınırlı kalmadı. 1637'de Venedik'te bilet satışlarıyla desteklenen, halkın izlediği operalardan oluşan bir "sezon" (genellikle karnaval sırasında) fikri ortaya çıktı. Monteverdi Mantua'dan şehre taşınmış ve son operaları olan Il ritorno d'Ulisse in patria ve L'incoronazione di Poppea'yı 1640'larda Venedik tiyatrosu için bestelemişti. En önemli takipçisi Francesco Cavalli operanın tüm İtalya'da yayılmasına yardımcı oldu. Bu erken dönem Barok operalarda geniş komedi, bazı eğitimli duyarlılıkları sarsan bir karışımla trajik unsurlarla harmanlandı ve operanın birçok reform hareketinden ilkini ateşledi. 18. yüzyılın sonuna kadar İtalyan operasının önde gelen formu haline gelen opera seria türünün kristalleşmesine yardımcı olan librettileri şair Metastasio ile ilişkilendirilen Arcadian Akademisi tarafından desteklendi. Metastasian ideali sağlam bir şekilde yerleştikten sonra, Barok dönemi operasında komedi, opera buffa olarak adlandırılan türe ayrılmıştır. Bu tür unsurlar opera seria'dan çıkarılmadan önce, birçok libretti bir tür "opera içinde opera" olarak ayrı ayrı gelişen bir komik olay örgüsüne sahipti. Bunun bir nedeni, yeni zenginleşen ama yine de soylular kadar kültürlü olmayan tüccar sınıfının üyelerini halka açık opera salonlarına çekme çabasıydı. Bu ayrı sahneler, İtalya'nın uzun süredir gelişmekte olan doğaçlama sahne geleneği commedia dell'arte'den kısmen türeyen ve ayrı olarak gelişen bir gelenek içinde neredeyse hemen yeniden canlandırıldı. Tıpkı intermediaların bir zamanlar sahne oyunlarının perde aralarında sahnelenmesi gibi, 1710'lar ve 1720'lerde büyük ölçüde Napoli'de gelişen yeni komik intermezzi türündeki operalar da başlangıçta opera seria'nın araları sırasında sahneleniyordu. Ancak o kadar popüler oldular ki, kısa sürede ayrı yapımlar olarak sunulmaya başlandılar. ⓘ
Opera seria, ton olarak yüksek ve biçim olarak son derece stilize olup, genellikle uzun da capo aryaların arasına serpiştirilmiş secco resitatiflerden oluşurdu. Bunlar virtüözik şarkı söyleme için büyük fırsatlar sunuyordu ve opera seria'nın altın çağında şarkıcı gerçekten yıldız haline gelmişti. Kahramanın rolü genellikle tiz erkek castrato sesi için yazılırdı, bu ses şarkıcının ergenlikten önce hadım edilmesiyle elde edilirdi, bu da bir çocuğun gırtlağının ergenlikte dönüşmesini engellerdi. Farinelli ve Senesino gibi kastratoların yanı sıra Faustina Bordoni gibi kadın sopranolar, opera seria Fransa hariç her ülkede sahneye çıktıkça tüm Avrupa'da büyük rağbet görmeye başladı. Farinelli 18. yüzyılın en ünlü şarkıcılarından biriydi. İtalyan operası Barok standardını belirledi. Handel gibi bir Alman besteci kendini Londra seyircisi için Rinaldo ve Giulio Cesare gibi eserler bestelerken bulduğunda bile İtalyan librettileri normdu. İtalyan librettileri klasik dönemde de, örneğin yüzyılın sonlarına doğru Viyana'da yazan Mozart'ın operalarında baskın olmaya devam etmiştir. Önde gelen İtalyan doğumlu opera seria bestecileri arasında Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi ve Nicola Porpora sayılabilir. ⓘ
Gluck'un reformları ve Mozart
.jpg)
Opera seria'nın zayıf yönleri ve eleştirmenleri vardı. Üstün eğitimli şarkıcıların süsleme zevki ve dramatik saflık ve bütünlüğün yerine gösterinin kullanılması saldırılara neden oldu. Francesco Algarotti'nin Opera Üzerine Deneme (1755) adlı eseri Christoph Willibald Gluck'un reformları için ilham kaynağı oldu. Gluck, opera seria'nın temellerine dönmesi gerektiğini ve tüm çeşitli unsurların -müzik (hem enstrümantal hem de vokal), bale ve sahneleme- ana dramaya tabi olması gerektiğini savundu. 1765 yılında Melchior Grimm, Encyclopédie için lirik ve opera librettoları üzerine etkili bir makale olan "Poème lyrique "i yayınladı. Aralarında Niccolò Jommelli ve Tommaso Traetta'nın da bulunduğu dönemin birçok bestecisi bu idealleri hayata geçirmeye çalıştı. Ancak ilk başarılı olan Gluck olmuştur. Gluck "güzel bir sadelik" elde etmek için çabalamıştır. Bu, ilk reform operası Orfeo ed Euridice'de açıkça görülmektedir; burada virtüoz olmayan vokal melodileri basit armoniler ve baştan sona zengin bir orkestra varlığıyla desteklenmiştir. ⓘ
Gluck'un reformları opera tarihi boyunca yankı bulmuştur. Özellikle Weber, Mozart ve Wagner onun ideallerinden etkilenmiştir. Birçok yönden Gluck'un halefi olan Mozart, mükemmel bir drama, armoni, melodi ve kontrpuan anlayışını birleştirerek Lorenzo Da Ponte'nin librettosuyla bir dizi komik opera yazdı, özellikle Le nozze di Figaro, Don Giovanni ve Così fan tutte en sevilen, popüler ve iyi bilinen operalar arasında yer aldı. Ancak Mozart'ın opera seria'ya katkısı daha karışıktı; onun zamanında opera ölüyordu ve Idomeneo ve La clemenza di Tito gibi güzel eserlere rağmen, bu sanat formunu yeniden hayata döndürmeyi başaramayacaktı. ⓘ
Bel canto, Verdi ve verismo
Bel canto opera akımı 19. yüzyılın başlarında gelişti ve Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante ve diğerlerinin operaları ile örneklendi. Kelimenin tam anlamıyla "güzel şarkı söyleme" anlamına gelen bel canto operası, aynı adı taşıyan İtalyan stilistik şarkı söyleme okulundan türemiştir. Bel canto dizeleri tipik olarak süslü ve karmaşıktır, üstün çeviklik ve perde kontrolü gerektirir. Bel canto tarzındaki ünlü operalara örnek olarak Rossini'nin Il barbiere di Siviglia ve La Cenerentola'sının yanı sıra Bellini'nin Norma, La sonnambula ve I puritani ve Donizetti'nin Lucia di Lammermoor, L'elisir d'amore ve Don Pasquale operaları verilebilir.
