Natürmort
_-_Bouquet_of_Flowers_in_a_Ceramic_Vase.jpg)
Natürmort (çoğul: natürmort), çoğunlukla cansız konuları, genellikle doğal (yiyecekler, çiçekler, ölü hayvanlar, bitkiler, kayalar, deniz kabukları, vb.) veya insan yapımı (içki bardakları, kitaplar, vazolar, mücevherler, madeni paralar, pipolar, vb.) ⓘ
Kökenleri Orta Çağ ve Antik Yunan-Roma sanatına dayanan natürmort resim, 16. yüzyılın sonlarında Batı resminde ayrı bir tür ve profesyonel bir uzmanlık alanı olarak ortaya çıkmış ve o zamandan beri önemini korumuştur. Natürmort sanat biçiminin bir avantajı, bir sanatçıya bir resim kompozisyonu içindeki öğelerin düzenlenmesi ile ilgili deney yapma özgürlüğü vermesidir. Belirli bir tür olarak natürmort, 16. ve 17. yüzyıl Hollanda resmiyle başlamıştır ve İngilizce natürmort terimi Hollandaca stilleven kelimesinden türemiştir. Erken dönem natürmort resimleri, özellikle 1700'den önce, genellikle tasvir edilen nesnelerle ilgili dini ve alegorik sembolizm içeriyordu. Daha sonraki natürmort çalışmaları, buluntu nesneler, fotoğraf, bilgisayar grafikleri, video ve ses gibi çeşitli medya ve teknolojilerle üretilmiştir. ⓘ
Bu terim ölü hayvanların, özellikle de av hayvanlarının resmedilmesini içerir. Canlı olanlar hayvan sanatı olarak kabul edilir, ancak pratikte genellikle ölü modellerden boyanmışlardır. Bitki ve hayvanların konu olarak kullanılması nedeniyle, natürmort kategorisi zoolojik ve özellikle botanik illüstrasyonla da ortak noktaları paylaşır. Bununla birlikte, görsel ya da güzel sanatlarda, çalışma yalnızca konuyu doğru bir şekilde resmetmeyi amaçlamaz. ⓘ
Natürmort, türler hiyerarşisinin en alt basamağında yer almasına rağmen alıcılar arasında son derece popüler olmuştur. Bağımsız natürmort konusunun yanı sıra, natürmort resim, genellikle sembolik olan belirgin natürmort unsurları içeren diğer resim türlerini ve "görünüşte bir 'yaşam dilimini' yeniden üretmek için çok sayıda natürmort unsuruna dayanan resimleri" kapsar. İzleyiciyi sahnenin gerçek olduğuna inandırmayı amaçlayan trompe-l'œil resim, genellikle cansız ve nispeten düz nesneleri gösteren özel bir natürmort türüdür. ⓘ
Natürmort, Avrupa Seferleri sırasında Osmanlı'ya geçmiştir. Modern sanatta büyük yer tutar. ⓘ
Bit pazarında Natürmort Stuttgart, Almanya
Bilgisayarda oluşturulmuş bir natürmort.
Öncülleri ve gelişimi
Natürmort resimler genellikle eski Mısır mezarlarının içini süslerdi. Burada tasvir edilen yiyecek nesnelerinin ve diğer eşyaların öbür dünyada gerçek olacağına ve ölen kişi tarafından kullanılabileceğine inanılırdı. Antik Yunan vazo resimleri de gündelik nesneleri ve hayvanları tasvir etmede büyük beceri gösterir. Peiraikos, Yaşlı Plinius tarafından Pompeii'deki mozaik versiyonlarında ve taşra duvar resimlerinde olduğu gibi "alçak" konuların panel ressamı olarak anılır: "berber dükkânları, ayakkabıcı tezgâhları, eşekler, yiyecekler ve benzeri konular". ⓘ
Pompeii, Herculaneum ve Villa Boscoreale'de ortaya çıkarılan Roma duvar resimlerinde ve taban mozaiklerinde de, daha sonra aşina olunan cam kase meyve motifi de dahil olmak üzere, daha basit dekoratif amaçlı, ancak gerçekçi perspektife sahip benzer natürmortlar bulunmuştur. Zengin Romalıların evlerinde bulunan ve "emblema" olarak adlandırılan dekoratif mozaikler, üst sınıfların sevdiği yiyeceklerin çeşitliliğini gösterirken, aynı zamanda misafirperverliğin işaretleri, mevsimlerin ve yaşamın kutlamaları olarak da işlev görüyordu. ⓘ
16. yüzyıla gelindiğinde, yiyecekler ve çiçekler yine mevsimlerin ve beş duyunun sembolleri olarak ortaya çıkacaktır. Yine Roma döneminden başlayarak, kafatasının ölümlülüğün ve dünyevi kalıntıların bir sembolü olarak resimlerde kullanılması geleneği, genellikle Omnia mors aequat (Ölüm herkesi eşit kılar) ifadesiyle birlikte görülür. Bu vanitas imgeleri, 1600 yılı civarında Hollandalı ressamlardan başlayarak sanat tarihinin son 400 yılı boyunca yeniden yorumlanmıştır. ⓘ
Natürmort resmin gerçekçiliğinin popüler takdiri, bir zamanlar en gerçekçi nesneleri yaratmak için yarıştıkları söylenen Zeuxis ve Parrhasius'un antik Yunan efsanesinde, tarihin en eski trompe-l'œil resim tanımlarıyla ilişkilidir. Yaşlı Plinius'un antik Roma döneminde kaydettiği gibi, Yunan sanatçılar yüzyıllar önce portre resmi, tür resmi ve natürmort sanatlarında çoktan ilerlemişlerdi. Peiraikos'u "sanatçılığı çok az kişi tarafından aşılabilen... Berber dükkânlarını, ayakkabıcı tezgâhlarını, eşekleri, sebzeleri ve benzerlerini resmetti ve bu nedenle 'bayağı konuların ressamı' olarak anılmaya başladı; yine de bu eserler tamamen zevklidir ve diğer birçok sanatçının en büyük [resimlerinden] daha yüksek fiyatlara satıldılar." ⓘ
Orta Çağ ve Erken Rönesans
.jpg)
1300 yılına gelindiğinde, Giotto ve öğrencilerinden başlayarak, natürmort resim, gündelik nesneleri tasvir eden dini duvar resimlerindeki kurgusal nişler şeklinde yeniden canlanmıştır. Orta Çağ ve Rönesans boyunca, Batı sanatında natürmort öncelikle Hıristiyan dini konularının bir tamamlayıcısı olarak kaldı ve dini ve alegorik anlamlar içerdi. Bu durum özellikle, son derece detaylı optik gerçekçiliğe ve sembolizme hayranlık duyan Kuzey Avrupalı sanatçıların eserleri için geçerliydi ve bu sanatçılar resimlerinin genel mesajına büyük önem verdiler. Jan van Eyck gibi ressamlar natürmort öğelerini sıklıkla ikonografik bir programın parçası olarak kullanmışlardır. ⓘ
