Modernizm
| Makale serilerinden ⓘ |
| Sosyoloji |
|---|
 |
|
Konular
|
|
Kültürel bağlamda modernizm, 19. yüzyılda geleneksel anlamdaki edebi, sanatsal, sosyal organizasyon ve gündelik yaşamın geçerliliğini yitirdiği fikriyle ortaya çıkmıştır. ⓘ
Sanat tarihi açısından özel bir adlandırma olan modernist hareketin 19. yüzyıl ortasında Fransa'da ortaya çıktığı kabul edilir. Modernizm kabaca 1884-1914 yılları arasında hüküm sürmüştür. Temelde dayandığı fikir, geleneksel sanatlar, edebiyat, toplumsal kuruluşlar ve günlük yaşamın artık zamanını doldurduğu ve bu yüzden bunların bir kenara bırakılıp yeni bir kültür icat edilmesi gerektiğidir. Modernizm ticaretten felsefeye her şeyin sorgulanmasının gerekliliğini savunur. Böylelikle kültürün öğeleri yeni ve daha iyi olanla değiştirilebilir. Modernizme göre 20. yüzyılın ortaya çıkardığı yeni değişiklikler ve yenilikler kalıcıydı, aynı zamanda yeni oldukları için 'iyi' ve 'güzeldi' ve toplum dünya görüşünü bu öngörülere göre gözden geçirip uyarlamalıydı. ⓘ
Modernizm tanınmış gelenekleri kıran bir stil anlatmak için kullanılmıştır. Yeni bir çağında duyarlılığına daha yerinde formları yaratmayı amaçlamıştır. Bazıları 20. yüzyılda gözlemlenen modernizmi "modernizm" ve "postmodernizm" olmak üzere iki harekette incelerler. Fakat bazı görüşlere göre modernizm ve postmodernizm bir hareketin sadece iki farklı açısıdır. ⓘ
Modern mimarlık ⓘ | |
|---|---|
| Türler |
|
 Wikimedia Commons ·  Kategori | |
 | Mimarlık ile ilgili bu madde taslak seviyesindedir. Madde içeriğini genişleterek Vikipedi'ye katkı sağlayabilirsiniz. ⓘ |
 | Sanat ile ilgili bu madde taslak seviyesindedir. Madde içeriğini genişleterek Vikipedi'ye katkı sağlayabilirsiniz. ⓘ |
 | Edebiyat ile ilgili bu madde taslak seviyesindedir. Madde içeriğini genişleterek Vikipedi'ye katkı sağlayabilirsiniz. ⓘ |
 | Felsefe ile ilgili bu madde taslak seviyesindedir. Madde içeriğini genişleterek Vikipedi'ye katkı sağlayabilirsiniz. ⓘ |
Modernist yenilikler arasında soyut sanat, bilinç akışı romanı, montaj sineması, atonal ve on iki tonlu müzik ve bölmeli resim yer alıyordu. Modernizm, gerçekçilik ideolojisini açıkça reddetmiş ve geçmişin yapıtlarını tekrarlama, birleştirme, yeniden yazma, yeniden özetleme, revizyon ve parodi yoluyla kullanmıştır. Modernizm aynı zamanda Aydınlanma düşüncesinin kesinliğini de reddetmiş ve birçok modernist dini inancı da reddetmiştir. Modernizmin dikkate değer bir özelliği, sanatsal ve sosyal geleneklere ilişkin öz-bilinçtir; bu da genellikle sanat eserlerinin yaratılmasında kullanılan süreç ve malzemelere dikkat çeken tekniklerin kullanımının yanı sıra biçimle ilgili deneylere yol açmıştır. ⓘ
Tanım
Bazı yorumcular modernizmi bir düşünce tarzı olarak tanımlar - sanat ve disiplinlerdeki tüm yenilikleri kapsayan öz-bilinç veya öz-referans gibi felsefi olarak tanımlanmış bir veya daha fazla özellik. Daha yaygın olarak, özellikle Batı'da, onu insanların pratik deneyler, bilimsel bilgi veya teknoloji yardımıyla çevrelerini yaratma, iyileştirme ve yeniden şekillendirme gücünü onaylayan sosyal olarak ilerici bir düşünce akımı olarak görenler vardır. Bu açıdan bakıldığında modernizm, ticaretten felsefeye kadar varoluşun her yönünün yeniden incelenmesini teşvik etmiş, ilerlemeyi 'engelleyen' unsurları bulmayı ve bunların yerine aynı amaca ulaşmanın yeni yollarını koymayı amaçlamıştır. ⓘ
Roger Griffin'e göre modernizm, "yeninin zamansallığı" ethosuyla sürdürülen geniş bir kültürel, sosyal veya siyasi girişim olarak tanımlanabilir. Griffin'e göre modernizm, "çağdaş dünyaya yüce bir düzen ve amaç duygusunu geri getirmeye çalışmış, böylece modernitenin parçalayıcı ve sekülerleştirici etkisi altında kapsayıcı bir 'nomos' ya da 'kutsal gölgelik'in (algılanan) erozyonuna karşı koymuştur." Dolayısıyla, "Ekspresyonizm, Fütürizm, vitalizm, Teozofi, psikanaliz, nüdizm, öjenik, ütopik şehir planlaması ve mimari, modern dans, Bolşevizm, organik milliyetçilik - ve hatta Birinci Dünya Savaşı'nın hekatombunu ayakta tutan fedakarlık kültü - gibi görünüşte birbiriyle ilgisi olmayan olgular, (algılanan) çöküşe karşı mücadelede ortak bir neden ve psikolojik matris ortaya koymaktadır." Bunların hepsi, bireylerin kendi ölümlülüklerini aşabileceklerine ve nihayetinde tarihin kurbanları olmaktan çıkıp onun yaratıcıları haline gelebileceklerine inandıkları "kişiler üstü bir gerçeklik deneyimine" erişme tekliflerini somutlaştırmaktadır. ⓘ
Erken tarih
Kökenleri
Bir eleştirmene göre modernizm, Romantizm'in Sanayi Devrimi'nin etkilerine ve burjuva değerlerine karşı isyanından doğmuştur: Graff, "Modernizmin temel motifinin on dokuzuncu yüzyıl burjuva toplumsal düzenine ve onun dünya görüşüne yönelik eleştiri olduğunu [...] modernistlerin romantizmin meşalesini taşıdığını" ileri sürer. On dokuzuncu yüzyılın en büyük manzara ressamlarından biri olan J. M. W. Turner (1775-1851) Romantik akımın bir üyesi olsa da, "ışık, renk ve atmosfer çalışmalarında bir öncü" olarak, "Fransız Empresyonistlerini" ve dolayısıyla modernizmi "geleneksel temsil formüllerini yıkarak öngördü; [ancak] onlardan farklı olarak, eserlerinin her zaman önemli tarihsel, mitolojik, edebi veya diğer anlatı temalarını ifade etmesi gerektiğine inanıyordu." ⓘ
Viktorya dönemi endüstriyel İngiltere'sinin baskın eğilimlerine, yaklaşık 1850'den itibaren, Pre-Raphaelite Kardeşliği'ni oluşturan İngiliz şairler ve ressamlar, "esin kaynağı olmayan teknik beceriye karşı çıktıkları" için karşı çıktılar. Sanat eleştirmeni John Ruskin'in (1819-1900), İngiltere'nin hızla genişleyen sanayi kentlerinde, kentli işçi sınıfının yaşamlarını iyileştirmede sanatın rolüne ilişkin güçlü duyguları olan yazılarından etkilenmişlerdir. Sanat eleştirmeni Clement Greenberg, Pre-Raphaelite Kardeşliği'ni proto-Modernistler olarak tanımlar: "Orada proto-Modernistler, herkes bir yana, pre-Raphaelite'lerdi (ve hatta onlardan önce, proto-proto-Modernistler olarak Alman Nazaren'lerdi). Pre-Raphaelitler aslında Modernist resmin kesinlikle kendisiyle başladığı Manet'nin (1832-1883) habercisiydi. Gerçekçiliğin yeterince gerçekçi olmadığını düşünerek, kendi dönemlerinde uygulanan resim sanatından duydukları memnuniyetsizlikle hareket etmişlerdir." Rasyonalizmin, her ikisi de varoluşçuluk ve nihilizm üzerinde önemli etkiye sahip olan filozof Søren Kierkegaard (1813-55) ve daha sonra Friedrich Nietzsche (1844-1900) gibi muhalifleri de olmuştur. ⓘ
Ancak Sanayi Devrimi devam etmiştir. Etkili yenilikler arasında buhar gücüyle çalışan sanayileşme ve özellikle 1830'larda İngiltere'de başlayan demiryollarının geliştirilmesi ve bununla bağlantılı olarak fizik, mühendislik ve mimarlık alanlarındaki ilerlemeler yer almaktadır. 19. yüzyılın en önemli mühendislik başarılarından biri, Londra'daki 1851 Büyük Sergisi için inşa edilen devasa dökme demir ve plaka cam sergi salonu Kristal Saray'dır. Cam ve demir, Paddington İstasyonu (1854) ve King's Cross istasyonu (1852) gibi Londra'daki büyük demiryolu terminallerinin yapımında da benzer bir anıtsal tarzda kullanılmıştır. Bu teknolojik gelişmeler daha sonra Brooklyn Köprüsü (1883) ve Eyfel Kulesi (1889) gibi yapıların inşa edilmesine yol açtı. Sonuncusu, insan yapımı nesnelerin ne kadar uzun olabileceğine dair önceki tüm sınırlamaları yıktı. Bu mühendislik harikaları 19. yüzyıl kentsel çevresini ve insanların günlük yaşamlarını kökten değiştirdi. 1837'den itibaren elektrikli telgrafın geliştirilmesi ve 1845'ten itibaren İngiliz demiryolu şirketleri tarafından ve sonraki elli yıl boyunca dünyanın geri kalanında standart zamanın benimsenmesiyle, insanın zaman deneyiminin kendisi de değişti. ⓘ