Bel canto dönemini takiben, Giuseppe Verdi tarafından İncil'de geçen Nabucco operası ile başlayan daha doğrudan ve güçlü bir stil hızla popülerleşti. Bu opera ve Verdi'nin kariyerindeki diğer operalar İtalyan operasında devrim yaratmış, operayı Rossini ve Donizetti'nin eserlerinde olduğu gibi sadece vokal havai fişek gösterisi olmaktan çıkarıp dramatik bir hikaye anlatımına dönüştürmüştür. Verdi'nin operaları Napolyon sonrası dönemde artan İtalyan milliyetçiliği ruhuyla yankılandı ve kısa sürede birleşik bir İtalya için vatansever hareketin simgesi haline geldi. 1850'lerin başında Verdi en popüler üç operasını üretti: Rigoletto, Il trovatore ve La traviata. Bunlardan ilki olan Rigoletto, en cüretkâr ve devrimci olanıdır. Bu operada Verdi, arya ve resitatif arasındaki ayrımı daha önce hiç olmadığı kadar bulanıklaştırarak operanın "sonu gelmeyen bir düetler dizisi" olmasına yol açmıştır. La traviata da yeniydi. Bir fahişenin öyküsünü anlatır ve genellikle ilk "gerçekçi" operalardan biri olarak gösterilir, çünkü büyük krallar ve edebiyattan figürler yerine sıradan yaşamın ve toplumun trajedilerine odaklanır. Bu eserlerden sonra tarzını geliştirmeye devam eden Verdi, belki de en büyük Fransız büyük operası olan Don Carlos'u besteledi ve kariyerini, İtalyan operasının 19. yüzyılın başlarından bu yana ne kadar geliştiğini gösteren, Shakespeare'den esinlenen iki eserle, Otello ve Falstaff ile sonlandırdı. Verdi'nin en ustaca orkestrasyonunu yaptığı bu son iki eser hem inanılmaz derecede etkili hem de moderndir. Falstaff'ta Verdi, yirminci yüzyıl boyunca operaya hakim olacak biçim ve üslup için önde gelen standardı belirler. Falstaff'ta uzun, askıya alınmış melodiler yerine birçok küçük motif ve slogan yer alır; bunlar genişletilmek yerine tanıtılır ve daha sonra bırakılır, ancak daha sonra tekrar gündeme getirilir. Bu motifler asla genişletilmez ve seyirci tam bir karakterin uzun bir melodiye başlamasını beklerken, yeni bir karakter konuşur ve yeni bir cümle ortaya çıkar. Bu opera tarzı Verdi'den itibaren operaya yön vermiş ve Verdi'nin halefleri Giacomo Puccini, Richard Strauss ve Benjamin Britten üzerinde muazzam bir etki yaratmıştır. ⓘ
Verdi'den sonra İtalya'da verismo'nun duygusal "gerçekçi" melodramı ortaya çıktı. Pietro Mascagni'nin Cavalleria rusticana'sı ve Ruggero Leoncavallo'nun Pagliacci'si ile ortaya çıkan bu tarz, Giacomo Puccini'nin La bohème, Tosca ve Madama Butterfly gibi popüler eserleriyle dünya opera sahnelerine hakim oldu. Berio ve Nono gibi daha sonraki İtalyan besteciler modernizm denemelerinde bulunmuşlardır. ⓘ
Almanca opera
İlk Alman operası 1627 yılında Heinrich Schütz tarafından bestelenen Dafne'dir, ancak müzik notası günümüze ulaşmamıştır. İtalyan operası 18. yüzyılın sonlarına kadar Almanca konuşulan ülkeler üzerinde büyük bir etkiye sahipti. Yine de, bu etkiye rağmen yerel formlar gelişecektir. Sigmund Staden 1644'te ilk Singspiel'i, şarkı söylemenin sözlü diyaloglarla dönüşümlü olarak kullanıldığı popüler bir Almanca opera biçimi olan Seelewig'i üretti. 17. yüzyılın sonları ve 18. yüzyılın başlarında Hamburg'daki Theater am Gänsemarkt'ta Keiser, Telemann ve Handel'in Almanca operaları sahnelenmiştir. Ancak Handel'in yanı sıra Graun, Hasse ve daha sonra Gluck da dahil olmak üzere dönemin önemli Alman bestecilerinin çoğu, operalarının çoğunu yabancı dillerde, özellikle de İtalyanca yazmayı tercih etti. Genellikle aristokrat sınıf için bestelenen İtalyan operasının aksine, Alman operası genellikle kitleler için bestelenmiş ve basit halk benzeri melodiler içerme eğilimindeydi ve Mozart'ın gelişine kadar Alman operası müzikal sofistikasyonda İtalyan muadiliyle eşleşemedi. Abel Seyler'in tiyatro kumpanyası 1770'lerde ciddi Almanca operaya öncülük ederek daha önceki basit müzikli eğlenceden bir kopuşa işaret etti. ⓘ
Mozart'ın Singspiele'leri, Die Entführung aus dem Serail (1782) ve Die Zauberflöte (1791), Alman operasının uluslararası tanınırlık kazanmasında önemli bir atılım olmuştur. Bu gelenek 19. yüzyılda Beethoven tarafından Fransız Devrimi'nin ikliminden esinlenerek Fidelio (1805) ile geliştirilmiştir. Carl Maria von Weber, İtalyan bel canto'sunun egemenliğine karşı Alman Romantik operasını kurdu. Der Freischütz (1821) adlı eseri, doğaüstü bir atmosfer yaratma konusundaki dehasını gösterir. Dönemin diğer opera bestecileri arasında Marschner, Schubert ve Lortzing sayılabilir, ancak en önemli isim kuşkusuz Wagner'dir. ⓘ
Wagner müzik tarihinin en devrimci ve tartışmalı bestecilerinden biriydi. Weber ve Meyerbeer'in etkisi altında başlayarak, yavaş yavaş müzik, şiir ve resmin bir birleşimi olan Gesamtkunstwerk ("eksiksiz bir sanat eseri") olarak yeni bir opera kavramı geliştirdi. Orkestranın rolünü ve gücünü büyük ölçüde artırarak, Der fliegende Holländer, Tannhäuser ve Lohengrin gibi daha önceki operalarında prototiplerini duyabileceğiniz, karmaşık bir leitmotifler ağı, genellikle dramanın karakterleri ve kavramlarıyla ilişkili tekrar eden temalar içeren partisyonlar yarattı; ve daha fazla ifade arayışında tonalite gibi kabul görmüş müzikal gelenekleri ihlal etmeye hazırdı. Tristan und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring des Nibelungen ve Parsifal gibi olgun müzik dramalarında, "sonsuz melodi "nin kesintisiz akışı lehine arya ve resitatif arasındaki ayrımı ortadan kaldırdı. Wagner, genellikle Cermen veya Arthur efsanelerinden hikayelere dayanan eserlerinde operaya yeni bir felsefi boyut da getirdi. Son olarak Wagner, Bavyeralı Ludwig II'nin himayesinin bir kısmıyla Bayreuth'ta kendi opera binasını inşa etti ve sadece kendi eserlerini kendi istediği tarzda sahnelemeye adadı. ⓘ
Wagner'den sonra opera asla eskisi gibi olmayacaktı ve birçok besteci için onun mirası ağır bir yük oldu. Öte yandan Richard Strauss, Wagner'in fikirlerini kabul etti ancak Verdi'nin getirdiği yeni biçimi de dahil ederek onları tamamen yeni yönlere taşıdı. İlk olarak skandal yaratan Salome ve tonalitenin sınırlarını zorladığı karanlık trajedi Elektra ile ün kazandı. Ardından Strauss, Mozart ve Viyana valslerinin Wagner kadar önemli bir etki yarattığı en büyük başarısı Der Rosenkavalier'de yön değiştirdi. Strauss, librettosu genellikle şair Hugo von Hofmannsthal'a ait olan çok çeşitli opera eserleri üretmeye devam etti. Yirminci yüzyılın başlarında Alman operasına bireysel katkılarda bulunan diğer besteciler arasında Alexander von Zemlinsky, Erich Korngold, Franz Schreker, Paul Hindemith, Kurt Weill ve İtalyan doğumlu Ferruccio Busoni sayılabilir. Arnold Schoenberg ve ardıllarının opera alanındaki yenilikleri modernizm bölümünde ele alınmaktadır. ⓘ
19. yüzyılın sonlarında, Jacques Offenbach tarafından bestelenen Fransızca operetlerin hayranı olan Avusturyalı besteci Johann Strauss II, en ünlüsü Die Fledermaus olan birkaç Almanca operet bestelemiştir. Bununla birlikte, Offenbach'ın tarzını kopyalamaktan ziyade, Strauss II'nin operetleri belirgin bir şekilde Viyana tadı taşıyordu. ⓘ
Fransız operası