Orta Çağ'ın sonlarında, çoğunlukla çiçekler olmak üzere hayvanlar ve bazen de cansız nesnelerden oluşan natürmort öğeleri, tezhipli elyazmalarının bordürlerinde artan bir gerçekçilikle resmedilmiş, daha büyük resimlerin ressamları tarafından kullanılan modeller ve teknik ilerlemeler geliştirilmiştir. Özellikle Erken Hollanda resminde, el yazmaları için minyatür yapan sanatçılar ile panoları boyayanlar arasında önemli bir örtüşme vardı. Muhtemelen 1440 civarında Utrecht'te yapılmış olan Clevesli Catherine'in Saatleri, bu eğilimin göze çarpan örneklerinden biridir; bordürlerde, metni ya da ana resmi tamamlamak üzere seçilmiş, sikkeler ve balık ağları da dahil olmak üzere olağanüstü çeşitlilikte nesneler yer almaktadır. Yüzyılın ilerleyen dönemlerinde Flaman atölyeleri bordür öğelerindeki natüralizmi daha da ileri götürmüştür. Gotik millefleur duvar halıları, bitki ve hayvanların doğru tasvirlerine yönelik artan genel ilginin bir başka örneğidir. Leydi ve Tek Boynuzlu At seti, 1500 civarında Paris'te tasarlanan ve daha sonra Flandre'da dokunan en iyi bilinen örnektir. ⓘ
Jan van Eyck ve diğer Kuzey Avrupalı sanatçılar tarafından yağlı boya tekniğinin geliştirilmesi, yağlı boyaların yavaş kuruma, karıştırma ve katmanlama özellikleri sayesinde gündelik nesnelerin bu hiper-gerçekçi tarzda resmedilmesini mümkün kılmıştır. Dini anlamdan ilk sıyrılanlar arasında, doğayı huzursuzca incelemesinin bir parçası olarak meyve suluboya çalışmaları (yaklaşık 1495) yapan Leonardo da Vinci ve flora ve faunanın hassas renkli çizimlerini yapan Albrecht Dürer vardı. ⓘ
Petrus Christus'un bir kuyumcuyu ziyaret eden gelin ve damat portresi, hem dini hem de seküler içeriği betimleyen geçiş dönemi natürmortlarının tipik bir örneğidir. Mesaj çoğunlukla alegorik olsa da, çiftin figürleri gerçekçi ve gösterilen nesneler (sikkeler, kaplar, vb.) doğru bir şekilde resmedilmiştir, ancak kuyumcu aslında Aziz Eligius'un bir tasviridir ve nesneler büyük ölçüde semboliktir. Benzer bir başka resim türü de, figürleri iyi kurulmuş bir yemek masasıyla birleştiren aile portresidir; bu, hem insan öznelerin dindarlığını hem de Tanrı'nın bolluğu için şükranlarını sembolize eder. Bu sıralarda, figürlerden arındırılmış (ancak alegorik anlam taşımayan) basit natürmort tasvirleri, özel ibadet resimlerinin kepenklerinin dışına yapılmaya başlanmıştır. Özerk natürmorta doğru bir başka adım da 1475 civarında seküler portrelerin arkasına vazolar içinde sembolik çiçeklerin resmedilmesiydi. Jacopo de' Barbari, en erken tarihli ve imzalı trompe-l'œil natürmortlar arasında yer alan ve asgari düzeyde dini içerik barındıran Keklik ve Eldivenli Natürmort (1504) ile bir adım daha ileri gitmiştir. ⓘ
Flaman sanatçı Nassau'lu Engelbert'in tezhipli saat kitabının bordüründeki çeşitli kaplar, 1470'ler
The Lady and the Unicorn millefleur duvar halılarından birinin detayı, 1500 civarı
Albrecht Dürer, Büyük Çim Parçası, 1503
Jacopo de' Barbari, Keklikli ve Eldivenli Natürmort (1504), çok erken dönem bağımsız bir natürmort, belki de bir portre için arka veya kapak ⓘ
Geç Rönesans
On altıncı yüzyıl
1600'den sonra natürmortların çoğu nispeten küçük resimler olsa da, türün gelişiminde önemli bir aşama, çoğunlukla Antwerp merkezli, figürlü ve genellikle hayvanlı natürmort malzemesinin büyük yayılımlarını içeren büyük resimler olan "anıtsal natürmort" geleneğiydi. Bu, Pieter Aertsen tarafından geliştirilmiştir; Aertsen'in "Kutsal Ailenin Sadaka Verdiği Et Tezgâhı" (1551, şimdi Uppsala) adlı tablosu, bu türü hâlâ ürkütücü olan bir resimle tanıtmıştır. Bir başka örnek de Aertsen'in yeğeni Joachim Beuckelaer'in (1568) "Kasap Dükkânı" adlı tablosudur; ön planda çiğ etler gerçekçi bir şekilde betimlenirken, arka plandaki bir sahne sarhoşluk ve zamparalığın tehlikelerini anlatmaktadır. Pieter Aertsen ve yeğeni Joachim Beuckelaer tarafından geliştirilen çok büyük mutfak ya da pazar sahnesi tipik olarak mutfak eşyaları ve iri yarı Flaman mutfak hizmetçileriyle bol miktarda yiyeceği tasvir eder. Genellikle uzaktan küçük bir dini sahne seçilebilir ya da konuyu yüceltmek için Dört Mevsim gibi bir tema eklenir. Bu tür büyük ölçekli natürmortlar Kuzey ve Güney'in ayrılmasından sonra Flaman resminde gelişmeye devam etmiştir, ancak bu gelenekteki diğer eserler tür resminin "neşeli şirket" türünü öngörmesine rağmen Hollanda resminde nadirdir. ⓘ
Yavaş yavaş, bu tür resimlerde dini içerik boyut ve yer olarak azalmış, ancak ahlaki dersler alt bağlamlar olarak devam etmiştir. Bu tarzdaki nispeten az sayıdaki İtalyan eserinden biri olan Annibale Carracci'nin 1583'te aynı konuyu işlediği Kasap Dükkânı, bu dönemin diğer "mutfak ve pazar" natürmortları gibi ahlaki mesajları kaldırmaya başlar. Vincenzo Campi muhtemelen 1570'lerde Antwerp stilini İtalya'ya tanıtmıştır. Gelenek, natürmort ve hayvan unsurlarını çoğunlukla Frans Snyders ve öğrencisi Jan Fyt gibi uzman ustalara yaptıran Rubens'in birkaç eseriyle bir sonraki yüzyılda da devam etti. On altıncı yüzyılın ikinci yarısına gelindiğinde, otonom natürmort gelişmiştir. ⓘ
.jpg)