Devam eden teknolojik ilerlemelere rağmen, tarihin ve medeniyetin doğası gereği ilerici olduğu ve ilerlemenin her zaman iyi olduğu fikri on dokuzuncu yüzyılda artan bir saldırıya maruz kaldı. Sanatçının değerleri ile toplumun değerlerinin sadece farklı olmadığı, aynı zamanda toplumun ilerlemeye karşıt olduğu ve mevcut haliyle ilerleyemeyeceği yönünde argümanlar ortaya çıktı. Yüzyılın başlarında filozof Schopenhauer (1788-1860) (The World as Will and Representation, 1819) önceki iyimserliği sorgulamış ve fikirleri Nietzsche de dahil olmak üzere sonraki düşünürler üzerinde önemli bir etkiye sahip olmuştur. On dokuzuncu yüzyılın ortalarının en önemli düşünürlerinden ikisi, Doğal Seçilim Yoluyla Türlerin Kökeni Üzerine (1859) kitabının yazarı biyolog Charles Darwin (1809-1882) ve Das Kapital (1867) kitabının yazarı siyaset bilimci Karl Marx (1818-1883) idi. Darwin'in doğal seçilim yoluyla evrim teorisi, dini kesinliği ve insanın eşsizliği fikrini zayıflattı. Özellikle, insanların "aşağı hayvanlarla" aynı dürtüler tarafından yönlendirildiği fikrinin, yüceltici bir maneviyat fikriyle uzlaştırılmasının zor olduğu kanıtlandı. Karl Marx, kapitalist sistem içinde temel çelişkiler olduğunu ve işçilerin özgür olmaktan başka bir şey olmadığını savunuyordu. ⓘ
On dokuzuncu yüzyılın sonlarındaki başlangıçlar
Tarihçiler ve farklı disiplinlerden yazarlar, modernizmin başlangıç noktası olarak çeşitli tarihler önermişlerdir. Örneğin tarihçi William Everdell, modernizmin 1870'lerde, matematikçi Richard Dedekind'in (1831-1916) Dedekind kesimi ve Ludwig Boltzmann'ın (1844-1906) istatistiksel termodinamiği ile metaforik (ya da ontolojik) sürekliliğin yerini ayrık olana bırakmaya başlamasıyla başladığını savunmuştur. Everdell ayrıca resim sanatında modernizmin 1885-1886 yıllarında Seurat'nın La Grande Jatte Adası'nda Bir Pazar Öğleden Sonrası resminde kullandığı "noktalar" ile başladığını düşünmektedir. Öte yandan, görsel sanat eleştirmeni Clement Greenberg Immanuel Kant'ı (1724-1804) "ilk gerçek Modernist" olarak adlandırmış, ancak "Modernizm olarak adlandırılabilecek şey geçen yüzyılın ortalarında ortaya çıktı - ve daha ziyade yerel olarak, Fransa'da, edebiyatta Baudelaire ve resimde Manet ile ve belki de düzyazı kurguda Flaubert ile. (Modernizm müzik ve mimaride bir süre sonra ve o kadar da yerel olmayan bir şekilde ortaya çıktı)." Şair Baudelaire'in Les Fleurs du mal (Kötülük Çiçekleri) ve Flaubert'in Madame Bovary adlı romanları 1857'de yayımlandı. ⓘ
Sanat ve edebiyat alanında, 1860'lardan başlayarak Fransa'da iki önemli yaklaşım ayrı ayrı gelişti. Bunlardan ilki, başlangıçta stüdyolarda değil, açık havada (en plein air) yapılan çalışmalara odaklanan bir resim okulu olan Empresyonizm'di. Empresyonist resimler, insanların nesneleri görmediğini, bunun yerine ışığın kendisini gördüğünü gösteriyordu. Okul, önde gelen uygulayıcıları arasındaki iç bölünmelere rağmen taraftar topladı ve giderek daha etkili hale geldi. Başlangıçta dönemin en önemli ticari sergisi olan ve hükümet tarafından desteklenen Paris Salonu'na kabul edilmeyen İzlenimciler, 1870'ler ve 1880'ler boyunca ticari mekanlarda yıllık grup sergileri düzenlediler ve bunları resmi Salon ile aynı zamana denk getirdiler. 1863'ün önemli olaylarından biri, İmparator Napolyon III tarafından Paris Salonu tarafından reddedilen tüm resimlerin sergilenmesi için oluşturulan Salon des Refusés idi. Çoğu standart tarzda, ancak daha alt düzey sanatçılar tarafından yapılmış olsa da, Manet'nin çalışmaları büyük ilgi gördü ve akıma ticari kapılar açtı. İkinci Fransız ekolü, edebiyat tarihçilerinin Charles Baudelaire (1821-1867) ile başlayıp daha sonraki şairler Arthur Rimbaud (1854-1891) Une Saison en Enfer (Cehennemde Bir Mevsim, 1873), Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898) ve Paul Valéry (1871-1945) ile devam ettiğini düşündüğü Sembolizm'dir. Sembolistler "doğrudan betimleme ve açık benzetme yerine ima ve çağrışımın önceliğini vurgulamış" ve özellikle "dilin müzikal özellikleriyle" ilgilenmişlerdir. ⓘ
Sinemanın öncüleri de dahil olmak üzere modernizmin pek çok sanatını doğuran kabare, Fransa'da 1881 yılında Montmartre'da Kara Kedi'nin açılması, ironik monologun başlaması ve Tutarsız Sanatlar Derneği'nin kurulmasıyla başladı denebilir. ⓘ
Modernizmin ilk günlerinde Sigmund Freud'un (1856-1939) teorileri etkili olmuştur. Freud'un ilk büyük çalışması Histeri Üzerine Çalışmalar'dır (Josef Breuer ile birlikte, 1895). Freud'un düşüncesinin merkezinde "zihinsel yaşamda bilinçdışının önceliği" fikri yer almaktadır; böylece tüm öznel gerçeklik, dış dünyanın algılandığı temel dürtülerin ve içgüdülerin oyununa dayanmaktadır. Freud'un öznel durumlara ilişkin tanımı, ilkel dürtülerle dolu bilinçdışı bir zihni ve sosyal değerlerden türetilen kendi kendine dayatılan kısıtlamaları dengelemeyi içeriyordu. ⓘ
Friedrich Nietzsche (1844-1900), psikolojik dürtülerin, özellikle de "güç istencinin" (Wille zur Macht) merkezi öneme sahip olduğu bir felsefeyle modernizmin bir diğer önemli öncüsüydü: "Nietzsche sıklıkla yaşamın kendisini 'güç istenci' ile, yani büyüme ve dayanıklılık içgüdüsü ile özdeşleştirmiştir." Henri Bergson (1859-1941) ise bilimsel, saat zamanı ile zamanın doğrudan, öznel, insani deneyimi arasındaki farkı vurgulamıştır. Zaman ve bilinç üzerine yaptığı çalışmalar "yirminci yüzyıl romancılarını, özellikle de Dorothy Richardson, James Joyce ve Virginia Woolf (1882-1941) gibi bilinç akışı tekniğini kullanan modernistleri büyük ölçüde etkilemiştir". Bergson'un felsefesinde ayrıca "her şeyin yaratıcı evrimini sağlayan" élan vital, yani yaşam gücü fikri de önemliydi. Felsefesi, aklın önemini reddetmese de sezgiye de büyük değer veriyordu. ⓘ
Modernizmin önemli edebi öncüleri Suç ve Ceza (1866) ve Karamazov Kardeşler (1880) romanlarını yazan Fyodor Dostoyevski'dir (1821-1881); Leaves of Grass (1855-1891) adlı şiir derlemesini yayınlayan Walt Whitman (1819-1892); ve August Strindberg (1849-1912), özellikle de 1898-1901 Şam'a Üçleme, Bir Rüya Oyunu (1902) ve Hayalet Sonat (1907) gibi sonraki oyunları. Henry James'in de The Portrait of a Lady (1881) gibi erken tarihli bir eserde önemli bir öncü olduğu öne sürülmüştür. ⓘ
Romantizmden türeyen ideallerin çarpışması ve bilginin henüz bilinmeyeni açıklamasının bir yolunu bulma çabasıyla, 20. yüzyılın ilk on yılında, yazarları onları sanattaki mevcut eğilimlerin uzantıları olarak görse de, sanatçıların burjuva kültürünün ve fikirlerinin yorumcuları ve temsilcileri olduğu konusunda halkla yapılan örtük sözleşmeyi bozan ilk eser dalgası ortaya çıktı. Bu "Modernist" dönüm noktaları arasında Arnold Schoenberg'in 1908'de İkinci Yaylı Çalgılar Dörtlüsü'nü atonal olarak bitirmesi, Wassily Kandinsky'nin 1903'te başlayıp ilk soyut resmi ve 1911'de Münih'te Blue Rider grubunu kurmasıyla doruğa ulaşan dışavurumcu resimleri ve 1900-1910 yılları arasında Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque ve diğerlerinin stüdyolarından çıkan fauvizmin yükselişi ve kübizmin icatları sayılabilir. ⓘ