İthal İtalyan opera yapımlarına rakip olarak, İtalya doğumlu Fransız besteci Jean-Baptiste Lully tarafından Kral 14. Louis'nin sarayında ayrı bir Fransız geleneği kuruldu. Yabancı bir ülkede doğmuş olmasına rağmen Lully bir Müzik Akademisi kurmuş ve 1672'den itibaren Fransız operasını tekeline almıştır. Cadmus et Hermione ile başlayarak, Lully ve librettisti Quinault, dans müziği ve koro yazımının özellikle öne çıktığı bir form olan tragédie en musique'i yarattılar. Lully'nin operaları aynı zamanda Fransız dilinin hatlarına uyan etkileyici bir resitatif kaygısı da gösterir. 18. yüzyılda Lully'nin en önemli halefi, zengin orkestrasyonu ve armonik cüretiyle dikkat çeken beş tragédies en musique'in yanı sıra opéra-ballet gibi diğer türlerde de çok sayıda eser besteleyen Jean-Philippe Rameau'dur. Barok dönemde İtalyan opera seria'sının Avrupa'nın büyük bölümünde popüler olmasına rağmen, İtalyan operası kendi ulusal opera geleneğinin daha popüler olduğu Fransa'da hiçbir zaman fazla yer edinememiştir. Rameau'nun ölümünden sonra, Alman Gluck 1770'lerde Paris sahnesi için altı opera üretmeye ikna edildi. Bunlar Rameau'nun etkisini gösterir, ancak basitleştirilmiş ve drama daha fazla odaklanmıştır. Aynı zamanda, 18. yüzyılın ortalarında Fransa'da başka bir tür popülerlik kazanmaya başlamıştı: opéra comique. Bu, aryaların sözlü diyaloglarla dönüşümlü olarak söylendiği Alman singspiel'inin eşdeğeriydi. Bu tarzın önemli örnekleri Monsigny, Philidor ve özellikle Grétry tarafından üretildi. Devrim ve Napolyon döneminde, Gluck'un takipçileri olan Étienne Méhul, Luigi Cherubini ve Gaspare Spontini gibi besteciler, zaten hiçbir zaman tamamen "komik" olmayan bu türe yeni bir ciddiyet getirdiler. Bu dönemin bir başka fenomeni de, Gossec'in Le triomphe de la République'i (1793) gibi devrimci başarıları kutlayan 'propaganda operası'ydı. ⓘ
1820'lere gelindiğinde, Fransa'daki Gluckian etkisi, özellikle Rossini'nin Paris'e gelişinden sonra yerini İtalyan bel canto zevkine bırakmıştı. Rossini'nin Guillaume Tell'i, en ünlü temsilcisi bir başka yabancı olan Giacomo Meyerbeer olan yeni büyük opera türünün kurulmasına yardımcı oldu. Meyerbeer'in Les Huguenots gibi eserleri virtüöz şarkı söylemeyi ve olağanüstü sahne efektlerini vurguluyordu. Daha hafif opéra comique de Boïeldieu, Auber, Hérold ve Adam'ın elinde büyük başarı kazandı. Bu ortamda, Fransız doğumlu besteci Hector Berlioz'un operaları duyulmak için mücadele etti. Berlioz'un Gluck geleneğinin doruk noktası olan epik başyapıtı Les Troyens neredeyse yüz yıl boyunca tam olarak sahnelenmedi. ⓘ
XIX. yüzyılın ikinci yarısında Jacques Offenbach, Orphée aux enfers gibi nükteli ve alaycı eserlerin yanı sıra Les Contes d'Hoffmann operasıyla operet yarattı; Charles Gounod, Faust ile büyük bir başarı elde etti; Georges Bizet, izleyicilerin Romantizm ve gerçekçilik karışımını kabul etmeyi öğrendikten sonra tüm opéra comiques'lerin en popüleri haline gelen Carmen'i besteledi. Jules Massenet, Camille Saint-Saëns ve Léo Delibes, Massenet'nin Manon'u, Saint-Saëns'ın Samson et Dalila'sı ve Delibes'in Lakmé'si gibi hala standart repertuvarın bir parçası olan eserler besteledi. Operaları, opera comique ve grand operayı birleştiren başka bir tür olan Opera Lyrique'i oluşturdu. Grand operadan daha az görkemlidir, ancak opera comique'in sözlü diyaloğu yoktur. Aynı zamanda, Richard Wagner'in etkisi Fransız geleneğine bir meydan okuma olarak hissedildi. Birçok Fransız eleştirmen Wagner'in müzikli dramalarını öfkeyle reddederken, birçok Fransız besteci onları değişken bir başarıyla yakından taklit etti. Belki de en ilginç tepki Claude Debussy'den geldi. Wagner'in eserlerinde olduğu gibi Debussy'nin eşsiz operası Pelléas et Mélisande'da (1902) da orkestra başrolü oynar ve gerçek aryalar yoktur, sadece resitatifler vardır. Ancak drama abartısız, esrarengiz ve tamamen Wagner'e özgüdür. ⓘ
Diğer önemli 20. yüzyıl isimleri arasında Ravel, Dukas, Roussel, Honegger ve Milhaud sayılabilir. Francis Poulenc, operaları (Dialogues des Carmélites de dahil olmak üzere) uluslararası repertuvarda kendine yer edinmiş, savaş sonrası bestecilerden çok az sayıda milliyetten biridir. Olivier Messiaen'in uzun kutsal draması Saint François d'Assise (1983) de yaygın ilgi görmüştür. ⓘ
İngilizce opera
İngiltere'de operanın öncülü 17. yüzyıl jig'iydi. Bu, bir oyunun sonunda yer alan bir parçaydı. Sıklıkla iftira ve skandal niteliğindeydi ve esas olarak popüler ezgilerden düzenlenmiş müziğe ayarlanmış diyaloglardan oluşuyordu. Bu açıdan jigler 18. yüzyılın balad operalarını öngörür. Aynı zamanda, Fransız maskı, daha önce görülenden çok daha şatafatlı ve son derece gerçekçi sahnelerle İngiliz sarayında sağlam bir yer ediniyordu. Inigo Jones bu yapımların en önemli tasarımcısı oldu ve bu tarz üç yüzyıl boyunca İngiliz sahnesine hakim olacaktı. Bu maskeler şarkılar ve danslar içeriyordu. Ben Jonson'ın Lovers Made Men (1617) adlı oyununda "tüm mask İtalyan tarzında, stilo recitativo söyleniyordu". İngiliz Milletler Topluluğu'nun yaklaşımı tiyatroları kapattı ve İngiliz operasının kurulmasına yol açabilecek her türlü gelişmeyi durdurdu. Ancak 1656'da tiyatro yazarı Sir William Davenant Rodos Kuşatması'nı sahneye koydu. Tiyatrosunun drama üretme lisansı olmadığından, önde gelen bestecilerden (Lawes, Cooke, Locke, Coleman ve Hudson) oyunun bazı bölümlerini müziklendirmelerini istedi. Bu başarıyı Peru'daki İspanyolların Zulmü (1658) ve Sir Francis Drake'in Tarihi (1659) izledi. Bu eserler İspanya'yı eleştirdikleri için Oliver Cromwell tarafından teşvik edilmiştir. İngiliz Restorasyonu ile birlikte, yabancı (özellikle Fransız) müzisyenler geri kabul edildi. 1673'te Thomas Shadwell'in Psyche adlı eseri, Molière ve Jean-Baptiste Lully'nin 1671'de yazdığı aynı adlı 'comédie-ballet'den esinlenerek bestelenmiştir. Aynı yıl William Davenant, bir Shakespeare oyununun (Locke ve Johnson tarafından bestelenmiştir) ilk müzikal uyarlaması olan The Tempest'ı sahneye koymuştur. Yaklaşık 1683 yılında John Blow, genellikle ilk gerçek İngilizce opera olarak kabul edilen Venüs ve Adonis'i bestelemiştir. ⓘ
Blow'un hemen ardından daha iyi bilinen Henry Purcell geldi. İtalyan tarzı resitatif kullanımıyla aksiyonun ilerletildiği başyapıtı Dido ve Aeneas'ın (1689) başarısına rağmen, Purcell'in en iyi çalışmalarının çoğu tipik opera bestelemekle ilgili değildi, bunun yerine, Purcell'in The Fairy-Queen'indeki (1692) Shakespeare ve The Prophetess (1690) ve Bonduca'daki (1696) Beaumont ve Fletcher gibi, genellikle yarı opera formatının kısıtlamaları içinde çalışmıştır; burada izole sahneler ve maskeler sözlü bir oyunun yapısı içinde yer alır. Oyunun ana karakterleri müzikal sahnelere dahil olmama eğilimindedir, bu da Purcell'in karakterlerini şarkı yoluyla nadiren geliştirebildiği anlamına gelir. Bu engellere rağmen, Purcell'in (ve işbirlikçisi John Dryden'ın) amacı İngiltere'de ciddi bir opera kurmaktı, ancak bu umutlar Purcell'in 36 yaşında erken ölümüyle sona erdi. ⓘ
Purcell'in ardından İngiltere'de operanın popülaritesi birkaç on yıl boyunca azaldı. 1730'larda operaya olan ilginin yeniden canlanması, hem kendi besteleri hem de Handel'i İngilizce büyük ölçekli eserlerin ticari olanakları konusunda uyardığı için büyük ölçüde Thomas Arne'ye atfedilir. Arne, İtalyan tarzı tamamı şarkılı komik opera denemeleri yapan ilk İngiliz besteciydi ve en büyük başarısı 1760'ta Thomas ve Sally oldu. Artaxerxes (1762) operası, İngilizce'de tam anlamıyla bir opera seria'nın ilk denemesiydi ve 1830'lara kadar sahnede kalarak büyük bir başarı elde etti. Arne, İtalyan operasının birçok unsurunu taklit etmiş olsa da, o dönemde İtalyan etkilerinin ötesine geçebilen ve kendine özgü ve belirgin bir İngiliz sesi yaratabilen belki de tek İngiliz besteciydi. Modernize edilmiş balad operası Love in a Village (1762), 19. yüzyıla kadar sürecek olan pastiş opera modasını başlatmıştır. Charles Burney, Arne'nin "tüm İngiliz bestecilerin ya yağmaladığı ya da taklit ettiği Purcell veya Handel'inkinden tamamen farklı, hafif, havadar, orijinal ve hoş bir melodi" ortaya koyduğunu yazmıştır. ⓘ