16. yüzyıl, doğal dünyaya olan ilginin patlamasına ve Yeni Dünya ve Asya'daki keşiflerin kaydedildiği zengin botanik ansiklopedilerinin oluşturulmasına tanıklık etti. Bu aynı zamanda bilimsel illüstrasyonların ve örneklerin sınıflandırılmasının da başlangıcını oluşturdu. Doğal nesneler, herhangi bir dini ya da mitolojik çağrışımdan ayrı olarak bireysel çalışma nesneleri olarak takdir edilmeye başlandı. Bu yeni bilginin pratik bir uzantısı olan erken dönem bitkisel ilaç bilimi de bu dönemde başladı. Buna ek olarak, varlıklı patronlar hayvan ve mineral örneklerinin koleksiyonunu finanse etmeye başladılar ve kapsamlı merak dolapları oluşturdular. Bu örnekler, gerçekçilik ve yenilik arayan ressamlar için model görevi görüyordu. Deniz kabukları, böcekler, egzotik meyveler ve çiçekler toplanmaya ve ticareti yapılmaya başlandı ve lale (Türkiye'den Avrupa'ya ithal edildi) gibi yeni bitkiler natürmort resimlerde kutlandı. ⓘ
Bahçecilik patlaması Avrupa'da yaygın bir ilgi gördü ve sanatçılar bundan faydalanarak binlerce natürmort tablo üretti. Bazı bölgeler ve saraylar özel ilgi alanlarına sahipti. Örneğin turunçgillerin tasviri, İtalya'nın Floransa kentindeki Medici sarayının özel bir tutkusuydu. Doğal örneklerin bu büyük yayılımı ve Avrupa'da doğal illüstrasyona olan ilginin artması, 1600 civarında modern natürmort resimlerin neredeyse eşzamanlı olarak yaratılmasıyla sonuçlandı. ⓘ
Yüzyılın başında İspanyol ressam Juan Sánchez Cotán, 1603'te kırklı yaşlarında bir manastıra girmeden önce, sade ve sakin sebze resimleriyle İspanyol natürmortuna öncülük etmiş ve ardından dini konular üzerine resimler yapmıştır. ⓘ
On altıncı yüzyıl resimleri
Pieter Aertsen, Kutsal Ailenin Sadaka Verdiği Et Tezgahı (1551), 123,3 × 150 cm (48,5 × 59")
Annibale Carracci (1560-1609), Kasap Dükkanı (1580)
Juan Sánchez Cotán (1560-1627), Ayva, Lahana, Kavun ve Salatalık ile Natürmort, tuval üzerine yağlıboya, 69 × 84,5 cm
Giovanni Ambrogio Figino, Şeftali ve Asma Yapraklı Metal Tabak (1591-94), panel, 21 × 30 cm, bilinen tek natürmortu ⓘ
On yedinci yüzyıl
_-_Still_life_-_Google_Art_Project.jpg)
Andrea Sacchi gibi 17. yüzyılın başlarındaki önde gelen akademisyenler, tür ve natürmort resminin, resmin büyük olarak kabul edilmesi için gereken "ciddiyeti" taşımadığını düşünüyorlardı. Fransız klasisizminin tarihçisi, mimarı ve teorisyeni André Félibien'in 1667 tarihli etkili bir formülasyonu, 18. yüzyıl için türler hiyerarşisi teorisinin klasik ifadesi haline geldi:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il is certain aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres ... ⓘ
Mükemmel manzara resimleri yapan kişi, sadece meyve, çiçek ya da deniz ürünleri yapan kişiden daha üstündür. Canlı hayvanların resmini yapan kişi, sadece hareketsiz ölü şeyleri temsil edenlerden daha değerlidir ve insan Tanrı'nın yeryüzündeki en mükemmel eseri olduğuna göre, insan figürlerini temsil ederken Tanrı'yı taklit eden kişinin diğerlerinden çok daha mükemmel olduğu da kesindir...". ⓘ
Hollanda ve Flaman resmi
Natürmort, 16. yüzyılın son çeyreğinde Alçak Ülkeler'de ayrı bir kategori olarak gelişmiştir. İngilizce natürmort terimi Felemenkçe stilleven kelimesinden türetilirken, Roman dilleri (Yunanca, Lehçe, Rusça ve Türkçe'nin yanı sıra) ölü doğa anlamına gelen terimleri kullanma eğilimindedir. 15. yüzyıl Erken Hollanda resmi, hem pano resminde hem de bordürlerinde genellikle çiçeklerin, böceklerin ve Clevesli Catherine'in Saatleri gibi bir eserde çok çeşitli nesnelerin özenle sergilendiği tezhipli el yazmalarında son derece illüzyonist teknikler geliştirmişti. Tezhipli el yazmalarının yerini basılı kitap aldığında, aynı beceriler daha sonra bilimsel botanik illüstrasyonlarında da kullanıldı; Alçak Ülkeler hem botanik hem de bunun sanatta tasviri konusunda Avrupa'ya öncülük etti. Flaman sanatçı Joris Hoefnagel (1542-1601) İmparator Rudolf II için çiçeklerin ve diğer natürmort konularının suluboya ve guaj resimlerini yaptı ve Hans Collaert'in 1600'de Plantin tarafından yayınlanan Florilegium'u gibi kitaplar için (genellikle daha sonra elle renklendirilmiş) birçok gravür illüstrasyon vardı. ⓘ
1600 civarında yağlıboya çiçek resimleri bir çılgınlık haline geldi; Karel van Mander bazı eserleri kendisi yaptı ve Cornelis van Haarlem gibi diğer Kuzey Maniyerist sanatçıların da bunu yaptığını kaydetti. Bu sanatçıların günümüze ulaşan hiçbir çiçek eseri bilinmemektedir, ancak her ikisi de Güney Hollanda'da aktif olan önde gelen uzmanlar Jan Brueghel the Elder ve Ambrosius Bosschaert'in birçok eseri günümüze ulaşmıştır. ⓘ
Kuzeydeki sanatçılar, uzun süredir temelleri olan dini ikonografiyi üretmek için sınırlı fırsat bulurken - Hollanda Reform Protestan Kilisesi'nde dini konuların resimleri yasaktı - devam eden Kuzey geleneği ayrıntılı gerçekçilik ve gizli semboller, Hollanda'da sanatın başlıca hamileri olarak Kilise ve Devlet'in yerini alan büyüyen Hollanda orta sınıflarına hitap ediyordu. Buna bir de Hollanda'nın bahçecilik, özellikle de lale çılgınlığı eklendi. Estetik nesneler ve dini semboller olarak çiçeklere yönelik bu iki bakış açısı birleşerek bu tür natürmortlar için çok güçlü bir pazar yarattı. Natürmort, çoğu Hollanda sanat eseri gibi, genellikle açık pazarlarda veya satıcılar tarafından ya da sanatçılar tarafından stüdyolarında satılırdı ve nadiren sipariş edilirdi; bu nedenle, sanatçılar genellikle konuyu ve düzenlemeyi seçerlerdi. Bu tür natürmort resim o kadar popülerdi ki, Hollanda çiçek resmi tekniğinin çoğu, Gerard de Lairesse'nin 1740 tarihli Groot Schilderboeck adlı eserinde kodlandı; bu eserde renk, düzenleme, fırça çalışması, örneklerin hazırlanması, uyum, kompozisyon, perspektif vb. konularda geniş kapsamlı tavsiyeler yer alıyordu. ⓘ