Ana dönem
20. yüzyılın başlarından 1930'a kadar
.jpg)
Modernizmin önemli bir yönü, yeni biçimlerde tekrarlama, birleştirme, yeniden yazma, yeniden özetleme, revizyon ve parodi gibi teknikleri benimseyerek gelenekle nasıl ilişki kurduğudur. ⓘ
T. S. Eliot sanatçının gelenekle ilişkisi üzerine önemli yorumlar yapmıştır: "[Bir şairin] eserinin yalnızca en iyi değil, aynı zamanda en bireysel bölümlerinin, ataları olan ölü şairlerin ölümsüzlüklerini en güçlü şekilde ortaya koydukları bölümler olabileceğini sık sık göreceğiz." Bununla birlikte, edebiyat bilimci Peter Childs'ın da belirttiği gibi, Modernizmin gelenekle ilişkisi karmaşıktı: "Devrimci ve gerici pozisyonlara, yeniden korkmaya ve eskinin yok olmasından haz duymaya, nihilizme ve fanatik coşkuya, yaratıcılığa ve umutsuzluğa yönelik birbirine zıt olmasa da paradoksal eğilimler vardı." ⓘ
Modernist sanatın hem devrimci hem de geçmiş geleneklerle ilişkili olabileceğine dair bir örnek, besteci Arnold Schoenberg'in müziğidir. Schoenberg bir yandan geleneksel tonal armoniyi, en az bir buçuk yüzyıl boyunca müzik yapımına rehberlik etmiş olan müzik eserlerini düzenleyen hiyerarşik sistemi reddetmiştir. On iki notalı sıraların kullanımına dayanan, sesi organize etmenin tamamen yeni bir yolunu keşfettiğine inanıyordu. Ancak bu gerçekten de tamamen yeni olsa da, kökenleri Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss ve Max Reger gibi daha önceki bestecilerin çalışmalarında izlenebilir. Schoenberg de kariyeri boyunca tonal müzik yazmıştır. ⓘ
Sanat dünyasında, 20. yüzyılın ilk on yılında, Pablo Picasso ve Henri Matisse gibi genç ressamlar, izlenimci Monet perspektif kullanımında zaten yenilikçi olmasına rağmen, resimleri yapılandırma aracı olarak geleneksel perspektifi reddetmeleriyle bir şok yaratıyorlardı. 1907'de Picasso Les Demoiselles d'Avignon'u resmederken, Oskar Kokoschka ilk Ekspresyonist oyun olan Mörder, Hoffnung der Frauen'i (Katil, Kadınların Umudu) yazıyordu (1909'da skandalla sahnelendi) ve Arnold Schoenberg tonal merkezi olmayan ilk bestesi olan Fa diyez minör Yaylı Çalgılar Dörtlüsü No.2'yi (1908) besteliyordu. ⓘ
Kübizme yol açan birincil etki, 1907 Salon d'Automne'da bir retrospektifte sergilenen Paul Cézanne'ın son dönem eserlerindeki üç boyutlu formun temsiliydi. Kübist sanat eserlerinde nesneler analiz edilir, parçalanır ve soyutlanmış bir biçimde yeniden bir araya getirilir; sanatçı nesneleri tek bir bakış açısından tasvir etmek yerine, konuyu daha geniş bir bağlamda temsil etmek için konuyu çok sayıda bakış açısından tasvir eder. Kübizm ilk kez 1911 yılında Paris'te düzenlenen Salon des Indépendants'da (21 Nisan - 13 Haziran) kamuoyunun dikkatine sunuldu. Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Léger ve Roger de La Fresnaye'nin 41 numaralı salonda birlikte sergilenmesi, Kübizmin ortaya çıkıp Paris ve ötesine yayılmasına yol açan bir 'skandala' neden oldu. Yine 1911'de Kandinsky, daha sonra ilk soyut resim olarak adlandıracağı Bild mit Kreis'i (Çemberli Resim) yaptı. 1912'de Metzinger ve Gleizes ilk (ve tek) büyük Kübist manifesto olan Du "Cubisme "i yazdı ve o güne kadarki en büyük Kübist sergi olan Salon de la Section d'Or için zamanında yayınlandı. Metzinger 1912'de büyüleyici La Femme au Cheval (Atlı Kadın) ve Danseuse au Café (Kafede Dansçı) resimlerini yaptı ve sergiledi. Albert Gleizes, Les Baigneuses (Yıkananlar) ve anıtsal Le Dépiquage des Moissons (Hasat Harmanı) resimlerini yaptı ve sergiledi. Bu eser, Robert Delaunay'ın La Ville de Paris (Paris Şehri) adlı eseriyle birlikte, Savaş öncesi Kübist dönemde yapılan en büyük ve en iddialı Kübist tabloydu. ⓘ
1905 yılında, Ernst Ludwig Kirchner liderliğindeki dört Alman sanatçıdan oluşan bir grup, Dresden kentinde Die Brücke'yi (Köprü) kurdu. Bu, kelimenin kendisini kullanmamış olsalar da, Alman Dışavurumcu hareketinin tartışmasız kurucu organizasyonuydu. Birkaç yıl sonra, 1911'de, benzer düşünen bir grup genç sanatçı Münih'te Der Blaue Reiter'ı (Mavi Süvari) kurdu. Bu isim Wassily Kandinsky'nin 1903 tarihli Der Blaue Reiter tablosundan geliyordu. Üyeleri arasında Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee ve August Macke vardı. Ancak "Dışavurumculuk" terimi 1913 yılına kadar tam olarak yerleşmedi. Başlangıçta esas olarak bir Alman sanatsal hareketi olmasına ve 1910 ile 1930 yılları arasında resim, şiir ve tiyatroda baskın olmasına rağmen, hareketin öncülerinin çoğu Alman değildi. Ayrıca, Almanca konuşmayan dışavurumcu yazarların yanı sıra düzyazı kurgu yazarları da olmuştur ve hareket 1930'larda Adolf Hitler'in yükselişiyle Almanya'da gerilemiş olsa da, daha sonra dışavurumcu eserler ortaya çıkmıştır. ⓘ
Dışavurumculuğu tanımlamak oldukça zordur, çünkü kısmen "modernist dönemin diğer büyük 'izm'leriyle örtüşmüştür: Fütürizm, Vortisizm, Kübizm, Sürrealizm ve Dada ile." Richard Murphy de şu yorumu yapıyor: "Her şeyi kapsayan bir tanım arayışı, romancı Franz Kafka, şair Gottfried Benn ve romancı Alfred Döblin gibi en iddialı dışavurumcuların aynı zamanda en ateşli dışavurum karşıtları olmaları nedeniyle sorunludur". Bununla birlikte, dışavurumculuğun 20. yüzyılın başlarında özellikle Almanya'da sanayileşmenin ve şehirlerin büyümesinin insanlıktan çıkarıcı etkisine tepki olarak gelişen bir hareket olduğu ve "dışavurumculuğun kendisini avangart bir hareket olarak tanımlamasının ve geleneklere ve bir bütün olarak kültürel kuruma olan mesafesini işaretlemesinin temel araçlarından birinin gerçekçilik ve egemen temsil gelenekleriyle olan ilişkisi olduğu" söylenebilir. Daha açık bir ifadeyle: dışavurumcular gerçekçilik ideolojisini reddetmişlerdir. Georg Kaiser ve Ernst Toller'in en ünlü oyun yazarları olduğu 20. yüzyılın başlarında Alman tiyatrosunda yoğun bir Ekspresyonist hareket vardı. Diğer önemli Dışavurumcu tiyatro yazarları arasında Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn ve Arnolt Bronnen sayılabilir. Dramaturjik deneylerinin öncüleri olarak İsveçli oyun yazarı August Strindberg ve Alman aktör ve oyun yazarı Frank Wedekind'i örnek aldılar. Oskar Kokoschka'nın Katil, Kadınların Umudu adlı oyunu, 4 Temmuz 1909'da Viyana'da açılan tiyatro için ilk tam Ekspresyonist eserdi. Karakterlerin aşırı basitleştirilerek mitik tiplere dönüştürülmesi, koro efektleri, deklamatuvar diyaloglar ve yüksek yoğunluk daha sonraki Ekspresyonist oyunların karakteristiği haline gelecekti. İlk uzun metrajlı Ekspresyonist oyun Walter Hasenclever'in 1914'te yayınlanan ve ilk kez 1916'da sahnelenen Oğul adlı oyunuydu. ⓘ
Fütürizm bir başka modernist harekettir. 1909 yılında Paris'te yayınlanan Le Figaro gazetesi F. T. Marinetti'nin ilk manifestosunu yayınladı. Kısa süre sonra bir grup ressam (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo ve Gino Severini) Fütürist Manifesto'yu birlikte imzaladı. Marx ve Engels'in ünlü "Komünist Manifesto "sunu (1848) model alan bu tür manifestolar, kışkırtmak ve takipçi toplamak amacıyla fikirler ileri sürmektedir. Bununla birlikte, geometrik ya da tamamen soyut resim lehindeki argümanlar, o dönemde büyük ölçüde çok az tirajı olan "küçük dergilerle" sınırlıydı. Modernist primitivizm ve kötümserlik tartışmalıydı ve 20. yüzyılın ilk on yılında ana akım hâlâ ilerlemeye olan inanç ve liberal iyimserlik eğilimindeydi. ⓘ