Arne'nin yanı sıra, bu dönemde İngiliz operasında baskın olan diğer güç, opera serileri on yıllar boyunca Londra opera sahnelerini dolduran ve İtalyan modellerini kullanarak yazan John Frederick Lampe gibi çoğu yerli besteciyi etkileyen George Frideric Handel'di. Bu durum, Michael William Balfe'nin çalışmaları da dahil olmak üzere 18. ve 19. yüzyıllar boyunca devam etti ve büyük İtalyan bestecilerin yanı sıra Mozart, Beethoven ve Meyerbeer'in operaları İngiltere'deki müzik sahnesine hakim olmaya devam etti. ⓘ
Bunun tek istisnası John Gay'in The Beggar's Opera'sı (1728) gibi balad operaları, müzikal burleskler, Avrupa operetleri ve özellikle W. S. Gilbert ve Arthur Sullivan'ın Savoy Operaları gibi geç Viktorya dönemi hafif operalarıydı; tüm bu müzikal eğlence türleri sıklıkla opera geleneklerini taklit ediyordu. Sullivan sadece bir büyük opera, Ivanhoe yazdı (1876'dan itibaren bir dizi genç İngiliz bestecinin çabalarını takiben), ancak hafif operalarının bile 19. yüzyılın ortalarından 1870'lere kadar Londra sahnesine hakim olan Fransız operetlerinin (genellikle kötü çevirilerle icra edilen) yerini almayı amaçlayan bir "İngiliz" opera okulunun bir parçasını oluşturduğunu iddia etti. Londra'da yayımlanan Daily Telegraph gazetesi de aynı fikirdeydi ve The Yeomen of the Guard'ı "gerçek bir İngiliz operası, diğerlerinin öncüsü, umarız ulusal bir lirik sahneye doğru ilerleyişin işareti" olarak tanımlıyordu. Sullivan 1890'larda Haddon Hall ve The Beauty Stone da dahil olmak üzere G&S serisindekilerden daha ciddi nitelikte birkaç hafif opera üretti, ancak Ivanhoe (Broadway'in La bohème'ine kadar bir rekor olan dönüşümlü oyuncular kullanılarak arka arkaya 155 performans sergiledi) tek büyük operası olarak hayatta kaldı. ⓘ
20. yüzyılda İngiliz operası, Ralph Vaughan Williams ve özellikle de bugün standart repertuvarda yer alan bir dizi eserde dramatik ve üstün müzikalite için mükemmel bir yetenek ortaya koyan Benjamin Britten'ın eserleriyle daha bağımsız olmaya başladı. Yakın zamanda Sir Harrison Birtwistle, ilk operası Punch and Judy'den en son eleştirel başarısı The Minotaur'a kadar İngiltere'nin en önemli çağdaş bestecilerinden biri olarak ortaya çıkmıştır. Birtwistle'ın erken dönem operalarından birinin librettisti olan Michael Nyman, 21. yüzyılın ilk on yılında, aralarında Facing Goya, Man and Boy: Dada ve Love Counts gibi operalar bestelemiştir. Bugün Thomas Adès gibi besteciler İngiliz operasını yurtdışına ihraç etmeye devam ediyor. ⓘ
Yine 20. yüzyılda George Gershwin (Porgy and Bess), Scott Joplin (Treemonisha), Leonard Bernstein (Candide), Gian Carlo Menotti, Douglas Moore ve Carlisle Floyd gibi Amerikalı besteciler, popüler müzik tarzlarından dokunuşlar içeren İngilizce operalar bestelemeye başladı. Onları Philip Glass (Einstein on the Beach), Mark Adamo, John Corigliano (The Ghosts of Versailles), Robert Moran, John Adams (Nixon in China), André Previn ve Jake Heggie gibi besteciler takip etti. Missy Mazzoli, Kevin Puts, Tom Cipullo, Huang Ruo, David T. Little, Terence Blanchard, Jennifer Higdon, Tobias Picker, Michael Ching ve Ricky Ian Gordon gibi birçok çağdaş 21. yüzyıl opera bestecisi ortaya çıkmıştır. ⓘ
Rus operası
Opera, 1730'larda İtalyan opera toplulukları tarafından Rusya'ya getirildi ve kısa sürede Rus İmparatorluk Sarayı ve aristokrasisi için eğlencenin önemli bir parçası haline geldi. Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti ve Domenico Cimarosa (ve diğerleri) gibi birçok yabancı besteci, çoğunlukla İtalyan dilinde yeni operalar bestelemek üzere Rusya'ya davet edildi. Aynı zamanda Maksym Berezovsky ve Dmitry Bortniansky gibi bazı yerli müzisyenler de opera yazmayı öğrenmeleri için yurtdışına gönderildi. Rusça yazılan ilk opera İtalyan besteci Francesco Araja'nın Tsefal i Prokris (1755) adlı eseriydi. Rusça operanın gelişimi Rus besteciler Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin ve Alexey Verstovsky tarafından desteklenmiştir. ⓘ
Ancak Rus operasının gerçek doğuşu Mikhail Glinka ve onun iki büyük operası Çar İçin Bir Hayat (1836) ve Ruslan ve Lyudmila (1842) ile olmuştur. Ondan sonra 19. yüzyıl boyunca Rusya'da Alexander Dargomyzhsky'nin Rusalka ve Taş Misafir, Modest Mussorgsky'nin Boris Godunov ve Khovanshchina, Alexander Borodin'in Prens Igor, Pyotr Tchaikovsky'nin Eugene Onegin ve Maça Kızı, Nikolai Rimsky-Korsakov'un The Snow Maiden ve Sadko gibi opera başyapıtları yazıldı. Bu gelişmeler, daha genel Slavofilizm hareketinin bir parçası olarak, Rus milliyetçiliğinin sanatsal yelpazedeki büyümesini yansıtıyordu. ⓘ
20. yüzyılda Rus opera geleneği, aralarında Sergei Rachmaninoff'un The Miserly Knight ve Francesca da Rimini, Igor Stravinsky'nin Le Rossignol, Mavra, Oedipus rex ve The Rake's Progress, Sergei Prokofiev'in The Gambler, The Love for Three Oranges, The Fiery Angel, Betrothal in a Monastery ve War and Peace adlı eserlerinin de bulunduğu birçok besteci tarafından geliştirilmiştir; Dmitri Shostakovich'in The Nose ve Lady Macbeth of the Mtsensk District, Edison Denisov'un L'écume des jours ve Alfred Schnittke'nin Life with an Idiot ve Historia von D. Johann Fausten. ⓘ
Çek operası
Çek besteciler de 19. yüzyılda Bedřich Smetana ile başlayan ve aralarında uluslararası alanda popüler olan Takas Edilen Gelin'in de bulunduğu sekiz opera yazarak kendi ulusal opera hareketlerini geliştirmişlerdir. Smetana'nın sekiz operası Çek opera repertuvarının temelini oluşturdu, ancak bunlardan sadece Takas Edilen Gelin bestecinin anavatanı dışında düzenli olarak sahnelendi. Eser 1892'de Viyana'ya ve 1895'te Londra'ya ulaştıktan sonra hızla dünya çapındaki tüm büyük opera topluluklarının repertuvarına girdi. ⓘ
.png)
Antonín Dvořák'ın ilk operası hariç dokuz operasının librettosu Çekçedir ve bazı koro eserlerinde olduğu gibi Çek ulusal ruhunu yansıtmayı amaçlamıştır. Operalar arasında açık ara en başarılı olanı, ünlü arya "Měsíčku na nebi hlubokém "i ("Ay'a Şarkı") içeren Rusalka'dır; Çek Cumhuriyeti dışında çağdaş opera sahnelerinde sıklıkla çalınmaktadır. Bu durum, eserlerin eşitsiz icat ve librettilerine ve belki de sahneleme gerekliliklerine bağlanabilir - Jakoben, Armida, Vanda ve Dimitrij'in işgalci orduları canlandırmak için yeterince büyük sahnelere ihtiyaçları vardır. ⓘ
Leoš Janáček 20. yüzyılda yenilikçi eserleriyle uluslararası alanda tanındı. Daha sonraki olgunluk dönemi eserleri, ilk olarak 1904'te Brno'da prömiyeri yapılan Jenůfa operasında görüldüğü üzere, ulusal halk müziği üzerine daha önceki çalışmalarını modern ve son derece özgün bir sentezde bir araya getirmiştir. Jenůfa'nın (genellikle "Moravya ulusal operası" olarak adlandırılır) 1916'da Prag'daki başarısı Janáček'e dünyanın büyük opera sahnelerine erişim sağladı. Janáček'in daha sonraki eserleri en ünlü eserleridir. Bunlar arasında Káťa Kabanová ve The Cunning Little Vixen gibi operalar, Sinfonietta ve Glagolitic Mass yer alır. ⓘ
Diğer ulusal operalar
İspanya aynı zamanda zarzuela olarak bilinen ve iki ayrı çiçeklenme dönemi yaşayan kendine özgü bir opera türü de üretmiştir: biri 17. yüzyılın ortalarından 18. yüzyılın ortalarına kadar, diğeri ise 1850'lerden itibaren. 18. yüzyılın sonlarından 19. yüzyılın ortalarına kadar İtalyan operası İspanya'da son derece popüler olmuş ve yerel formun yerini almıştır. ⓘ
Rusya'nın Doğu Avrupa bölgesinde birkaç ulusal opera ortaya çıkmaya başlamıştır. Ukrayna operası, en ünlü eseri Zaporozhets za Dunayem (Tuna'nın Ötesinde Bir Kazak) dünya çapında düzenli olarak sahnelenen Semen Hulak-Artemovsky (1813-1873) tarafından geliştirilmiştir. Diğer Ukraynalı opera bestecileri arasında Mykola Lysenko (Taras Bulba ve Natalka Poltavka), Heorhiy Maiboroda ve Yuliy Meitus sayılabilir. Yüzyılın başında Gürcistan'da, yerel halk şarkılarını ve hikayelerini 19. yüzyıl Romantik klasik temalarıyla birleştiren Zacharia Paliashvili önderliğinde farklı bir ulusal opera hareketi de ortaya çıkmaya başladı. ⓘ