Çiçeklerin sembolizmi Hıristiyanlığın ilk dönemlerinden beri gelişmiştir. En yaygın çiçekler ve sembolik anlamları şunlardır: gül (Meryem Ana, geçicilik, Venüs, aşk); zambak (Meryem Ana, bekaret, kadın göğsü, aklın saflığı veya adalet); lale (gösteriş, asalet); ayçiçeği (sadakat, ilahi aşk, bağlılık); menekşe (tevazu, çekingenlik, alçakgönüllülük); kolumbin (melankoli); gelincik (güç, uyku, ölüm). Böceklere gelince, kelebek dönüşümü ve dirilişi temsil ederken, yusufçuk geçiciliği, karınca ise çalışkanlığı ve hasada gösterilen özeni simgeler. ⓘ
Flaman ve Hollandalı sanatçılar ayrıca eski Yunan natürmort geleneği olan trompe-l'œil'i, özellikle de bedriegertje ("küçük aldatma") olarak adlandırdıkları doğa taklidi ya da mimesis'i yeniden canlandırmışlardır. Bu natürmort türlerine ek olarak, Hollandalı sanatçılar "mutfak ve pazar" resimleri, kahvaltı ve yemek masası natürmortları, vanitas resimleri ve alegorik koleksiyon resimlerini tanımlamış ve ayrı ayrı geliştirmişlerdir. ⓘ
Katolik Güney Hollanda'da çelenk resimleri türü geliştirilmiştir. Anversli sanatçılar Jan Brueghel the Elder ve Hendrick van Balen, 1607-1608 yılları civarında, yemyeşil bir natürmort çelengiyle çevrelenmiş bir görüntüden (genellikle adanmışlık) oluşan bu resimleri yapmaya başladılar. Resimler iki uzman arasındaki işbirliğiydi: bir natürmort ve bir figür ressamı. Daniel Seghers bu türü daha da geliştirmiştir. Başlangıçta adanmışlık işlevine hizmet eden çelenk resimleri son derece popüler hale geldi ve evlerin dekorasyonunda yaygın olarak kullanıldı. ⓘ
Özel bir natürmort türü de pronkstilleven (Hollandaca 'gösterişli natürmort') olarak adlandırılan türdü. Bu süslü natürmort resim tarzı 1640'larda Antwerp'te Frans Snyders ve Adriaen van Utrecht gibi Flaman sanatçılar tarafından geliştirilmiştir. Bu sanatçılar, genellikle yaşayan insanlar ve hayvanlarla birlikte çeşitli nesneler, meyveler, çiçekler ve ölü av hayvanlarını resmederek bolluğu vurgulayan natürmortlar çizmişlerdir. Bu tarz kısa sürede Hollanda Cumhuriyeti sanatçıları tarafından da benimsendi. ⓘ
Bu dönemde özellikle popüler olan vanitas resimlerinde, görkemli meyve ve çiçek aranjmanlarına, kitaplara, heykelciklere, vazolara, sikkelere, mücevherlere, tablolara, müzik ve bilim aletlerine, askeri nişanlara, ince gümüş ve kristale, hayatın geçiciliğine dair sembolik hatırlatmalar eşlik ediyordu. Ayrıca, bir kafatası, kum saati ya da cep saati, yanan bir mum ya da sayfaları çevrilen bir kitap, duyusal zevklerin geçiciliğine dair ahlaki bir mesaj olarak hizmet ederdi. Çoğu zaman aynı noktayı vurgulamak için bazı meyve ve çiçeklerin kendileri de bozulmaya ya da solmaya başlarken gösterilirdi. ⓘ
Cornelis Norbertus Gysbrechts (yaklaşık 1660-1683), Trompe-l'œil (yaklaşık 1680), Los Angeles County Sanat Müzesi
Maria van Oosterwijk, Vanitas-Still Life (1693)
Jan Jansz. Treck (1606-1652), Natürmort Kalaylı Sürahi ve İki Porselen Tabak (1645)
Ontbijtjes ya da "kahvaltı resimleri" olarak bilinen bir başka natürmort türü, hem üst sınıfın hoşuna gidebilecek lezzetlerin edebi bir sunumunu hem de oburluktan kaçınmak için dini bir hatırlatmayı temsil eder. 1650 civarında Samuel van Hoogstraten ilk duvar rafı resimlerinden birini, nesnelerin bir duvar tahtasına bağlandığı, raptiyelendiği veya başka bir şekilde tutturulduğu trompe-l'œil natürmort resimlerini yaptı. 19. yüzyılda Amerika Birleşik Devletleri'nde çok popüler olan bir natürmort türü. Cornelis Norbertus Gysbrecht'in bir ressamın zanaatının tüm aletlerini sergileyen "Meyve Parçalı Ressam Şövalesi" tablosunda olduğu gibi, belirli bir meslekle ilişkili nesneleri tasvir eden trompe-l'œil natürmort da bir başka varyasyondu. Ayrıca 17. yüzyılın ilk yarısında "beş duyu", "dört kıta" ya da "dört mevsim" gibi alegorik formda, uygun doğal ve insan yapımı nesnelerle çevrili bir tanrıça ya da alegorik figürü gösteren çok çeşitli örneklerin resmedilmesi de popülerdi. Vanitas resimlerinin ve bu diğer natürmort biçimlerinin popülaritesi kısa sürede Hollanda'dan Flandre ve Almanya'ya, ayrıca İspanya ve Fransa'ya yayıldı. ⓘ
Hollanda'nın natürmort üretimi muazzamdı ve özellikle kuzey Avrupa'ya çok yaygın bir şekilde ihraç ediliyordu; İngiltere'nin kendisi neredeyse hiç üretmiyordu. Alman natürmortları Hollanda modellerini yakından takip etti; Georg Flegel figürsüz saf natürmortların öncüsü oldu ve ayrıntılı nesneleri dolaplara, dolaplara ve vitrinlere yerleştirerek eşzamanlı çoklu görünümler üretme gibi kompozisyonel bir yenilik yarattı. ⓘ
Hollanda, Flaman, Alman ve Fransız resimleri
Peter Paul Rubens, Diana Avdan Dönerken, bir uzman tarafından natürmort öğeleri (yaklaşık 1615)
Rembrandt, İki Ölü Tavus Kuşu ve Bir Kızla Natürmort (c. 1639)
Willem Claeszoon Heda (1594-1680), Turta, Gümüş İbrik ve Yengeçli Natürmort (1658)
Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Çiçeklerin Natürmortu (1614)
Samuel van Hoogstraten, Yazı Aletleri ile Sahte Mektup Rafı (yaklaşık 1655)
Pieter Boel (1626-1674), Küre ve Papağan ile Natürmort (yaklaşık 1658)
Pieter Claesz (c.1597-1660), Natürmort (1623)
Jan Davidsz. de Heem (1606-1684), Meyve, Çiçek, Bardak ve Istakozlu Natürmort (yaklaşık 1660'lar)
Peter Binoit, 1618, Skokloster Kalesi.