Empresyonistlerin yanı sıra Paul Cézanne (1839-1906) ve Edvard Munch'u (1863-1944) örnek alan soyut sanatçılar, doğal dünyanın tasvirinin değil, renk ve şeklin sanatın temel özelliklerini oluşturduğu varsayımıyla işe başladılar. Batı sanatı, Rönesans'tan 19. yüzyılın ortalarına kadar perspektif mantığı ve görünür gerçekliğin bir yanılsamasını yeniden üretme çabasıyla desteklenmiştir. Avrupa dışındaki kültürlerin sanatları erişilebilir hale gelmiş ve sanatçıya görsel deneyimi anlatmanın alternatif yollarını göstermiştir. 19. yüzyılın sonunda birçok sanatçı teknoloji, bilim ve felsefede meydana gelen köklü değişiklikleri kapsayacak yeni bir sanat türü yaratma ihtiyacı hissetmiştir. Sanatçıların kuramsal argümanlarını dayandırdıkları kaynaklar çok çeşitliydi ve o dönemde Batı kültürünün tüm alanlarındaki sosyal ve entelektüel meşguliyetleri yansıtıyordu. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian ve Kazimir Malevich, sanatın saf renklerin düzenlenmesi olarak yeniden tanımlanmasına inanıyordu. Görsel sanatın temsili işlevinin çoğunu geçersiz kılan fotoğrafın kullanımı, modernizmin bu yönünü güçlü bir şekilde etkilemiştir. ⓘ
Frank Lloyd Wright ve Le Corbusier gibi modernist mimarlar ve tasarımcılar, yeni teknolojinin eski bina tarzlarını geçersiz kıldığına inanıyordu. Le Corbusier, içinde seyahat edilen makineler olarak gördüğü arabalara benzer şekilde, binaların da "içinde yaşanacak makineler" olarak işlev görmesi gerektiğini düşünüyordu. Arabaların atın yerini alması gibi, modernist tasarım da Antik Yunan'dan veya Orta Çağ'dan miras kalan eski stilleri ve yapıları reddetmeliydi. Bu makine estetiğini takip eden modernist tasarımcılar, tasarımda dekoratif motifleri tipik olarak reddederek kullanılan malzemeleri ve saf geometrik formları vurgulamayı tercih ettiler. Gökdelen, arketipik modernist binadır ve 1890-91 yılları arasında St. Louis, Missouri, Amerika Birleşik Devletleri'nde inşa edilen 10 katlı bir ofis binası olan Wainwright Binası, dünyanın ilk gökdelenleri arasındadır. Ludwig Mies van der Rohe'nin New York'taki Seagram Binası (1956-1958) genellikle bu modernist yüksek katlı mimarinin zirvesi olarak kabul edilir. Modernist tasarımın pek çok yönü çağdaş mimarinin ana akımında hala varlığını sürdürmektedir, ancak önceki dogmatizm yerini dekorasyonun, tarihsel alıntıların ve mekansal dramanın daha eğlenceli bir şekilde kullanılmasına bırakmıştır. ⓘ
Filozof Edmund Husserl'in Fikirler'inin, fizikçi Niels Bohr'un kuantize atomunun, Ezra Pound'un imgeciliği kurmasının, New York'taki Armory Show'un ve Saint Petersburg'da "ilk fütürist opera" olan Mikhail Matyushin'in Güneşe Karşı Zafer'inin yılı olan 1913'te bir başka Rus besteci, Igor Stravinsky, insan kurbanını tasvir eden, uyumsuzluk ve ilkel ritimle dolu bir müzik partisyonuna sahip bir bale olan Bahar Ayini'ni besteledi. Bu, Paris'teki ilk gösterisinde kargaşaya neden oldu. Bu dönemde modernizm hala "ilerici" olsa da, giderek geleneksel formları ve geleneksel sosyal düzenlemeleri ilerlemeye engel olarak görüyor ve sanatçıyı toplumu aydınlatmak yerine devirmekle uğraşan bir devrimci olarak yeniden tanımlıyordu. Yine 1913 yılında Fransa'da Marcel Proust'un önemli roman dizisi À la recherche du temps perdu'nun (1913-1927) (Kayıp Zamanın İzinde) ilk cildinin yayınlanmasıyla daha az şiddetli bir olay meydana geldi. Bu roman genellikle bir yazarın bilinç akışı tekniğini kullanmasının erken bir örneği olarak sunulur, ancak Robert Humphrey Proust'un "yalnızca bilincin anımsatıcı yönüyle ilgilendiğini" ve "iletişim kurmak amacıyla geçmişi kasıtlı olarak yeniden yakaladığını; dolayısıyla bir bilinç akışı romanı yazmadığını" söyler. ⓘ
Bilinç akışı önemli bir modernist edebi yenilikti ve Arthur Schnitzler'in (1862-1931) "Leutnant Gustl" ("Cesurlar Dışında Kimse") (1900) adlı kısa öyküsünde bunu tam olarak kullanan ilk kişi olduğu öne sürülmüştür. Dorothy Richardson, Hac (1915-1967) adlı roman dizisinin ilk ciltlerinde bunu kullanan ilk İngiliz yazardır. Bu anlatım tekniğinin kullanımıyla ilişkilendirilen diğer modernist romancılar arasında Ulysses'te (1922) James Joyce ve La coscienza di Zeno'da (1923) Italo Svevo sayılabilir. ⓘ
Ancak, 1914-1918 yılları arasında yaşanan Büyük Savaş ve 1917 Rus Devrimi ile birlikte dünya büyük ölçüde değişmiş ve geçmişin inanç ve kurumlarına şüpheyle yaklaşılmaya başlanmıştır. Önceki statükonun başarısızlığı, milyonlarca insanın toprak parçaları için savaşırken öldüğünü görmüş bir nesle apaçık görünüyordu. 1914'ten önce, maliyeti çok yüksek olduğu için kimsenin böyle bir savaşa girmeyeceği iddia edilmişti. Ancak 19. yüzyılda günlük yaşam koşullarında büyük değişiklikler yapan makine çağının doğuşu, şimdi savaşın doğasını kökten değiştirmişti. Son deneyimlerin travmatik doğası temel varsayımları değiştirdi ve sanatta yaşamın gerçekçi tasviri, siper savaşının fantastik gerçeküstü doğası karşısında yetersiz kaldı. Erich Maria Remarque'ın All Quiet on the Western Front (1929) romanı gibi eserlerde anlatılan anlamsız katliam karşısında, insanlığın ahlaki açıdan istikrarlı bir ilerleme kaydettiği görüşü artık gülünç görünüyordu. Dolayısıyla, savaştan önce azınlık bir zevk olan modernizmin gerçeklik görüşü 1920'lerde daha genel kabul görmeye başladı. ⓘ
Edebiyatta ve görsel sanatta bazı modernistler, sanatlarını daha canlı kılmak ya da izleyiciyi kendi önyargılarını sorgulama zahmetine katlanmaya zorlamak için beklentilere meydan okumaya çalıştılar. Modernizmin bu yönü genellikle 19. yüzyılın sonlarında Avrupa ve Kuzey Amerika'da gelişen tüketim kültürüne bir tepki olarak görülmüştür. Çoğu üretici tercihlere ve önyargılara hitap ederek pazarlanabilir ürünler üretmeye çalışırken, yüksek modernistler geleneksel düşüncenin altını oymak için bu tür tüketimci tutumları reddettiler. Sanat eleştirmeni Clement Greenberg, Avant-Garde ve Kitsch adlı makalesinde bu modernizm teorisini açıklamıştır. Greenberg, tüketim kültürü ürünlerini "kitsch" olarak nitelendirmiştir, çünkü bu ürünlerin tasarımları, her türlü zor özelliği ortadan kaldırarak maksimum çekiciliğe sahip olmayı amaçlamıştır. Greenberg'e göre modernizm, ticari popüler müzik, Hollywood ve reklamcılık gibi modern tüketim kültürü örneklerinin gelişimine karşı bir tepki oluşturmuştur. Greenberg bunu kapitalizmin devrimci reddiyle ilişkilendirmiştir. ⓘ
Bazı modernistler kendilerini siyasi devrimi de içeren devrimci bir kültürün parçası olarak görüyorlardı. Rusya'da 1917 Devrimi'nden sonra gerçekten de başlangıçta Rus Fütürizmini de içeren avangart kültürel faaliyetlerde bir patlama yaşandı. Ancak diğerleri geleneksel siyaseti olduğu kadar sanatsal gelenekleri de reddediyor, siyasi bilinç devriminin siyasi yapılardaki değişimden daha önemli olduğuna inanıyordu. Ancak pek çok modernist kendilerini apolitik olarak görüyordu. T. S. Eliot gibi diğerleri ise muhafazakâr bir pozisyondan kitlesel popüler kültürü reddetmiştir. Hatta bazıları, edebiyat ve sanatta modernizmin, nüfusun çoğunluğunu dışlayan elit bir kültürü sürdürme işlevi gördüğünü iddia etmiştir. ⓘ