Macar ulusal operasının 19. yüzyıldaki kilit ismi, eserlerinde çoğunlukla tarihi temaları işleyen Ferenc Erkel'di. En sık sahnelenen operaları arasında Hunyadi László ve Bánk bán yer almaktadır. En ünlü modern Macar operası Béla Bartók'un Dük Mavi Sakal'ın Şatosu'dur. ⓘ
Stanisław Moniuszko'nun Straszny Dwór (İngilizce The Haunted Manor) operası (1861-64) Polonya ulusal operasının on dokuzuncu yüzyıldaki zirvesini temsil eder. Yirminci yüzyılda Polonyalı besteciler tarafından yaratılan diğer operalar arasında Karol Szymanowski'nin Kral Roger ve Krzysztof Penderecki'nin Ubu Rex operaları sayılabilir. ⓘ
Türkiye'den (Osmanlı İmparatorluğu) bilinen ilk opera, etnik bir Ermeni besteci olan Tigran Chukhajian tarafından 1868 yılında bestelenen ve 1873 yılında kısmen sahnelenen bir Ermeni operası olan Arshak II'dir. Tam olarak 1945 yılında Ermenistan'da sahnelenmiştir. ⓘ
Sovyetler Birliği'nin ilk yıllarında Azerbaycanlı besteci Üzeyir Hacıbeyov'un Koroğlu (1937) gibi yeni ulusal operalar ortaya çıkmıştır. İlk Kırgız operası olan Ai-Churek'in prömiyeri 26 Mayıs 1939'da Kırgız Sanat Onyılı sırasında Moskova'da Bolşoy Tiyatrosu'nda yapıldı. Vladimir Vlasov, Abdylas Maldybaev ve Vladimir Fere tarafından bestelenmiştir. Libretto Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov ve Kybanychbek Malikov tarafından yazılmıştır. Opera, Kırgız kahramanlık destanı Manas'a dayanmaktadır. ⓘ
İran'da opera, 19. yüzyılın sonlarında Batı klasik müziğinin tanıtılmasından sonra daha fazla ilgi görmeye başlamıştır. Ancak İranlı bestecilerin bu alanda deneyim kazanmaya başlaması 20. yüzyılın ortalarını bulmuş, özellikle de 1967'de Roudaki Salonu'nun inşa edilmesiyle çok çeşitli eserlerin sahnelenmesi mümkün olmuştur. Belki de en ünlü İran operası Loris Tjeknavorian'ın 2000'li yılların başına kadar prömiyeri yapılmayan Rostam ve Sohrab'ıdır. ⓘ
Geleneksel Çin operasından farklı olarak Batı tarzı operanın Çince bir formu olan Çin çağdaş klasik operası, 1945'teki Beyaz Saçlı Kız'a kadar uzanan operalara sahiptir. ⓘ
Latin Amerika'da opera, Avrupa sömürgeciliğinin bir sonucu olarak başlamıştır. Amerika kıtasında yazılan ilk opera Tomás de Torrejón y Velasco'nun La púrpura de la rosa'sıdır, ancak Meksikalı Manuel de Zumaya'nın Partenope'si Latin Amerika'da doğan bir bestecinin yazdığı ilk operadır (müzik artık kayıptır). Portekizce bir libretto için yazılan ilk Brezilya operası Elias Álvares Lobo'nun A Noite de São João adlı eseridir. Bununla birlikte, Antônio Carlos Gomes genellikle en seçkin Brezilyalı besteci olarak kabul edilir ve Il Guarany gibi İtalyan librettolu Brezilya temalı operalarıyla İtalya'da göreceli bir başarı elde etmiştir. Arjantin'de opera, Buenos Aires'te Teatro Colón'un açılmasından sonra 20. yüzyılda gelişmiştir; Ettore Panizza'nın Aurora operası, göç nedeniyle İtalyan geleneğinden büyük ölçüde etkilenmiştir. Arjantinli diğer önemli besteciler arasında Felipe Boero ve Alberto Ginastera sayılabilir. ⓘ
Çağdaş, yakın dönem ve modernist eğilimler
Modernizm
Operada modernizmin belki de en belirgin stilistik tezahürü atonalitenin gelişimidir. Operada geleneksel tonaliteden uzaklaşma Richard Wagner ve özellikle Tristan akoru ile başlamıştı. Richard Strauss, Claude Debussy, Giacomo Puccini, Paul Hindemith, Benjamin Britten ve Hans Pfitzner gibi besteciler, kromatizmin daha aşırı kullanımı ve uyumsuzluğun daha fazla kullanımı ile Wagnerci armoniyi daha da ileri götürdüler. Modernist operanın bir başka yönü de, ilk kez Giuseppe Verdi'nin Falstaff'ında gösterdiği gibi, uzun, askıda kalmış melodilerden kısa ve hızlı sloganlara geçiştir. Strauss, Britten, Shostakovich ve Stravinsky gibi besteciler bu tarzı benimsemiş ve genişletmişlerdir. ⓘ
Operatik modernizm gerçek anlamda iki Viyanalı bestecinin, Arnold Schoenberg ve öğrencisi Alban Berg'in operalarında başlamıştır; her ikisi de atonalitenin ve onun daha sonraki gelişimi olan (Schoenberg tarafından geliştirilen) dodekafoninin bestecileri ve savunucularıdır. Schoenberg'in erken dönem müziko-dramatik eserleri Erwartung (1909, prömiyeri 1924'te yapıldı) ve Die glückliche Hand, kromatik armoni ve genel olarak uyumsuzluğun yoğun kullanımını sergiler. Schoenberg zaman zaman Sprechstimme de kullanmıştır. ⓘ
Schoenberg'in öğrencisi Alban Berg'in iki operası Wozzeck (1925) ve Lulu (1935'te öldüğünde tamamlanmamıştı) yukarıda anlatılan özelliklerin çoğunu paylaşsa da Berg, Schoenberg'in on iki ton tekniğine getirdiği son derece kişisel yorumunu daha geleneksel tonal yapıdaki melodik pasajlarla (oldukça Mahlerian karakterde) birleştirmiştir ki bu durum belki de tartışmalı müziklerine ve konularına rağmen operalarının neden standart repertuvarda kaldığını kısmen açıklamaktadır. Schoenberg'in teorileri, onun tekniklerini kullanarak beste yapmamış olsalar bile, o zamandan beri önemli sayıda opera bestecisini (doğrudan ya da dolaylı olarak) etkilemiştir. ⓘ
Bu şekilde etkilenen besteciler arasında İngiliz Benjamin Britten, Alman Hans Werner Henze ve Rus Dmitri Shostakovich sayılabilir. (Philip Glass da atonaliteden yararlanır, ancak onun tarzı genellikle minimalist olarak tanımlanır ve genellikle başka bir 20. yüzyıl gelişimi olarak düşünülür). ⓘ
Bununla birlikte, operatik modernizmin atonaliteyi kullanması neoklasisizm şeklinde bir tepkiye de yol açtı. Bu akımın ilk liderlerinden biri, 1913'te neoklasik sayı operası Arlecchino'nun (ilk kez 1917'de sahnelendi) librettosunu yazan Ferruccio Busoni'ydi. Ayrıca Rus Igor Stravinsky de öncüler arasındaydı. Diaghilev yapımı Petrushka (1911) ve The Rite of Spring (1913) baleleri için müzik besteledikten sonra Stravinsky, Oedipus Rex (1927) opera-oratoryosu ile doruğa ulaşan bir gelişme olan neoklasizme yöneldi. Stravinsky, Renard (1916: "şarkılı ve danslı bir burlesk") ve The Soldier's Tale (1918: "okunacak, çalınacak ve oynanacak") dahil olmak üzere, tam olarak opera olarak nitelendirilemeyen, ancak kesinlikle birçok operatik unsur içeren küçük ölçekli eserler üretmek için erken dönem balelerinin modernist eğilimlerinden çoktan uzaklaşmıştı: "okunacak, oynanacak ve dans edilecek"; her iki durumda da açıklamalar ve talimatlar besteciye aittir). Sonuncusunda oyuncular, eski Alman Melodram türüne benzer şekilde, enstrümantal eşlik eşliğinde belirli bir ritimle konuşmanın bazı bölümlerini seslendirir. Stravinsky, Rimsky-Korsakov'dan esinlendiği The Nightingale (1914) ve Mavra (1922) adlı eserlerinden sonra, serialist tekniği görmezden gelmeye devam etti ve sonunda tam teşekküllü bir 18. yüzyıl tarzı diyatonik sayı operası olan The Rake's Progress'i (1951) yazdı. Seriyalizme karşı direnişi (Schoenberg'in ölümünün ardından bu tutumunu tersine çevirdi) diğer birçok besteci için ilham kaynağı oldu. ⓘ
Diğer eğilimler
Hem opera hem de genel orkestra repertuarında 20. yüzyıl boyunca yaygın bir eğilim, maliyet düşürücü bir önlem olarak daha küçük orkestraların kullanılmasıdır; büyük yaylı bölümleri, çoklu arplar, ekstra kornolar ve egzotik vurmalı çalgılara sahip büyük Romantik dönem orkestraları artık uygulanabilir değildi. Devletin ve özel sektörün sanata verdiği destek 20. yüzyıl boyunca azaldıkça, yeni eserler genellikle daha küçük bütçelerle sipariş ediliyor ve icra ediliyordu; bu da çoğunlukla oda müziği boyutunda eserler ve kısa, tek perdelik operalarla sonuçlanıyordu. Benjamin Britten'ın operalarının çoğu 13 enstrümantalist için bestelenmiştir; Mark Adamo'nun iki perdelik Küçük Kadınlar'ı 18 enstrümantalist için bestelenmiştir. ⓘ