Pieter Claesz (yak. 1597-1660), Tuz Küveti ile Natürmort
Yaşlı Osias Beert, İstiridye, Meyve ve Şarap ile Yemekler
George Flegel (1566-1638), Ekmek ve Şekerleme ile Natürmort, 1630 ⓘ
Güney Avrupa
İspanyol sanatında bodegón, genellikle basit bir taş levha üzerine yerleştirilmiş erzak, av hayvanı ve içki gibi kiler malzemelerini betimleyen natürmort resimlerin yanı sıra, genellikle bir mutfak ya da tavernada geçen, bir ya da daha fazla figürlü, ancak önemli natürmort öğeleri içeren resimlerdir. Barok dönemden başlayarak, bu tür resimler 17. yüzyılın ikinci çeyreğinde İspanya'da popüler hale gelmiştir. Natürmort resim geleneği, çağdaş Alçak Ülkeler'de, bugün Belçika ve Hollanda'da (o zamanlar Flaman ve Hollandalı sanatçılar) başlamış ve Güney Avrupa'da olduğundan çok daha popüler olmuş gibi görünmektedir. Kuzey natürmortlarının pek çok alt türü vardı; kahvaltı parçasına trompe-l'œil, çiçek buketi ve vanitas eklenmişti. ⓘ
İspanya'da bu tür şeylerin müşterisi çok daha azdı, ancak bir masanın üzerine yerleştirilmiş birkaç yiyecek ve sofra takımını içeren bir tür kahvaltı eseri popüler hale geldi. İspanya'da bodegones olarak da adlandırılan natürmort resim sade bir tarzdaydı. Genellikle süslü ve lüks kumaş veya cam eşyalarla çevrili zengin ziyafetler içeren Hollanda natürmortundan farklıydı. İspanyol resimlerindeki av hayvanları genellikle derisi yüzülmeyi bekleyen sade ölü hayvanlardır. Meyve ve sebzeler pişmemiştir. Arka planlar kasvetli ya da düz ahşap geometrik bloklardır ve genellikle sürrealist bir hava yaratırlar. Hem Hollanda hem de İspanyol natürmortlarının çoğu zaman ahlaki bir amacı olsa da, bazılarının İspanyol yaylalarının kasvetine benzettiği bu sertlik, Hollanda natürmortlarının tensel zevklerini, bolluğunu ve lüksünü reddediyor gibi görünmektedir. ⓘ
.jpg)
İtalyan natürmort resmi (İtalyancada natura morta, "ölü doğa" olarak anılır) popülerlik kazanıyor olsa da, tarihsel olarak tarihi, dini ve efsanevi konuların "büyük tarz" resminden daha az saygı görmeye devam etti. Öte yandan, başarılı İtalyan natürmort sanatçıları kendi dönemlerinde geniş bir himaye bulmuşlardır. Dahası, sayıları az da olsa kadın ressamlar genellikle natürmort resim yapmayı seçmiş ya da bununla sınırlandırılmışlardır; Giovanna Garzoni, Laura Bernasconi, Maria Theresa van Thielen ve Fede Galizia kayda değer örneklerdir. ⓘ
Diğer türlerde önde gelen birçok İtalyan sanatçı da bazı natürmort resimler üretmiştir. Özellikle Caravaggio, etkili natüralizm biçimini natürmortlara uygulamıştır. Meyve Sepeti (1595-1600 civarı) adlı eseri, saf natürmortun ilk örneklerinden biridir, hassas bir şekilde işlenmiş ve göz hizasına yerleştirilmiştir. Açıkça sembolik olmasa da, bu tablo Kardinal Federico Borromeo'ya aitti ve hem dini hem de estetik nedenlerle takdir edilmiş olabilir. Jan Bruegel de Büyük Milano Buketi (1606) adlı tablosunu kardinal için yapmış, tabloyu 'fatta tutti del natturel' (tamamen doğadan) yaptığını iddia etmiş ve ekstra çaba için ekstra ücret talep etmiştir. Bunlar, kardinalin koleksiyonundaki pek çok natürmort tablonun yanı sıra, geniş antika koleksiyonu arasında da yer alıyordu. Diğer İtalyan natürmortları arasında Bernardo Strozzi'nin Aşçı adlı tablosu, hem bir aşçının hem de hazırladığı av kuşlarının ayrıntılı bir portresi olan Hollanda tarzında bir "mutfak sahnesi "dir. Benzer bir şekilde, Rembrandt'ın nadir natürmort resimlerinden biri olan Ölü Tavus Kuşlarıyla Küçük Kız, benzer bir sempatik kadın portresini av kuşlarının görüntüleriyle birleştirir. ⓘ
Katolik İtalya ve İspanya'da saf vanitas resmi nadirdi ve çok daha az natürmort uzmanı vardı. Güney Avrupa'da Caravaggio'nun yumuşak natüralizmi daha fazla kullanılmış ve Kuzey Avrupa tarzlarına kıyasla hiper-gerçekçiliğe daha az vurgu yapılmıştır. Fransa'da natürmort ressamları (nature morte) hem Kuzey hem de Güney ekollerinden etkilenmiş, Hollanda'nın vanitas resimlerinden ve İspanya'nın sade düzenlemelerinden esinlenmişlerdir. ⓘ
İtalyan galerisi
Fede Galizia (1578-1630), Çanaktaki Elmalar (yaklaşık 1593)
Fede Galizia, (1578-1630), Maiolica Meyve Sepeti (yak. 1610), özel koleksiyon
Giovanna Garzoni (1600-1670), Citron Kasesi ile Natürmort (1640), vellum üzerine tempera, Getty Müzesi, Pacific Palisades, Los Angeles, Kaliforniya
Giacomo Francesco Cipper (1664-1736), Balık ve Kabuklu Deniz Hayvanları Natürmortu ⓘ
_-_Still_Life_with_Bowl_of_Citrons_-_Google_Art_Project.jpg)
Onsekizinci yüzyıl
18. yüzyıl büyük ölçüde 17. yüzyıl formüllerini rafine etmeye devam etti ve üretim seviyeleri azaldı. Rokoko tarzında çiçek dekorasyonu porselenlerde, duvar kâğıtlarında, kumaşlarda ve oyma ahşap mobilyalarda çok daha yaygın hale gelmiş, böylece alıcılar tablolarında kontrast oluşturacak figürler olmasını tercih etmişlerdir. Bir değişiklik de, İngilizler ithal etmekle yetinirken, artık en önemli sanatçıların büyük bir bölümünü oluşturan Fransız ressamlar arasında yeni bir hevesin ortaya çıkmasıydı. Jean-Baptiste Chardin, hem Hollandalı Altın Çağ ustalarını örnek alan hem de 19. yüzyıl kompozisyonları üzerinde çok etkili olacak çok ince bir üslupla küçük ve basit yiyecek ve nesne toplulukları resmetti. Ölü av hayvanları konuları, özellikle av kulübeleri için popüler olmaya devam etti; çoğu uzman canlı hayvan konularını da resmetti. Jean-Baptiste Oudry, kürk ve tüy dokularının mükemmel işlenişini, genellikle kireç badanalı bir kiler duvarının düz beyazı olan ve onları avantajlı bir şekilde gösteren basit arka planlarla birleştirdi. ⓘ