1920'lerin başında ortaya çıkan Sürrealizm, halk tarafından modernizmin en uç biçimi ya da "Modernizmin avangardı" olarak görülmeye başlandı. "Sürrealist" kelimesi Guillaume Apollinaire tarafından türetilmiş ve ilk kez 1903'te yazılan ve ilk kez 1917'de sahnelenen Les Mamelles de Tirésias adlı oyununun önsözünde yer almıştır. Başlıca sürrealistler arasında Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró ve Marcel Duchamp sayılabilir. ⓘ
1930'a gelindiğinde Modernizm, siyasi ve sanatsal kurumlar da dahil olmak üzere müesses nizamda bir yer edinmişti, ancak bu zamana kadar Modernizmin kendisi de değişmişti. ⓘ
Modernizm devam ediyor: 1930-1945
Modernizm 1930'larda gelişmeye devam etti. Besteci Arnold Schoenberg 1930 ve 1932 yılları arasında on iki ton tekniğini kullanan ilk operalardan biri olan Moses und Aron üzerinde çalıştı, Pablo Picasso 1937'de faşizmi kübist bir şekilde kınayan Guernica'yı resmetti, James Joyce ise 1939'da Finnegans Wake ile modern romanın sınırlarını daha da zorladı. Ayrıca 1930'da Modernizm ana akım kültürü etkilemeye başladı, öyle ki örneğin The New Yorker dergisi Dorothy Parker, Robert Benchley, E. B. White, S. J. Perelman ve James Thurber gibi genç yazar ve mizahçıların Modernizm'den etkilenen çalışmalarını yayınlamaya başladı. Perelman, 1930'lu ve 1940'lı yıllarda dergilerde, çoğunlukla da The New Yorker'da yayınladığı ve Amerika'da sürrealist mizahın ilk örnekleri olarak kabul edilen mizahi kısa öyküleriyle tanınır. Sanatta modern fikirler reklamlarda ve logolarda da daha sık görülmeye başlandı. 1916'da Edward Johnston tarafından tasarlanan ünlü Londra Metrosu logosu bunun erken bir örneğidir. ⓘ
Bu dönemin en görünür değişimlerinden biri, yeni teknolojilerin Batı Avrupa ve Kuzey Amerika'daki sıradan insanların günlük yaşamına girmesiydi. Elektrik, telefon, radyo, otomobil -ve bunlarla çalışma, bunları onarma ve bunlarla yaşama ihtiyacı- toplumsal değişim yarattı. 1880'lerde sadece birkaç kişinin bildiği türden bir yıkıcı an, yaygın bir olay haline geldi. Örneğin, 1890'ların borsa simsarlarına özgü iletişim hızı, en azından orta sınıf Kuzey Amerika'da aile yaşamının bir parçası haline geldi. Kentleşme ve değişen sosyal adetlerle birlikte aileler küçüldü ve ebeveynler ile çocukları arasındaki ilişkiler de değişti. ⓘ
Bu dönemdeki bir diğer güçlü etki de Marksizm olmuştur. Birinci Dünya Savaşı öncesi Modernizm'in (birçok modernist için salt siyasi çözümlere bağlanmayı engelleyen) genel olarak ilkelci/irrasyonalist yönü ve 1920'lerin neoklasizminden (en ünlüleri T. S. Eliot ve Igor Stravinsky tarafından temsil edildiği gibi - modern sorunlara popüler çözümleri reddeden) sonra, faşizmin yükselişi, Büyük Buhran ve savaşa doğru yürüyüş bir neslin radikalleşmesine yardımcı oldu. Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon ve filozoflar Antonio Gramsci ve Walter Benjamin, Marksizmin bu Modernist biçiminin belki de en ünlü örnekleridir. Bununla birlikte, Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound, Hollandalı yazar Menno ter Braak ve diğerleri de dahil olmak üzere, açıkça 'sağ' modernistler de vardı. ⓘ
1920'ler ve 1930'larda Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil ve Dorothy Richardson'ın romanları da dahil olmak üzere önemli Modernist edebi eserler yaratılmaya devam etmiştir. Amerikalı Modernist tiyatro yazarı Eugene O'Neill'ın kariyeri 1914'te başladı, ancak başlıca eserleri 1920'lerde, 1930'larda ve 1940'ların başında ortaya çıktı. 1920'lerde ve 1930'larda yazan diğer iki önemli Modernist tiyatro yazarı Bertolt Brecht ve Federico García Lorca'dır. D. H. Lawrence'ın Lady Chatterley's Lover adlı eseri 1928 yılında özel olarak yayımlanırken, modern roman tarihi açısından bir diğer önemli dönüm noktası da William Faulkner'ın The Sound and the Fury adlı eserinin 1929 yılında yayımlanmasıyla yaşandı. 1930'larda, Faulkner'ın diğer önemli eserlerine ek olarak, Samuel Beckett ilk büyük eseri olan Murphy (1938) romanını yayınladı. Ardından 1939'da James Joyce'un Finnegans Wake'i ortaya çıktı. Bu eser, uyku ve rüya deneyimini yeniden yaratmaya çalışan, standart İngilizce sözcük ögeleri ile neolojistik çok dilli kelime oyunları ve portmanteau sözcüklerinin karışımından oluşan, büyük ölçüde kendine özgü bir dille yazılmıştır. Şiirde T. S. Eliot, E. E. Cummings ve Wallace Stevens 1920'lerden 1950'lere kadar yazmıştır. İngiliz Modernist şiiri genellikle Ezra Pound, T. S. Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, H.D. ve Louis Zukofsky gibi önde gelen temsilcileriyle bir Amerikan fenomeni olarak görülürken, David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting ve W. H. Auden gibi önemli İngiliz Modernist şairler de vardı. Avrupalı Modernist şairler arasında Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy ve Paul Valéry sayılabilir. ⓘ
Bu dönemde Sovyet Rusya'da Modernist hareket devam etmiştir. 1930 yılında besteci Dimitri Shostakovich'in (1906-1975) halk müziği, popüler şarkılar ve atonalite gibi farklı tarzları bir araya getirdiği The Nose operasının prömiyeri yapıldı. Etkilendiği eserler arasında Alban Berg'in (1985-1935) "Leningrad'da sahnelendiğinde Shostakovich üzerinde muazzam bir etki bırakan" Wozzeck (1925) operası da vardı. Ancak 1932'den itibaren Sosyalist gerçekçilik Sovyetler Birliği'nde Modernizmi tahtından etmeye başladı ve 1936'da Shostakovich saldırıya uğradı ve 4. Senfonisini geri çekmek zorunda kaldı. Alban Berg, tamamlanmamış olsa da, prömiyeri 1937'de yapılan Lulu adlı bir başka önemli Modernist opera yazdı. Berg'in Keman Konçertosu ilk kez 1935'te seslendirildi. Shostakovich gibi diğer besteciler de bu dönemde zorluklarla karşılaştı. ⓘ
Almanya'da Arnold Schoenberg (1874-1951), 1933'te Hitler iktidara geldiğinde, Modernist atonal tarzı ve Yahudi kökenleri nedeniyle ABD'ye kaçmak zorunda kaldı. Bu dönemdeki başlıca eserleri Keman Konçertosu, Op. 36 (1934/36) ve Piyano Konçertosu, Op. 42 (1942). Schoenberg bu dönemde ayrıca Sol majör Yaylılar için Süit (1935) ve Mi♭ minör Oda Senfonisi No. 2, Op. 38 (1906'da başladı, 1939'da tamamlandı) ile tonal müzik yazdı. Bu dönemde Macar Modernist Béla Bartók (1881-1945) Yaylılar, Perküsyon ve Celesta için Müzik (1936) ve Yaylı Orkestrası için Divertimento (1939), Yaylı Dörtlü No. 5 (1934) ve No. 6 (son eseri, 1939) dahil olmak üzere bir dizi önemli eser üretti. Ancak o da Macaristan'da faşizmin yükselişi nedeniyle 1940'ta ABD'ye gitti. Igor Stravinsky (1882-1971) 1930'lar ve 1940'lar boyunca neoklasik tarzda yazmaya devam etti ve Mezmurlar Senfonisi (1930), Do Senfonisi (1940) ve Üç Hareketli Senfoni (1945) gibi eserler yazdı. Ayrıca İkinci Dünya Savaşı nedeniyle ABD'ye göç etti. Olivier Messiaen (1908-1992) ise savaş sırasında Fransız ordusunda görev yaptı ve Almanlar tarafından Stalag VIII-A'da hapsedildi ve burada ünlü Quatuor pour la fin du temps ("Zamanın Sonu için Kuartet") adlı eserini besteledi. Kuartet ilk kez Ocak 1941'de mahkumlar ve gardiyanlardan oluşan bir dinleyici kitlesi önünde seslendirildi. ⓘ