Geç 20. yüzyıl operasının bir başka özelliği de, operaların daha uzak bir tarihe, çağdaş kurgusal öykülerin ya da oyunların yeniden anlatımına ya da efsane ve mitlere dayandırılması geleneğinin aksine, çağdaş tarihsel operaların ortaya çıkmasıdır. John Adams'ın Klinghoffer'in Ölümü, Nixon Çin'de ve Doktor Atomic, Jake Heggie'nin Dead Man Walking ve Mark-Anthony Turnage'ın Anna Nicole operaları, operada canlandırılan karakterlerin prömiyer performansı sırasında hayatta olduğu, yakın geçmişte yaşanan olayların sahnede dramatize edilmesine örnek teşkil etmektedir. ⓘ
ABD'deki Metropolitan Operası (genellikle Met olarak bilinir) 2011 yılında izleyicilerinin yaş ortalamasının 60 olduğunu bildirmiştir. Birçok opera şirketi, 20. yüzyılın son on yıllarından bu yana klasik müzik izleyicilerinin giderek yaşlanması eğilimini durdurmak için daha genç bir izleyici kitlesi çekmeye çalıştı. Bu çabalar sonucunda Met'in seyirci yaş ortalaması 2018'de 58'e düşerken, Berlin Devlet Operası'nın yaş ortalaması 54, Paris Operası'nın yaş ortalaması ise 48 olarak bildirilmiştir. ⓘ
ABD'deki daha küçük şirketler daha kırılgan bir varoluşa sahiptir ve genellikle eyalet ve yerel yönetimlerden, yerel işletmelerden ve bağış toplayanlardan gelen "yamalı bir yorgana" bağlıdırlar. Bununla birlikte, bazı küçük şirketler yeni izleyiciler çekmenin yollarını bulmuştur. Opera performanslarının radyo ve televizyon yayınlarının yeni izleyiciler kazanma konusunda bazı başarılar elde etmesinin yanı sıra, canlı performansların sinema salonlarına yayınlanması da yeni izleyicilere ulaşma potansiyelini göstermiştir. ⓘ
Müzikallerden operaya dönüş
1930'ların sonlarına doğru, bazı müzikaller daha operatik bir yapıyla yazılmaya başlanmıştır. Bu eserler karmaşık polifonik topluluklar içerir ve dönemlerinin müzikal gelişmelerini yansıtır. Caz stillerinden etkilenen Porgy and Bess (1935) ve geniş, lirik pasajları ve operanın gülünç parodileriyle Candide (1956) Broadway'de açılmış, ancak opera repertuvarının bir parçası olarak kabul görmüştür. Show Boat, West Side Story, Brigadoon, Sweeney Todd, Passion, Evita, The Light in the Piazza, The Phantom of the Opera ve diğerleri gibi popüler müzikaller karmaşık müzikler aracılığıyla dramatik hikayeler anlatmaktadır ve 2010'lu yıllarda bazen opera salonlarında görülmektedir. The Most Happy Fella (1952) yarı operatiktir ve New York Şehir Operası tarafından yeniden canlandırılmıştır. Tommy (1969) ve Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) ve Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) gibi rock etkisindeki diğer müzikaller, kompozisyon, diyalog yerine resitatif ve leitmotifler gibi çeşitli opera geleneklerini kullanır. ⓘ
Operada akustik iyileştirme
Bazı modern konser salonlarında ve operaların sahnelendiği tiyatrolarda akustik güçlendirme adı verilen ince bir ses elektronik güçlendirme türü kullanılmaktadır. Büyük opera evlerinin hiçbiri "...tüm şarkıcıların olmasa da çoğunun tiyatronun her yerine dağılmış bir dizi çirkin hoparlöre karıştırılan radyo mikrofonlarıyla donatıldığı geleneksel, Broadway tarzı ses güçlendirme kullanmasa da", çoğu akustik güçlendirme ve sahne dışı seslerin, çocuk şarkıcıların, sahnedeki diyalogların ve ses efektlerinin (örneğin Tosca'daki kilise çanları veya Wagnerian operalarındaki gök gürültüsü efektleri) ince bir şekilde güçlendirilmesi için bir ses güçlendirme sistemi kullanır. ⓘ
Operatik sesler
Operatik vokal tekniği, elektronik amplifikasyondan önceki bir dönemde, şarkıcıların, enstrümantalistlerin seslerinden önemli ölçüde ödün vermek zorunda kalmadan, bir orkestranın üzerinde duyulabilecek kadar ses üretmelerine izin vermek için gelişmiştir. ⓘ
Vokal sınıflandırmaları
Şarkıcılar ve oynadıkları roller, seslerinin tessiturası, çevikliği, gücü ve tınısına göre ses türüne göre sınıflandırılır. Erkek şarkıcılar ses aralıklarına göre bas, bas-bariton, bariton, baritenor, tenor ve kontrtenor olarak, kadın şarkıcılar ise kontralto, mezzo-soprano ve soprano olarak sınıflandırılabilir. (Erkekler bazen "kadın" vokal aralıklarında şarkı söylerler, bu durumda sopranist veya kontrtenor olarak adlandırılırlar. Kontrtenorlara operada sıkça rastlanır, bazen daha yüksek bir ses aralığına sahip olmaları için genç yaşta kısırlaştırılan kastrati erkekleri için yazılmış bölümleri söylerler). Şarkıcılar daha sonra boyutlarına göre sınıflandırılır - örneğin, bir soprano lirik soprano, koloratür, soubrette, spinto veya dramatik soprano olarak tanımlanabilir. Bu terimler, bir şan sesini tam olarak tanımlamasa da, şarkıcının sesini, şarkıcının vokal özelliklerine en uygun rollerle ilişkilendirir. ⓘ
Bir başka alt sınıflandırma da oyunculuk becerilerine ya da gerekliliklerine göre yapılabilir; örneğin basso buffo'nun komik bir aktör olmasının yanı sıra, genellikle patter konusunda da uzman olması gerekir. Bu, tarihsel olarak opera ve sözlü dramanın genellikle aynı repertuvar şirketi tarafından sahnelendiği Almanca konuşulan ülkelerdeki Fach sisteminde ayrıntılı olarak gerçekleştirilir. ⓘ
Belirli bir şarkıcının sesi yaşamı boyunca büyük ölçüde değişebilir, nadiren üçüncü on yıla kadar ve bazen de orta yaşa kadar ses olgunluğuna ulaşamaz. İki Fransız ses tipi, premiere dugazon ve deuxieme dugazon, Louise-Rosalie Lefebvre'nin (Mme. Dugazon) kariyerindeki birbirini izleyen aşamalardan sonra adlandırılmıştır. Paris tiyatrolarının yıldız oyuncu seçme sisteminden kaynaklanan diğer terimler baryton-martin ve soprano falcon'dur. ⓘ
Ses parçalarının tarihsel kullanımı
- Aşağıdakiler sadece kısa bir genel bakış niteliğindedir. Ana makaleler için soprano, mezzo-soprano, kontralto, tenor, bariton, bas, kontrtenor ve kastrato'ya bakınız. ⓘ
Soprano sesi tipik olarak 18. yüzyılın ikinci yarısından bu yana operanın kadın kahramanı için tercih edilen ses olarak kullanılmaktadır. Daha önceleri, bu rolün herhangi bir kadın sesi, hatta bir kastrato tarafından söylenmesi yaygındı. Geniş bir ses aralığına yapılan mevcut vurgu, öncelikle Klasik dönemin bir icadıydı. Ondan önce ses aralığı değil, vokal virtüözitesi öncelikliydi; soprano partileri nadiren yüksek La'nın üzerine çıkıyordu (örneğin Handel, yüksek Do'ya kadar uzanan sadece bir rol yazmıştı), ancak kastrato Farinelli'nin üst Re'ye sahip olduğu iddia ediliyordu (alt aralığı da olağanüstüydü, tenor Do'ya kadar uzanıyordu). Nispeten yeni bir terim olan mezzo-soprano da Purcell'in Dido ve Aeneas'ındaki kadın başrolden Wagner'in Tristan und Isolde'sindeki Brangäne gibi ağır rollere kadar uzanan geniş bir repertuara sahiptir (bu iki rol de bazen sopranolar tarafından söylenir; bu iki ses türü arasında oldukça fazla hareket vardır). Gerçek kontralto için rol yelpazesi daha sınırlıdır, bu da kontraltoların sadece "cadı, orospu ve sürtük" rollerini söylediğine dair içeriden bir şakaya yol açmıştır. Son yıllarda, Barok dönemden kalma, orijinal olarak kadınlar için yazılmış ve castrati tarafından söylenen "pantolon rollerinin" çoğu kontrtenorlara verilmiştir. ⓘ