18. yüzyıla gelindiğinde, natürmort resimlerin dini ve alegorik çağrışımları pek çok durumda ortadan kalkmış ve mutfak masası resimleri, günlük yiyeceklerin sergilendiği, çeşitli renk ve biçimlerden oluşan hesaplı tasvirlere dönüşmüştür. Fransız aristokrasisi, Hollandalı seleflerinin ahlakçı vanitas mesajı olmadan, yemek masalarını süsleyen cömert ve abartılı natürmort konularının resimlerini yapmaları için sanatçılar istihdam etti. Rokokoların yapaylığa olan düşkünlüğü Fransa'da trompe-l'œil (Fransızca: "göz boyama") resim sanatına olan ilginin artmasına yol açmıştır. Jean-Baptiste Chardin'in natürmort resimlerinde Hollanda tarzı gerçekçilikten daha yumuşak armonilere kadar çeşitli teknikler kullanılmıştır. ⓘ
Anne Vallayer-Coster'ın çalışmalarının büyük bölümü, on yedinci ve on sekizinci yüzyıllar boyunca geliştirilmiş olan natürmort diline adanmıştır. Bu yüzyıllar boyunca natürmort türü hiyerarşik merdivenin en altında yer alıyordu. Vallayer-Coster'ın resimlerinin çekiciliğini sağlayan bir tarzı vardı. "Kompozisyonlarının cesur, dekoratif çizgileri, renklerinin ve simüle edilmiş dokularının zenginliği ve hem doğal hem de yapay çok çeşitli nesneleri tasvir ederken elde ettiği illüzyonizm başarıları" Kraliyet Akadémie'sinin ve resimlerini satın alan çok sayıda koleksiyoncunun dikkatini çekti. Sanat ve doğa arasındaki bu etkileşim Hollanda, Flaman ve Fransız natürmortlarında oldukça yaygındı. Çalışmalarında Jean-Baptiste-Siméon Chardin'in yanı sıra, eserlerine çok daha fazla değer verilen 17. yüzyıl Hollandalı ustaların etkisi açıkça görülmektedir, ancak Vallayer-Coster'in üslubunu diğer natürmort ressamlarından ayıran şey, temsili illüzyonizm ile dekoratif kompozisyon yapılarını bir araya getirme konusundaki benzersiz yoludur. ⓘ
On sekizinci yüzyılın sonu ve Fransız monarşisinin çöküşü Vallayer-Coster'ın natürmort 'çağının' kapılarını kapattı ve yeni çiçek üslubuna açtı. Bunun kariyerinin en önemli noktası olduğu ve en iyi bilindiği şey olduğu iddia edilmiştir. Bununla birlikte, çiçek resimlerinin kariyeri için boşuna olduğu da ileri sürülmüştür. Yine de bu koleksiyon yağlıboya, suluboya ve guaj çiçek çalışmaları içeriyordu. ⓘ
Carl Hofverberg (1695-1765), Trompe-l'œil (1737), Kraliyet Cephaneliği Vakfı, İsveç
Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Cam Matara ve Meyveli Natürmort (1750 civarı)
Jean-Baptiste Oudry, Beyaz Ördek (1753), 1990 yılında Houghton Hall'dan çalınmıştır
Rachel Ruysch, Taş Çıkıntıdaki Urn İçinde Güller, Konvolvuluslar, Gelincikler ve Diğer Çiçekler (1680'ler)
Anne Vallayer-Coster, Müziğin Nitelikleri (1770 civarı)
Carlo Manieri, Gümüş Eşyalarla Natürmort, Pronkstilleven (1662-1700)
Anne Vallayer-Coster, Istakozlu Natürmort (c. 1781)
Anne Vallayer-Coster, Resmin Nitelikleri (1769 civarı) ⓘ
_Prunkstillleben.jpg)
On dokuzuncu yüzyıl
Avrupa Akademilerinin, özellikle de Akademik sanatta merkezi bir role sahip olan Académie française'in yükselişiyle birlikte natürmort gözden düşmeye başladı. Akademiler, bir resmin sanatsal değerinin öncelikle konusuna dayandığını savunan "Türler Hiyerarşisi" (veya "Konu Hiyerarşisi") doktrinini öğretti. Akademik sistemde, en yüksek resim biçimi tarihi, İncil veya mitolojik öneme sahip resimlerden oluşuyor, natürmort konuları sanatsal tanınırlığın en alt sırasına düşüyordu. John Constable ve Camille Corot gibi bazı sanatçılar doğayı yüceltmek için natürmortu kullanmak yerine, bu amaca hizmet edecek manzaraları seçtiler. ⓘ
Neoklasisizm 1830'larda düşüşe geçmeye başladığında, tür ve portre resmi Realist ve Romantik sanatsal devrimlerin odak noktası haline geldi. O dönemin büyük sanatçılarının çoğu natürmortu da eserlerine dahil etmiştir. Francisco Goya, Gustave Courbet ve Eugène Delacroix'nın natürmort resimleri güçlü bir duygusal akım taşır ve kesinlikten çok ruh haliyle ilgilenir. Chardin'in daha önceki natürmort konularını örnek almış olsa da Édouard Manet'nin natürmort resimleri güçlü bir tonlamaya sahiptir ve açıkça Empresyonizme yönelmiştir. Daha geleneksel bir teknik kullanan Henri Fantin-Latour, enfes çiçek resimleriyle ünlüydü ve hayatını neredeyse sadece koleksiyoncular için natürmort resimleri yaparak kazanıyordu. ⓘ
Ancak, Avrupa'da Akademik hiyerarşinin nihai çöküşüne ve Empresyonist ve Post-Empresyonist ressamların yükselişine kadar, teknik ve renk uyumunun konuya galip gelmesi ve natürmortun bir kez daha sanatçılar tarafından hevesle uygulanmaya başlanması mümkün olmadı. Claude Monet erken dönem natürmortlarında Fantin-Latour'un etkisini gösterir, ancak Pierre-Auguste Renoir'ın da Buket ve Yelpaze ile Natürmort'ta (1871) parlak turuncu arka planıyla bir kenara attığı koyu arka plan geleneğini ilk kıranlardan biridir. Empresyonist natürmortlarda, alegorik ve mitolojik içerik, titizlikle detaylandırılmış fırça işçiliği gibi tamamen yoktur. Empresyonistler bunun yerine geniş, dalgalı fırça darbeleri, tonal değerler ve renk yerleşimi üzerine deneylere odaklanmışlardır. Empresyonistler ve Post-Empresyonistler doğanın renk şemalarından ilham almış, ancak doğayı bazen şaşırtıcı derecede doğal olmayan kendi renk armonileriyle yeniden yorumlamışlardır. Gauguin'in belirttiği gibi, "Renklerin kendi anlamları vardır." Gustave Caillebotte'un o dönemde "kuşbakışı meyve sergisi" olarak alay konusu olan Stand Üzerinde Sergilenen Meyveler tablosunda olduğu gibi, sıkı kırpma ve yüksek açılar kullanmak gibi perspektif değişiklikleri de denenmiştir. ⓘ