Resim sanatında 1920'ler, 1930'lar ve Büyük Buhran döneminde modernizm, Sürrealizm, geç Kübizm, Bauhaus, De Stijl, Dada, Alman Dışavurumculuğu ve Henri Matisse ve Pierre Bonnard gibi modernist ve usta renkli ressamların yanı sıra Piet Mondrian ve Wassily Kandinsky gibi sanatçıların Avrupa sanat sahnesini karakterize eden soyutlamaları ile tanımlanmıştır. Almanya'da Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz ve diğerleri İkinci Dünya Savaşı'nın habercisi olarak resimlerini politize ederken, Amerika'da modernizm Amerikan Sahne resmi şeklinde görülmüş ve hem siyasi hem de sosyal yorum içeren sosyal gerçekçilik ve bölgeselcilik akımları sanat dünyasına hakim olmuştur. Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh ve diğerleri gibi sanatçılar öne çıkmıştır. Modernizm Latin Amerika'da Uruguaylı ressam Joaquín Torres-García ve Meksikalı Rufino Tamayo tarafından tanımlanırken, Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez ve Santiago Martínez Delgado'nun muralist hareketi ve Frida Kahlo'nun Sembolist resimleri, daha özgür bir renk kullanımı ve siyasi mesajlara vurgu ile karakterize edilen bölge için bir sanat rönesansı başlattı. ⓘ
Diego Rivera belki de kamuoyu tarafından en çok Rockefeller Center'daki RCA Binası'nın lobisinde 1933 yılında yaptığı Kavşaktaki Adam adlı duvar resmiyle tanınmaktadır. Hamisi Nelson Rockefeller, duvar resminin Vladimir Lenin'in portresini ve diğer komünist imgeleri içerdiğini keşfettiğinde Rivera'yı kovdu ve bitmemiş çalışma sonunda Rockefeller'ın personeli tarafından yok edildi. Frida Kahlo'nun eserleri genellikle acının keskin tasvirleriyle karakterize edilir. Kahlo'nun yerli Meksika kültüründen derinden etkilendiği, resimlerinin parlak renklerinden ve dramatik sembolizminden anlaşılmaktadır. Çalışmalarında Hristiyan ve Yahudi temaları da sıklıkla tasvir edilmiştir; Kahlo, genellikle kanlı ve şiddet içeren klasik dini Meksika geleneğinin unsurlarını birleştirmiştir. Frida Kahlo'nun Sembolist eserleri Sürrealizm ve edebiyattaki büyülü gerçekçilik akımıyla güçlü bir ilişki içindedir. ⓘ
Siyasi aktivizm David Siqueiros'un hayatının önemli bir parçasıydı ve sık sık sanatsal kariyerini bir kenara bırakması için ona ilham verdi. Sanatının kökleri Meksika Devrimi'ne dayanıyordu. 1920'lerden 1950'lere kadar olan dönem Meksika Rönesansı olarak bilinir ve Siqueiros hem Meksikalı hem de evrensel bir sanat yaratma girişiminde aktif rol oynamıştır. Genç Jackson Pollock atölyeye katıldı ve geçit töreni için şamandıra yapımına yardım etti. ⓘ
1930'larda radikal sol politikalar, aralarında Pablo Picasso'nun da bulunduğu Sürrealizm ile bağlantılı pek çok sanatçının karakteristik özelliğiydi. 26 Nisan 1937'de İspanya İç Savaşı sırasında Bask kasabası Gernika, Nazi Almanyası'nın Luftwaffe'si tarafından bombalandı. Almanlar, Francisco Franco'nun Bask hükümetini ve İspanya Cumhuriyetçi hükümetini devirme çabalarını desteklemek için saldırıyorlardı. Pablo Picasso, bombardımanın dehşetini anmak için duvar resmi boyutundaki Guernica'yı yaptı. ⓘ
1930'lardaki Büyük Buhran ve İkinci Dünya Savaşı yılları boyunca Amerikan sanatı, Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton ve diğer bazı sanatçıların çalışmalarında sosyal gerçekçilik ve Amerikan Sahne resmi ile karakterize edildi. Nighthawks (1942) Edward Hopper'ın gece geç saatlerde şehir merkezindeki bir lokantada oturan insanları resmettiği tablosudur. Sadece Hopper'ın en ünlü tablosu değil, aynı zamanda Amerikan sanatında en çok tanınan tablolardan biridir. Sahne Greenwich Village'daki bir lokantadan esinlenmiştir. Hopper bu resmi Pearl Harbor saldırısından hemen sonra yapmaya başlamıştır. Bu olaydan sonra ülke üzerinde büyük bir kasvet duygusu vardı ve bu duygu tabloda resmedilmiştir. Lokantanın dışındaki kentsel sokak bomboştur ve içerideki üç müşteriden hiçbiri diğerlerine bakmıyor ya da onlarla konuşmuyor, bunun yerine kendi düşüncelerinde kaybolmuşlardır. Modern kent yaşamının boş ya da yalnız olarak tasvir edilmesi Hopper'ın çalışmalarında ortak bir temadır. ⓘ
American Gothic, Grant Wood'un 1930 tarihli bir tablosudur. Marangoz Gotik tarzındaki bir evin önünde dirgen tutan bir çiftçi ve genç bir kadını tasvir eden bu resim, 20. yüzyıl Amerikan sanatının en tanıdık imgelerinden biridir. Sanat eleştirmenleri resim hakkında olumlu görüşlere sahipti; Gertrude Stein ve Christopher Morley gibi, resmin kırsal küçük kasaba yaşamının bir hicvi olduğunu varsaydılar. Bu nedenle, Sherwood Anderson'un 1919 tarihli Winesburg, Ohio, Sinclair Lewis'in 1920 tarihli Main Street ve Carl Van Vechten'in The Tattooed Countess adlı eserleri gibi, kırsal Amerika'nın giderek daha eleştirel bir şekilde tasvir edilmesine yönelik eğilimin bir parçası olarak görülmüştür. Ancak, Büyük Buhran'ın başlamasıyla birlikte resim, kararlı Amerikan öncü ruhunun bir tasviri olarak görülmeye başlandı. ⓘ
1930'larda Avrupa'daki sanatçıların durumu, Nazilerin Almanya ve Doğu Avrupa'daki gücü arttıkça hızla kötüleşti. Dejenere sanat, Almanya'daki Nazi rejimi tarafından neredeyse tüm modern sanat için benimsenen bir terimdi. Bu tür sanat, Alman karşıtı ya da Yahudi Bolşevist olduğu gerekçesiyle yasaklanmış ve dejenere sanatçı olarak tanımlananlar yaptırımlara maruz kalmıştır. Bunlar arasında öğretim görevlerinden alınmak, sanatlarını sergilemek ya da satmaktan men edilmek ve bazı durumlarda sanat üretmekten tamamen men edilmek yer alıyordu. Dejenere Sanat aynı zamanda 1937 yılında Münih'te Naziler tarafından düzenlenen bir serginin de başlığıydı. Ortam, modernizm ve soyutlama ile ilişkili sanatçılar ve sanat için o kadar düşmanca bir hal aldı ki, pek çoğu Amerika'ya gitti. Alman sanatçı Max Beckmann ve çok sayıda başka sanatçı Avrupa'dan New York'a kaçtı. New York'ta Arshile Gorky, Willem de Kooning ve diğerlerinin başını çektiği yeni nesil genç ve heyecan verici Modernist ressamlar yetişmeye başlamıştı. ⓘ
Arshile Gorky'nin Willem de Kooning olabilecek birinin portresi, figür resmi, kübizm ve sürrealizm bağlamından soyut dışavurumculuğun evrimine bir örnektir. Arkadaşları de Kooning ve John D. Graham ile birlikte Gorki, 1940'larda tamamen soyut resimlere dönüşen biyomorfik şekilli ve soyutlanmış figüratif kompozisyonlar yarattı. Gorki'nin çalışmaları, duygu ve doğayı ifade etmek için çizgi ve rengi kullanarak hafıza, duygu ve şeklin dikkatli bir analizi gibi görünmektedir. ⓘ
İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra
The Oxford Encyclopedia of British Literature, İngiliz ve Amerikan edebiyatı açısından modernizmin yaklaşık 1939'da sona erdiğini belirtirken, "Modernizmin ne zaman sona erdiği ve postmodernizmin ne zaman başladığı, Viktoryanizmden Modernizme geçişin ne zaman gerçekleştiği kadar hararetli bir şekilde tartışılmıştır." Clement Greenberg, görsel ve sahne sanatları haricinde modernizmin 1930'larda sona erdiğini düşünmektedir, ancak müzikle ilgili olarak Paul Griffiths, Modernizmin 1920'lerin sonlarında "tükenmiş bir güç gibi göründüğünü", ancak İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra "yeni bir besteci kuşağının -Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis- modernizmi yeniden canlandırdığını" belirtmektedir. Aslında birçok edebi modernist 1950'lerde ve 1960'larda da yaşadı, ancak genellikle artık önemli eserler üretmiyorlardı. "Geç modernizm" terimi bazen 1930'dan sonra yayınlanan Modernist eserlere de uygulanır. Wallace Stevens, Gottfried Benn, T. S. Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys ve Ezra Pound 1945'ten sonra hâlâ yayın yapan modernistler (ya da geç modernistler) arasındadır. 1901 doğumlu Basil Bunting, en önemli Modernist şiiri Briggflatts'ı 1965 yılında yayımlamıştır. Ayrıca Hermann Broch'un Virgil'in Ölümü 1945'te ve Thomas Mann'ın Doktor Faustus'u 1947'de yayımlandı. 1989'da ölen Samuel Beckett, "daha sonraki Modernist" olarak tanımlanmıştır. Beckett, 1930'lardan 1980'lere kadar Molloy (1951), Godot'yu Beklerken (1953), Mutlu Günler (1961) ve Rockaby (1981) gibi eserler üretmiş, kökleri Modernizmin dışavurumcu geleneğine dayanan bir yazardır. Daha sonraki eserleri için "minimalist" ve "post-Modernist" terimleri de kullanılmıştır. Şair Charles Olson (1910-1970) ve J. H. Prynne (1936 doğumlu) 20. yüzyılın ikinci yarısında geç modernist olarak tanımlanan yazarlar arasındadır. ⓘ
Son zamanlarda "geç modernizm" terimi en az bir eleştirmen tarafından yeniden tanımlanmış ve 1930'dan ziyade 1945'ten sonra yazılan eserlere atıfta bulunmak için kullanılmıştır. Bu kullanımla birlikte, modernizm ideolojisinin İkinci Dünya Savaşı olayları, özellikle de Holokost ve atom bombasının atılmasıyla önemli ölçüde yeniden şekillendiği fikri ortaya çıkmıştır. ⓘ
Savaş sonrası dönem, Avrupa'nın başkentlerini ekonomik ve fiziksel olarak yeniden inşa etme ve siyasi olarak yeniden toparlanma aciliyeti ile çalkantı içinde bıraktı. Paris'te (Avrupa kültürünün eski merkezi ve sanat dünyasının eski başkenti) sanat ortamı tam bir felaketti. Önemli koleksiyonerler, satıcılar ve Modernist sanatçılar, yazarlar ve şairler New York ve Amerika'ya gitmek üzere Avrupa'dan kaçmışlardı. Avrupa'nın her kültür merkezinden sürrealistler ve modern sanatçılar Nazilerin saldırısından kaçarak Amerika Birleşik Devletleri'nde güvenli bir sığınak bulmuşlardı. Kaçamayanların çoğu yok oldu. Başta Pablo Picasso, Henri Matisse ve Pierre Bonnard olmak üzere birkaç sanatçı Fransa'da kaldı ve hayatta kaldı. ⓘ
New York'ta 1940'lar, Amerika'daki Hans Hofmann ve John D. Graham gibi büyük öğretmenler aracılığıyla Henri Matisse, Pablo Picasso, sürrealizm, Joan Miró, kübizm, Fovizm ve erken modernizmden öğrenilen dersleri birleştiren Modernist bir hareket olan Amerikan soyut dışavurumculuğunun zaferini müjdeledi. Amerikalı sanatçılar Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst ve André Breton grubu, Pierre Matisse'in galerisi ve Peggy Guggenheim'ın galerisi The Art of This Century'nin varlığından ve diğer faktörlerden yararlandı. ⓘ
Dahası Paris, 1950'li ve 60'lı yıllarda makine sanatı akımının merkezi olarak parlaklığını yeniden kazanmıştır; önde gelen makine sanatı heykeltıraşlarından Jean Tinguely ve Nicolas Schöffer kariyerlerini başlatmak için buraya taşınmışlardır ve bu akım, modern yaşamın teknoloji merkezli karakteri ışığında, özellikle uzun süreli bir etkiye sahip olabilir. ⓘ
Absürd Tiyatro
"Absürd Tiyatro" terimi, özellikle Avrupalılar tarafından yazılan, insan varlığının hiçbir anlamı ya da amacı olmadığı ve bu nedenle tüm iletişimin bozulduğu inancını ifade eden oyunlara uygulanır. Mantıksal yapı ve argümanlar yerini irrasyonel ve mantıksız konuşmalara ve nihai sonuç olan sessizliğe bırakır. Alfred Jarry (1873-1907) gibi önemli öncüleri olsa da, Absürd Tiyatro genellikle 1950'lerde Samuel Beckett'in oyunlarıyla başladığı kabul edilir. ⓘ
Eleştirmen Martin Esslin bu terimi 1960 tarihli "Absürd Tiyatro" adlı makalesinde ortaya atmıştır. Bu oyunları, Albert Camus'nün 1942 tarihli Sisifos Söyleni adlı denemesinde terimi kullanmasına benzer şekilde, geniş bir Absürd temasına dayandırmıştır. Bu oyunlardaki Absürd, insanın görünüşte anlamsız bir dünyaya tepkisi ve/veya görünmez dış güçler tarafından kontrol edilen veya tehdit edilen bir kukla olarak insan şeklini alır. Terim çok çeşitli oyunlara uygulanmış olsa da, bazı özellikler birçok oyunda aynıdır: genellikle vodvile benzeyen, korkunç veya trajik görüntülerle karışık geniş komedi; tekrarlayan veya anlamsız eylemler yapmaya zorlanan umutsuz durumlara yakalanmış karakterler; klişeler, kelime oyunları ve saçmalıklarla dolu diyaloglar; döngüsel veya saçma bir şekilde genişleyen olay örgüsü; gerçekçiliğin ve "iyi yapılmış oyun" kavramının parodisi veya reddedilmesi. ⓘ
Absürd Tiyatro ile yaygın olarak ilişkilendirilen oyun yazarları arasında Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (d. 1937) sayılabilir, Alexander Vvedensky (1904-1941), Daniil Kharms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-1990), Alejandro Jodorowsky (1929 doğumlu), Fernando Arrabal (1932 doğumlu), Václav Havel (1936-2011) ve Edward Albee (1928-2016). ⓘ
.jpg)
Pollock ve soyut etkiler
1940'ların sonlarında Jackson Pollock'un resme radikal yaklaşımı, onu takip eden tüm çağdaş sanat potansiyelinde devrim yarattı. Pollock, bir dereceye kadar, bir sanat eseri yapmaya giden yolculuğun, sanat eserinin kendisi kadar önemli olduğunu fark etti. Pablo Picasso'nun 20. yüzyılın başlarında Kübizm ve kurgulanmış heykel aracılığıyla resim ve heykeli yenilikçi bir şekilde yeniden keşfetmesi gibi, Pollock da sanatın yapılış biçimini yeniden tanımladı. Şövale resminden ve konvansiyonellikten uzaklaşması, döneminin sanatçıları ve sonrasında gelen herkes için özgürleştirici bir işaretti. Sanatçılar, Jackson Pollock'un gerilmemiş ham tuvali, sanatsal ve endüstriyel malzemeler kullanarak dört bir yandan saldırılabilecek şekilde yere yerleştirme; çizgisel boya çilelerini damlatma ve fırlatma; çizme, boyama ve fırçalama; imgelem ve imgelemsizlik kullanma sürecinin, esasen sanat yapımını önceki tüm sınırların ötesine fırlattığını fark ettiler. Soyut dışavurumculuk genel olarak yeni sanat eserlerinin yaratılması için sanatçılara sunulan tanımları ve olanakları genişletti ve geliştirdi. Diğer soyut dışavurumcular Pollock'un atılımını kendi yeni atılımlarıyla takip ettiler. Bir anlamda Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Peter Voulkos ve diğerlerinin yenilikleri, kendilerinden sonra gelen tüm sanatın çeşitliliği ve kapsamı için taşkın kapılarını açtı. Ancak Linda Nochlin, Griselda Pollock ve Catherine de Zegher gibi sanat tarihçilerinin soyut sanatı yeniden okumaları, modern sanatta büyük yenilikler yaratan öncü kadın sanatçıların, bu sanatın resmi tarih anlatıları tarafından göz ardı edildiğini eleştirel bir şekilde ortaya koymaktadır. ⓘ
İngiliz sanatından uluslararası isimler
Henry Moore (1898-1986) İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra İngiltere'nin önde gelen heykeltıraşı olarak ortaya çıktı. En çok, dünyanın dört bir yanında kamusal sanat eserleri olarak yer alan yarı soyut anıtsal bronz heykelleriyle tanınmıştır. Biçimleri genellikle insan figürünün soyutlamalarıdır; 1950'lerde aile gruplarını heykelleştirdiği bir dönem dışında, genellikle kadın bedenini çağrıştıran anne-çocuk ya da uzanmış figürleri tasvir eder. Biçimleri genellikle deliklidir ya da boşluklar içerir. ⓘ