Klasik dönemden itibaren tenor sesine geleneksel olarak erkek başrol oyuncusu rolü verilmiştir. Repertuardaki en zorlu tenor rollerinin çoğu bel canto döneminde yazılmıştır, örneğin Donizetti'nin La fille du régiment eserindeki orta do üzerinde 9 do dizisi gibi. Wagner ile birlikte başrol rolleri için vokal ağırlığına vurgu yapıldı ve bu vokal kategorisi Heldentenor olarak tanımlandı; bu kahramanca sesin Puccini'nin Turandot'undaki Calaf gibi rollerde daha İtalyan bir karşılığı vardı. Baslar operada uzun bir geçmişe sahiptir, opera seria'da yardımcı rollerde ve bazen komik rahatlama için kullanılmıştır (bu türdeki yüksek seslerin baskınlığına bir kontrast sağlamanın yanı sıra). Bas repertuarı, Don Giovanni'deki Leporello'nun komedisinden Wagner'in Ring Cycle'ındaki Wotan'ın asaletine ve Verdi'nin Don Carlos'unun çatışmalı Kral Phillip'ine kadar uzanan geniş ve çeşitlidir. Bas ve tenor arasında yer alan bariton da Mozart'ın Così fan tutte'sindeki Guglielmo'dan Verdi'nin Don Carlos'undaki Posa'ya kadar çeşitlilik gösterir; gerçek "bariton" tanımı 19. yüzyılın ortalarına kadar standart değildi. ⓘ
Ünlü şarkıcılar
İlk opera temsilleri, şarkıcıların yalnızca bu tarzdan geçimlerini sağlayamayacakları kadar seyrekti, ancak 17. yüzyılın ortalarında ticari operanın doğuşuyla birlikte profesyonel sanatçılar ortaya çıkmaya başladı. Erkek kahraman rolü genellikle bir castrato'ya verilirdi ve İtalyan operasının tüm Avrupa'da sahnelendiği 18. yüzyılda, Senesino ve Farinelli gibi olağanüstü ses virtüözitesine sahip önde gelen castrati'ler uluslararası yıldızlar haline geldi. İlk büyük kadın yıldız (ya da prima donna) Anna Renzi'nin kariyeri 17. yüzyılın ortalarına dayanır. 18. yüzyılda bir dizi İtalyan soprano uluslararası üne kavuşmuş ve Handel operasının bir temsili sırasında birbirleriyle yumruk yumruğa kavga eden Faustina Bordoni ve Francesca Cuzzoni örneğinde olduğu gibi sık sık şiddetli rekabetlere girişmişlerdir. Fransızlar castrati'lerden hoşlanmaz, erkek kahramanlarının bir haute-contre (yüksek tenor) tarafından söylenmesini tercih ederlerdi ki Joseph Legros (1739-1793) bunun önde gelen örneğiydi. ⓘ
Son yüzyılda opera himayesi diğer sanatlar ve medya (müzikaller, sinema, radyo, televizyon ve kayıtlar gibi) lehine azalmış olsa da, kitle iletişim araçları ve kayıtların ortaya çıkışı Maria Callas, Enrico Caruso, Amelita Galli-Curci, Kirsten Flagstad, Mario Del Monaco gibi birçok ünlü şarkıcının popülerliğini desteklemiştir, Renata Tebaldi, Risë Stevens, Alfredo Kraus, Franco Corelli, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Birgit Nilsson, Nellie Melba, Rosa Ponselle, Beniamino Gigli, Jussi Björling, Feodor Chaliapin, Cecilia Bartoli, Renée Fleming, Marilyn Horne, Bryn Terfel, Dmitri Hvorostovsky ve The Three Tenors (Luciano Pavarotti, Plácido Domingo, José Carreras). ⓘ
Orkestranın değişen rolü
1700'lerden önce İtalyan operalarında küçük bir yaylı çalgılar orkestrası kullanılırdı, ancak bu orkestra nadiren şarkıcılara eşlik ederdi. Bu dönemde opera sololarına, klavsen, lavta gibi "koparılmış enstrümanlar" ve bir bas enstrümandan oluşan basso continuo grubu eşlik ediyordu. Yaylı çalgılar orkestrası tipik olarak yalnızca şarkıcının şarkı söylemediği zamanlarda, örneğin bir şarkıcının "...giriş ve çıkışlarında, vokal numaraları arasında, [ya da] dansa eşlik etmek için" çalardı. Bu dönemde orkestranın bir diğer rolü de şarkıcının solosunun sonunu işaretlemek için orkestral bir ritornello çalmaktı. 1700'lerin başlarında, bazı besteciler yaylı çalgılar orkestrasını belirli arya veya resitatifleri "...özel olarak" işaretlemek için kullanmaya başladı; 1720'ye gelindiğinde, çoğu aryaya orkestra eşlik ediyordu. Domenico Sarro, Leonardo Vinci, Giambattista Pergolesi, Leonardo Leo ve Johann Adolf Hasse gibi opera bestecileri opera orkestrasına yeni enstrümanlar eklemiş ve bu enstrümanlara yeni roller vermişlerdir. Yaylı çalgılara üflemeli çalgılar eklediler ve belirli aryaları özel olarak işaretlemenin bir yolu olarak enstrümantal soloları çalmak için orkestra enstrümanlarını kullandılar. ⓘ
Orkestra, 1600'lerden bu yana şarkıcılar sahneye çıkmadan önce enstrümantal bir uvertür de sunmaktadır. Peri'nin Euridice'si kısa bir enstrümantal ritornello ile açılır ve Monteverdi'nin L'Orfeo'su (1607) bir toccata ile açılır, bu durumda sessiz trompetler için bir fanfare. Jean-Baptiste Lully'nin operalarında bulunan Fransız uvertürü, işaretli "noktalı ritim "de yavaş bir giriş ve ardından fugato tarzında canlı bir bölümden oluşur. Uvertürü sıklıkla perde açılmadan önce bir dizi dans ezgisi takip ederdi. Bu uvertür tarzı İngiliz operasında da, özellikle Henry Purcell'in Dido ve Aeneas'ında kullanılmıştır. Handel, Giulio Cesare gibi bazı İtalyan operalarında da Fransız uvertür formunu kullanmıştır. ⓘ
İtalya'da 1680'lerde "uvertür" adı verilen farklı bir form ortaya çıkmış ve özellikle Alessandro Scarlatti'nin operaları aracılığıyla yerleşmiş ve 18. yüzyılın ortalarında standart opera uvertürü olarak Fransız formunun yerini alarak tüm Avrupa'ya yayılmıştır. Genellikle homofonik üç hareket kullanır: hızlı-yavaş-hızlı. Açılış bölümü normalde çift ölçülü ve majör bir anahtardadır; daha önceki örneklerde yavaş bölüm kısadır ve zıt bir anahtarda olabilir; sonuç bölümü dans gibidir, çoğunlukla gigue veya minuet ritimleriyle ve açılış bölümünün anahtarına geri döner. Form geliştikçe, ilk bölüm fanfare benzeri unsurlar içerebilir ve "sonatina formu" (gelişme bölümü olmayan sonat formu) olarak adlandırılan kalıbı alır ve yavaş bölüm daha uzun ve lirik hale gelir. ⓘ
Yaklaşık 1800'den sonra İtalyan operasında "uvertür" sinfonia olarak bilinir hale gelmiştir. Fisher ayrıca Sinfonia avanti l'opera (kelimenin tam anlamıyla "operadan önceki senfoni") teriminin "bir operaya başlamak için kullanılan bir sinfoni için erken bir terim olduğunu, yani eserin daha sonraki bir bölümüne başlamaya hizmet eden bir sinfoninin aksine bir uvertür olarak" olduğunu belirtmektedir. 19. yüzyıl operasında, bazı operalarda, uvertür, Vorspiel, Einleitung, Giriş ya da başka bir şekilde adlandırılabilecek olan, müziğin perde açılmadan önce yer alan kısmıydı; uvertür için artık belirli, katı bir form gerekli değildi. ⓘ
Orkestranın şarkıcılara eşlik etme rolü, Klasik tarzın Romantik döneme geçişiyle birlikte 19. yüzyıl boyunca değişti. Genel olarak orkestralar büyümüş, ilave vurmalı çalgılar (örneğin bas davul, ziller, trampet, vb.) gibi yeni enstrümanlar eklenmiştir. Orkestra bölümlerinin orkestrasyonu da 19. yüzyıl boyunca gelişti. Wagner operalarında orkestranın ön plana çıkarılması uvertürün ötesine geçmiştir. Ring Cycle gibi Wagner operalarında orkestra sıklıkla tekrar eden müzikal temaları ya da leitmotifleri çalarak orkestraya "...statüsünü bir primadonnanınkine yükselten" bir rol vermiştir. Wagner'in operaları, daha fazla üflemeli çalgı ve devasa topluluk boyutları eklenerek benzeri görülmemiş bir kapsam ve karmaşıklıkla bestelenmiştir: gerçekten de Das Rheingold'un partisyonu altı arp gerektirmektedir. Wagner'de ve Benjamin Britten gibi sonraki bestecilerin eserlerinde orkestra "çoğu zaman hikayeyle ilgili karakterlerin farkındalık seviyelerini aşan gerçekleri iletir." Sonuç olarak, eleştirmenler orkestrayı edebi bir anlatıcınınkine benzer bir rol oynadığını düşünmeye başladılar." ⓘ
Orkestranın ve diğer enstrümantal toplulukların rolü opera tarihi boyunca değiştikçe, müzisyenlere liderlik etme rolü de değişmiştir. Barok dönemde müzisyenler genellikle klavsen sanatçısı tarafından yönetilirdi, ancak Fransız besteci Lully'nin uzun bir asa ile yönettiği bilinmektedir. 1800'lerde, Klasik dönemde, başkemancı olarak da bilinen birinci kemancı orkestrayı oturarak yönetirdi. Zamanla bazı şefler ayağa kalkmaya ve sanatçıları yönlendirmek için el ve kol hareketlerini kullanmaya başladı. Sonunda müzik direktörünün bu rolü orkestra şefi olarak adlandırıldı ve tüm müzisyenlerin onu görmesini kolaylaştırmak için bir podyum kullanıldı. Wagner operaları ortaya çıktığında, eserlerin karmaşıklığı ve bunları çalmak için kullanılan büyük orkestralar, orkestra şefine giderek daha önemli bir rol verdi. Modern opera şeflerinin zorlu bir rolü vardır: hem orkestra çukurundaki orkestrayı hem de sahnedeki şarkıcıları yönetmek zorundadırlar. ⓘ