Vincent van Gogh'un "Ayçiçekleri" tabloları 19. yüzyılın en iyi bilinen natürmort resimlerinden bazılarıdır. Van Gogh, natürmort tarihine unutulmaz bir katkı yapmak için çoğunlukla sarı tonları ve oldukça düz bir render kullanır. Çizim Tahtalı Natürmort (1889), natürmort formunda bir otoportredir ve Van Gogh, piposu, basit bir yiyecek (soğan), ilham verici bir kitap ve kardeşinden gelen bir mektup da dahil olmak üzere kişisel yaşamına dair pek çok öğeyi, kendi görüntüsü olmadan masasının üzerine koyarak resmetmiştir. Ayrıca vanitas resminin kendi versiyonu olan Still Life with Open Bible, Candle, and Book (Açık İncil, Mum ve Kitapla Natürmort, 1885) adlı tablosunu da yapmıştır. ⓘ
Devrim döneminde Amerika Birleşik Devletleri'nde, yurtdışında eğitim görmüş Amerikalı sanatçılar Avrupa stillerini Amerikan portre resmine ve natürmortuna uyguladılar. Charles Willson Peale, önde gelen Amerikalı ressamlardan oluşan bir aile kurdu ve Amerikan sanat camiasında önemli bir lider olarak, sanatçıların eğitimi için bir dernek ve ünlü bir doğal eserler müzesi kurdu. Oğlu Raphaelle Peale, aralarında John F. Francis, Charles Bird King ve John Johnston'ın da bulunduğu bir grup erken dönem Amerikan natürmort sanatçısından biriydi. Martin Johnson Heade, 19. yüzyılın ikinci yarısında, çiçekleri ve kuşları simüle edilmiş dış mekan ortamlarına yerleştiren habitat veya biyotop resminin Amerikan versiyonunu tanıttı. John Haberle, William Michael Harnett ve John Frederick Peto tarafından yaratılan Amerikan trompe-l'œil resimleri de bu dönemde gelişti. Peto nostaljik duvar resimlerinde uzmanlaşırken, Harnett Amerikan yaşamını tanıdık nesneler aracılığıyla resmettiği kutlamalarında hiper-gerçekçiliğin en üst seviyesine ulaşmıştır. ⓘ
On dokuzuncu yüzyıl resimleri
Francisco Goya, Meyveler, Şişeler, Ekmeklerle Natürmort (1824-1826)
Eugène Delacroix, Istakozlu Natürmort ve Avcılık ve Balıkçılık Ganimetleri (1826-1827), Louvre
Gustave Caillebotte, (1848-1894), Vazoda Sarı Güller (1882), Dallas Sanat Müzesi
James Sillett, Vazoda Laleler ve Tırtıl (tarihsiz), Norfolk Müzeleri Koleksiyonları
Henri Fantin-Latour, (1836-1904), Beyaz Güller, Vazoda Krizantemler, Beyaz Masa Örtülü Masa Üzerinde Şeftaliler ve Üzümler (1867)
Paul Cézanne (1839-1906), Siyah Mermer Saat (1869-1871), özel koleksiyon
Mary Cassatt, (1844-1926), Penceredeki Leylaklar (1880)
Claude Monet (1840-1926), Elma ve Üzümlü Natürmort (1880), Chicago Sanat Enstitüsü
Édouard Manet (1832-1883), Kristal Vazoda Karanfiller ve Akasma (1883), Musée d'Orsay, Paris
Paul Gauguin, Elma, Armut ve Seramik Portre Sürahisi ile Natürmort (1889), Fogg Müzesi, Cambridge, Massachusetts
William Harnett (1848-1892), Avdan Sonra (1883)
William Harnett (1848-1892), Natürmort keman ve müzik (1888), Metropolitan Sanat Müzesi, New York
Darius Cobb (1834-1919), bir Amerikan İç Savaşı trompe-l'œil kompozisyonu, burada bir kromolitograf baskıda
Paul Cézanne, Cherub ile Natürmort (1895), Courtauld Enstitüsü Galerileri, Londra ⓘ
Yirminci yüzyıl
Yirminci yüzyılın ilk kırk yılı, sanatsal mayalanma ve devrimin istisnai bir dönemini oluşturdu. Avangard akımlar hızla gelişti ve nonfigüratif, total soyutlamaya doğru bir yürüyüşte üst üste bindi. Natürmort ve diğer temsili sanatlar, Jackson Pollock'un damla resimlerinde örneklendiği gibi tümüyle soyutlamanın tanınabilir tüm içeriği ortadan kaldırdığı yüzyılın ortalarına kadar gelişmeye ve uyum sağlamaya devam etti. ⓘ
Yüzyıl, sanatta birkaç eğilimin hakim olmasıyla başladı. Paul Gauguin 1901'de, on bir yıl önce ölen arkadaşı Van Gogh'a saygı duruşu niteliğindeki Ayçiçekleriyle Natürmort'u yaptı. Pierre Bonnard ve Édouard Vuillard'ın da aralarında bulunduğu Les Nabis olarak bilinen grup, Gauguin'in armonik teorilerini benimsedi ve natürmort resimlerine Japon gravürlerinden esinlenen öğeler ekledi. Fransız sanatçı Odilon Redon da bu dönemde özellikle çiçekler olmak üzere kayda değer natürmortlar yapmıştır. ⓘ
Henri Matisse, natürmort nesnelerin resmedilmesini daha da azaltarak parlak renklerle doldurulmuş kalın, düz hatlardan biraz daha fazlasına indirgedi. Ayrıca perspektifi basitleştirmiş ve çok renkli arka planlar kullanmıştır. Patlıcanlı Natürmort gibi bazı natürmort resimlerinde, nesnelerden oluşan tablo, odanın geri kalanını dolduran diğer renkli desenlerin arasında neredeyse kaybolur. Maurice de Vlaminck ve André Derain gibi Fovizm'in diğer temsilcileri natürmortlarında saf renk ve soyutlamayı daha da keşfetmişlerdir. ⓘ
Paul Cézanne, geometrik mekânsal organizasyondaki devrimci keşifleri için natürmortta mükemmel bir araç buldu. Cézanne için natürmort, resmi illüstratif ya da taklitçi bir işlevden çıkarıp renk, biçim ve çizgi unsurlarını bağımsız bir şekilde sergilemenin başlıca yoluydu ve Soyut sanata doğru önemli bir adımdı. Buna ek olarak, Cézanne'ın deneyleri 20. yüzyılın başlarında Kübist natürmortun gelişimine doğrudan öncülük etmiş olarak görülebilir. ⓘ
Cézanne'ın düzlemleri ve eksenleri değiştirmesini benimseyen Kübistler, Fovların renk paletini bastırmış ve bunun yerine nesneleri saf geometrik formlara ve düzlemlere dönüştürmeye odaklanmışlardır. 1910 ve 1920 yılları arasında Pablo Picasso, Georges Braque ve Juan Gris gibi Kübist sanatçılar, genellikle müzik aletlerini de içeren birçok natürmort kompozisyonu çizerek natürmortu neredeyse ilk kez sanatsal yeniliklerin ön saflarına taşıdılar. Natürmort, Picasso'nun oval "Still Life with Chair Caning" (1912) gibi ilk Sentetik Kübist kolaj çalışmalarının da konusuydu. Bu çalışmalarda, natürmort nesneleri üst üste biner ve birbirine karışır, ancak tanımlanabilir iki boyutlu formları korur, bireysel yüzey dokusunu kaybeder ve arka plana karışır - geleneksel natürmortunkilere neredeyse zıt hedeflere ulaşır. Fernand Léger'nin natürmortları, daha mekanik bir etki yaratmak için bol miktarda beyaz alan ve renkli, keskin hatlarla tanımlanmış, üst üste binen geometrik şekiller kullanmıştır. ⓘ
Kübistlerin mekânı düzleştirmesini reddeden Marcel Duchamp ve Dada hareketinin diğer üyeleri, radikal biçimde farklı bir yöne giderek üç boyutlu "hazır" natürmort heykeller yarattılar. Natürmortlara sembolik bir anlam kazandırmanın bir parçası olarak, Fütüristler ve Sürrealistler, hayal dünyalarına tanınabilir natürmort nesneleri yerleştirdiler. Joan Miró'nun natürmort resimlerinde, nesneler ağırlıksız görünür ve hafifçe önerilen iki boyutlu uzayda yüzer ve hatta dağlar basit çizgiler olarak çizilir. Bu dönemde İtalya'da Giorgio Morandi en önde gelen natürmort ressamıydı ve günlük şişeleri ve mutfak aletlerini tasvir etmek için çok çeşitli yaklaşımlar keşfetti. Detaylı ancak belirsiz grafikleriyle tanınan Hollandalı sanatçı M. C. Escher, geleneksel Hollanda masa natürmortunun güncellenmiş versiyonu olan Natürmort ve Sokak'ı (1937) yarattı. İngiltere'de Eliot Hodgkin, son derece ayrıntılı natürmort resimleri için tempera kullanıyordu. ⓘ
20. yüzyıl Amerikalı sanatçıları Avrupa Modernizminin farkına vardıklarında, natürmort konularını Amerikan gerçekçiliği ve Kübist türevli soyutlamanın bir kombinasyonuyla yorumlamaya başladılar. Bu dönemin Amerikan natürmort çalışmalarının tipik örnekleri Georgia O'Keeffe, Stuart Davis ve Marsden Hartley'in resimleri ve Edward Weston'ın fotoğraflarıdır. O'Keeffe'nin ultra yakın plan çiçek resimleri, taç yaprakları ve yaprakların hem fiziksel yapısını hem de duygusal alt metnini daha önce görülmemiş bir şekilde ortaya koyar. ⓘ
Meksika'da, 1930'lardan başlayarak, Frida Kahlo ve diğer sanatçılar natürmort resimlerinde yerel yiyeceklere ve kültürel motiflere yer vererek kendi Sürrealizm markalarını yarattılar. ⓘ
1930'lardan başlayarak soyut dışavurumculuk natürmortu ciddi biçimde biçim ve rengin ham tasvirlerine indirgedi. 1950'lere gelindiğinde ise sanat dünyasına tamamen soyutlama hakim oldu. Ancak 1960'lar ve 1970'lerdeki pop sanatı bu eğilimi tersine çevirmiş ve yeni bir natürmort biçimi yaratmıştır. Andy Warhol'un "Campbell's Soup Cans" tablosu gibi pek çok pop sanatı natürmortu temel alır, ancak asıl konusu çoğu zaman fiziksel natürmort nesnesinin kendisinden ziyade temsil edilen ticari ürünün metalaştırılmış imgesidir. Roy Lichtenstein'ın Still Life with Goldfish Bowl (1972) adlı eseri Matisse'in saf renklerini Warhol'un pop ikonografisiyle birleştirir. Wayne Thiebaud'nun Öğle Yemeği Masası (1964) tek bir ailenin öğle yemeğini değil, standartlaştırılmış Amerikan yiyeceklerinden oluşan bir montaj hattını tasvir eder. ⓘ
Jasper Johns'un da dahil olduğu Neo-dada hareketi, Johns'un Painted Bronze (1960) ve Fool's House (1962) çalışmalarında olduğu gibi, kendi natürmort çalışmalarını yaratmak için Duchamp'ın gündelik ev eşyalarının üç boyutlu temsiline geri döndü. Soyutlamacı olarak başlayan Avigdor Arikha, Piet Mondrian'ın derslerini diğer çalışmalarında olduğu gibi natürmortlarına da entegre etti; eski usta gelenekleriyle yeniden bağlantı kurarken, tek seansta ve doğal ışıkta çalışarak modernist bir biçimciliğe ulaştı ve bu sayede konu genellikle şaşırtıcı bir perspektifle ortaya çıktı. ⓘ
Natürmort resmin 20. yüzyıldaki gelişimine önemli bir katkı, aralarında Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia Afonina, Maya Kopitseva ve diğerlerinin bulunduğu Rus sanatçılar tarafından yapılmıştır. ⓘ
Buna karşılık, 1970'lerde Fotogerçekçiliğin yükselişi, Pop'un nesne, imge ve ticari ürünün kaynaşması mesajının bir kısmını korurken, illüzyonist temsili yeniden öne çıkardı. Don Eddy ve Ralph Goings'in resimleri bu açıdan tipiktir. ⓘ
Yirminci yüzyıl resimleri
Henri Matisse (1869-1954), Tabaklar ve Meyveler (1901), Hermitage Müzesi, St. Petersburg, Rusya
Odilon Redon (1840-1916), Çiçekler (1903)
Georges Braque (1882-1963), Keman ve Şamdan (1910), San Francisco Modern Sanat Müzesi
Juan Gris (1887-1927), Nature morte (1913), Museo Thyssen Bornemisza
Marsden Hartley (1877-1943), Yakışıklı İçkiler (1916 civarı), Brooklyn Müzesi
Fernand Léger (1881-1955), Bira Bardağı ile Natürmort (1921), Tate
Pablo Picasso, Compotier avec fruits, violon et verre (1912)
Pierre Bonnard (1867-1947), Masa Üzerinde Meyve Kasesi (c. 1934), MAMC Strasbourg ⓘ
.jpg)
21. yüzyıl
20. ve 21. yüzyıllarda natürmort kavramı, geleneksel iki boyutlu resim sanatının ötesine geçerek video sanatına ve heykel, performans ve enstalasyon gibi üç boyutlu sanat formlarına doğru genişlemiştir. Bazı karışık medya natürmort eserleri buluntu nesneler, fotoğraf, video ve ses kullanmakta, hatta tavandan yere kadar uzanarak bir galerinin tüm odasını doldurmaktadır. Video aracılığıyla natürmort sanatçıları izleyiciyi de işlerine dahil etmişlerdir. Bilgisayar sanatı ve dijital sanatla birlikte bilgisayar çağını takip eden natürmort kavramı, dijital teknolojiyi de içine almıştır. Bilgisayar tarafından üretilen grafikler, natürmort sanatçılarının kullanabileceği teknikleri potansiyel olarak artırmıştır. Sentetik natürmort görüntüleri oluşturmak için 3D bilgisayar grafikleri ve 3D fotogerçekçi efektlere sahip 2D bilgisayar grafikleri kullanılmaktadır. Örneğin, grafik sanat yazılımları şeffaf katmanlar üzerindeki 2B vektör grafiklerine veya 2B raster grafiklerine uygulanabilen filtreler içerir. Görsel sanatçılar, filtreler kullanmadan fotogerçekçi efektleri manuel olarak oluşturmak için 3D efektleri kopyalamış veya görselleştirmiştir. ⓘ