Dil ve çeviri sorunları
Handel ve Mozart'tan bu yana pek çok besteci operalarının librettosunu İtalyanca yazmayı tercih etmiştir. Bel Canto döneminden Verdi'ye kadar besteciler bazen operalarının hem İtalyanca hem de Fransızca versiyonlarını yönetmişlerdir. Bu nedenle, Lucia di Lammermoor ya da Don Carlos gibi operalar bugün hem Fransızca hem de İtalyanca versiyonlarıyla kanonik kabul edilmektedir. ⓘ
1950'lerin ortalarına kadar, besteci veya orijinal librettistler tarafından onaylanmamış olsa bile, operaların çevirilerinin yapılması kabul edilebilirdi. Örneğin, İtalya'daki opera evleri Wagner'i rutin olarak İtalyanca sahnelemiştir. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra opera bilimi gelişti, sanatçılar orijinal versiyonlara yeniden odaklandı ve çeviriler gözden düştü. Başta İtalyanca, Fransızca ve Almanca olmak üzere Avrupa dilleri bilgisi bugün profesyonel şarkıcıların eğitiminin önemli bir parçasıdır. Mezzo-soprano Dolora Zajick, "Opera eğitiminin en büyük kısmı dilbilim ve müzisyenlik üzerine" diyor. "Sadece benim ne söylediğimi değil, herkesin ne söylediğini de anlamak zorundayım. İtalyanca, Çekçe, Rusça, Fransızca, Almanca, İngilizce söylüyorum." ⓘ
1980'lerde üst yazılar (bazen üst yazı olarak da adlandırılır) ortaya çıkmaya başladı. Üst yazılar ilk başlarda neredeyse evrensel olarak dikkat dağıtıcı olarak kınansa da, bugün birçok opera binası ya genellikle tiyatronun proscenium kemerinin üzerine yansıtılan üst yazılar ya da seyircilerin birden fazla dil arasından seçim yapabileceği bireysel koltuk ekranları sunmaktadır. TV yayınları, dili iyi bilen izleyiciler için tasarlanmış olsa bile (örneğin, bir İtalyan operasının RAI yayını) tipik olarak altyazı içerir. Bu altyazılar sadece işitme güçlüğü çekenleri değil, genel olarak izleyicileri hedef alır, çünkü söylenen bir söylemi anlamak, konuşulan bir söylemi anlamaktan çok daha zordur - anadilini konuşanların kulaklarında bile. Bir veya daha fazla dilde altyazılar opera yayınlarında, simültane yayınlarda ve DVD baskılarında standart hale gelmiştir. ⓘ
Günümüzde operalar nadiren çeviri olarak sahnelenmektedir. Bunun istisnaları arasında İngilizce çevirileri tercih eden English National Opera, Opera Theatre of Saint Louis, Opera Theatre of Pittsburgh ve Opera South East sayılabilir. Bir diğer istisna ise Humperdinck'in Hansel ve Gretel'i ve Mozart'ın Sihirli Flüt'ünün bazı prodüksiyonları gibi genç izleyicilere yönelik opera prodüksiyonlarıdır. ⓘ
Finansman
.jpg)
ABD dışında ve özellikle Avrupa'da çoğu opera binası vergi mükelleflerinden kamu sübvansiyonu almaktadır. İtalya'nın Milano kentinde La Scala'nın yıllık 115 milyon Euro'luk bütçesinin %60'ı bilet satışları ve özel bağışlardan, kalan %40'ı ise kamu fonlarından karşılanmaktadır. La Scala 2005 yılında İtalya'nın sahne sanatları için sağladığı 464 milyon Euro'luk toplam devlet desteğinin %25'ini almıştır. Birleşik Krallık'ta Arts Council England, Opera North, Royal Opera House, Welsh National Opera ve English National Opera'ya fon sağlamaktadır. Bu dört opera şirketi, 2012-2015 yılları arasında İngiliz Ulusal Balesi, Birmingham Kraliyet Balesi ve Kuzey Balesi ile birlikte Arts Council'in ulusal portföyündeki fonların %22'sini oluşturmuştur. Bu dönemde Konsey, büyük ölçekli opera ve bale şirketlerine sağladığı fonların bir analizini yapmış ve 2015-2018 fon kararları öncesinde şirketlerin yerine getirmesi gereken öneri ve hedefleri belirlemiştir. Şubat 2015'te English National Opera'nın iş planına ilişkin endişeler, Sanat Konseyi'nin bu şirketi "özel finansman düzenlemelerine" tabi tutmasına ve The Independent'ın deyimiyle "eşi benzeri görülmemiş bir adım atarak" konseyin endişelerinin 2017 yılına kadar karşılanmaması halinde kamu finansmanını geri çekme tehdidinde bulunmasına yol açtı. Avrupa'da operaya sağlanan kamu finansmanı, Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri'nde yıl boyunca açık olan opera binalarının sayısı arasında bir eşitsizliğe yol açmıştır. Örneğin, "Almanya'da [2004 itibariyle] yıl boyunca hizmet veren yaklaşık 80 opera binası varken, nüfusunun üç katından fazla olan ABD'de hiç opera binası yok. Met bile sadece yedi aylık bir sezona sahiptir." ⓘ
Televizyon, sinema ve internet
Gian Carlo Menotti'nin tek perdelik operası Amahl and the Night Visitors'ın 24 Aralık 1951'de canlı yayınlanmasıyla ABD'de opera yayıncılığında bir dönüm noktasına ulaşıldı. Bu opera Amerika'da televizyon için özel olarak bestelenen ilk operaydı. Bir başka dönüm noktası da 1992 yılında İtalya'da Tosca'nın orijinal Roma dekorlarından ve günün saatlerinden canlı olarak yayınlanmasıyla yaşandı: ilk perde Cumartesi günü öğlen saatlerinde 16. yüzyıldan kalma Sant'Andrea della Valle Kilisesi'nden; ikinci perde akşam 8:15'te 16. yüzyıldan kalma Palazzo Farnese'den; üçüncü perde ise Pazar günü sabah 6'da Castel Sant'Angelo'dan yayınlandı. Prodüksiyon uydu aracılığıyla 105 ülkeye iletildi. ⓘ
Büyük opera şirketleri performanslarını Amerika Birleşik Devletleri ve diğer birçok ülkede yerel sinemalarda sunmaya başladı. Metropolitan Operası 2006 yılında dünyanın dört bir yanındaki sinemalara bir dizi canlı yüksek çözünürlüklü video yayını yapmaya başlamıştır. Met performansları 2007 yılında 350 ABD şehrinde 424'ten fazla sinemada gösterildi. La bohème dünya çapında 671 ekranda gösterildi. San Francisco Operası Mart 2008'de önceden kaydedilmiş video yayınlarına başladı. Haziran 2008 itibariyle, 117 ABD şehrinde yaklaşık 125 tiyatroda gösterilmektedir. HD video opera yayınları, büyük Hollywood filmleri için kullanılan aynı HD dijital sinema projektörleri aracılığıyla sunulmaktadır. Londra'daki Kraliyet Operası, Milano'daki La Scala, Salzburg Festivali, Venedik'teki La Fenice ve Floransa'daki Maggio Musicale gibi Avrupa opera evleri ve festivalleri de 2006'dan bu yana prodüksiyonlarını ABD'deki 90 şehir de dahil olmak üzere dünyanın dört bir yanındaki şehirlerdeki tiyatrolara iletmiştir. ⓘ
İnternetin ortaya çıkışı, izleyicilerin operayı tüketme biçimlerini de etkilemiştir. İngiliz Glyndebourne Festival Operası 2009 yılında ilk kez 2007 yapımı Tristan und Isolde'nin tamamını internet üzerinden dijital video olarak indirmeye sundu. Festival, 2013 sezonunda altı prodüksiyonunun tamamını çevrimiçi olarak yayınladı. Temmuz 2012'de Savonlinna Opera Festivali'nde ilk çevrimiçi topluluk operasının prömiyeri yapıldı. Özgür İrade başlığını taşıyan opera, Opera By You adlı internet grubunun üyeleri tarafından oluşturuldu. Grubun 43 ülkeden 400 üyesi, Wreckamovie web platformunu kullanarak librettoyu yazdı, müziği besteledi ve dekor ve kostümleri tasarladı. Savonlinna Opera Festivali profesyonel solistler, 80 kişilik bir koro, bir senfoni orkestrası ve sahne makinelerini sağladı. Festivalde canlı olarak sahnelendi ve internet üzerinden canlı olarak yayınlandı. ⓘ
Operanın gelişimi
20. yüzyıl'ın ilk yarısında opera sanatı türlü etkilerle oldukça karışık bir durum gösterir. Bazılarına caz ve romantizm katılmıştır. Bunun nedenlerini çağımızın bestecilerinin daima yenilik yolunda yaptığı denemelerde aramak yerinde olur. Yalnız Hindemith kısa operalarıyla biçim denemelerinin en parlağını yapmış, Orff, İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra verdiği sahne oratoryaları ile bu denemelerin son zamanlarda en çok tutulan örneklerini bestelemiştir. Günümüzde opera ikinci bir dünya savaşının sarsıntılarından diğer sanat kolları gibi yavaş yavaş kurtulmaktadır. Bu da operanın gelişimine yardımcı olmaktadır . ⓘ