1950'lerde Moore, 1958'de Paris'teki UNESCO binası için yaptığı uzanmış figür de dahil olmak üzere giderek daha önemli siparişler almaya başladı. Çok daha fazla kamusal sanat eseri ile Moore'un heykellerinin ölçeği önemli ölçüde büyüdü. Moore'un hayatının son otuz yılı da benzer bir şekilde devam etti ve 1972 yazında Floransa'ya bakan Forte di Belvedere'nin arazisinde düzenlenen önemli bir sergi başta olmak üzere, dünya çapında birçok büyük retrospektif gerçekleşti. 1970'lerin sonuna gelindiğinde, yılda yaklaşık 40 sergide eserleri yer alıyordu. Aralık 1967'de Chicago Üniversitesi kampüsünde, Enrico Fermi liderliğindeki fizikçiler ekibinin ilk kontrollü, kendi kendine devam eden nükleer zincirleme reaksiyonu gerçekleştirmesinden tam 25 yıl sonra Moore'un Nükleer Enerji adlı eseri tanıtıldı. Moore, Chicago'da ayrıca, uzay keşif programının tanınması için yaptırılan ve yerel adı Man Enters the Cosmos (1980) olan büyük bir bronz güneş saatiyle bilimi anmıştır. ⓘ
Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (1931 doğumlu), Leon Kossoff (1926 doğumlu) ve Michael Andrews (1928-1995) gibi figüratif ressamlardan oluşan "Londra Okulu", uluslararası alanda geniş çapta tanınmıştır. ⓘ
Francis Bacon cesur, grafik ve duygusal açıdan ham imgeleriyle tanınan İrlanda doğumlu İngiliz figüratif ressamdır. Ressamca ama soyutlanmış figürleri tipik olarak düz, sıradan arka planlara yerleştirilmiş cam veya çelik geometrik kafesler içinde izole edilmiş olarak görünür. Bacon 20'li yaşlarının başında resim yapmaya başladı ancak 30'lu yaşlarının ortalarına kadar sadece ara sıra çalıştı. Sanatçı, 1944'te yaptığı ve insanlık durumunun benzersiz kasvetli bir vakanüvisi olarak ününü pekiştiren Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion (Çarmıha Gerilme Altındaki Figürler için Üç Çalışma) adlı triptikle büyük bir çıkış yaptı. Üretimi kabaca tek bir motifin dizileri ya da varyasyonlarından oluşuyor olarak tanımlanabilir; 1940'larda odalarda izole edilmiş erkek başları, 1950'lerin başında çığlık atan papalar ve 1950'lerin ortasından sonuna kadar geometrik yapılarda asılı duran hayvanlar ve yalnız figürler. Bunları 1960'ların başında triptik formatında yaptığı modern çarmıha gerilme varyasyonları izledi. 1960'ların ortalarından 1970'lerin başlarına kadar Bacon çoğunlukla çarpıcı derecede şefkatli arkadaş portreleri üretti. Sevgilisi George Dyer'ın 1971'deki intiharının ardından, sanatı daha kişisel, içe dönük ve ölüm tema ve motifleriyle meşgul hale geldi. Yaşadığı süre boyunca Bacon hem nefret edilen hem de beğenilen bir sanatçı oldu. ⓘ
Lucian Freud, Almanya doğumlu İngiliz ressam, özellikle kalın empasto portre ve figür resimleriyle tanınan ve zamanının önde gelen İngiliz sanatçısı olarak kabul edilen bir ressamdı. Eserleri, psikolojik nüfuzları ve sanatçı ile model arasındaki ilişkiyi çoğu zaman rahatsız edici bir şekilde incelemeleriyle dikkat çeker. The New York Times'tan William Grimes'a göre, "Lucien Freud ve çağdaşları 20. yüzyılda figür resmini dönüştürdü. Freud, Beyaz Köpekli Kız (1951-1952) gibi resimlerinde, geleneksel Avrupa resminin resimsel dilini, oturan kişinin sosyal cephesini çıplak bırakan anti-romantik, çatışmacı bir portre tarzının hizmetine sundu. Çoğu Freud'un arkadaşı olan sıradan insanlar, sanatçının acımasız incelemesine karşı savunmasız bir şekilde tuvalden gözlerini dikmiş bakıyorlardı." ⓘ
1960'larda soyut dışavurumculuktan sonra
1950'ler ve 1960'lar boyunca soyut resimde, soyut dışavurumculuğun öznelciliğine karşı bir tepki olarak sanatçı stüdyolarında ve radikal avangard çevrelerde sert kenarlı resim ve diğer geometrik soyutlama biçimleri gibi çeşitli yeni yönler ortaya çıkmaya başladı. Clement Greenberg, 1964 yılında Amerika Birleşik Devletleri'ndeki önemli sanat müzelerini gezen etkili bir yeni resim sergisinin küratörlüğünü yaptığında, resim sonrası soyutlamanın sesi oldu. renk alanı resmi, sert kenar resmi ve lirik soyutlama radikal yeni yönler olarak ortaya çıktı. ⓘ
Ancak 1960'ların sonlarına doğru postminimalizm, süreç sanatı ve Arte Povera da lirik soyutlama, postminimalist hareket ve erken dönem kavramsal sanat aracılığıyla hem resim hem de heykeli kapsayan devrimci kavramlar ve hareketler olarak ortaya çıktı. Pollock'tan ilham alan süreç sanatı, sanatçıların çeşitli üslup, içerik, malzeme, yerleştirme, zaman duygusu, plastik ve gerçek mekân ansiklopedilerini denemelerine ve kullanmalarına olanak sağlamıştır. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Pat Lipsky, Sam Gilliam, Mario Merz ve Peter Reginato, 1960'ların sonlarında sanatın altın çağını yaratan geç modernizm döneminde ortaya çıkan genç sanatçılardan bazılarıydı. ⓘ
Pop sanat
1962'de Sidney Janis Galerisi, New York'ta bir sanat galerisindeki ilk büyük pop art grup sergisi olan Yeni Gerçekçiler'i düzenledi. Janis sergiyi 57. Cadde'de galerisine yakın bir vitrinde düzenledi. Sergi New York Okulu'nda şok dalgaları yarattı ve dünya çapında yankı buldu. Daha önce 1958'de İngiltere'de "Pop Art" terimi Lawrence Alloway tarafından İkinci Dünya Savaşı sonrası dönemin tüketimciliğini kutlayan resimleri tanımlamak için kullanılmıştı. Bu akım, soyut dışavurumculuğu ve onun hermeneutik ve psikolojik içselliğe odaklanmasını reddederek, maddi tüketim kültürünü, reklamcılığı ve seri üretim çağının ikonografisini tasvir eden ve çoğu zaman kutlayan sanatın lehine hareket etti. David Hockney'in erken dönem çalışmaları ile Richard Hamilton ve Eduardo Paolozzi'nin (çığır açan I was a Rich Man's Plaything, 1947) eserleri bu akımın ufuk açıcı örnekleri olarak kabul edilir. Bu arada, New York'un East Village 10. Cadde galerilerinde sanatçılar pop sanatın Amerikan versiyonunu formüle ediyorlardı. Claes Oldenburg'un vitrini vardı ve 57. Cadde'deki Green Gallery, Tom Wesselmann ve James Rosenquist'in eserlerini sergilemeye başladı. Daha sonra Leo Castelli, Andy Warhol ve Roy Lichtenstein da dahil olmak üzere diğer Amerikalı sanatçıların eserlerini kariyerlerinin büyük bölümünde sergiledi. Marcel Duchamp ve Man Ray'in radikal eserleri, mizah anlayışına sahip asi Dadaistler ile Claes Oldenburg, Andy Warhol ve Roy Lichtenstein gibi pop sanatçılarının resimleri arasında, ticari çoğaltımda kullanılan bir teknik olan Ben-Day noktalarının görünümünü yeniden üreten bir bağlantı vardır. ⓘ
Minimalizm
Minimalizm, çeşitli sanat ve tasarım biçimlerinde, özellikle görsel sanat ve müzikte, sanatçıların gerekli olmayan tüm formları, özellikleri veya kavramları ortadan kaldırarak bir konunun özünü veya kimliğini ortaya çıkarmayı amaçladıkları hareketleri tanımlar. Minimalizm, maksimum etkiyi yaratmak için en basit ve en az öğenin kullanıldığı herhangi bir tasarım veya stildir. ⓘ
Sanatta belirli bir hareket olarak, İkinci Dünya Savaşı sonrası Batı sanatındaki gelişmelerle, en güçlü olarak da 1960'lar ve 1970'lerin başındaki Amerikan görsel sanatlarıyla özdeşleştirilir. Bu akımla ilişkili önde gelen sanatçılar arasında Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt ve Frank Stella sayılabilir. Modernizmin indirgemeci yönlerinden türemiş olup, genellikle Soyut dışavurumculuğa karşı bir tepki ve Postminimal sanat uygulamalarına bir köprü olarak yorumlanmaktadır. 1960'ların başında minimalizm, sanatta (kökleri Kazimir Malevich, Bauhaus ve Piet Mondrian'ın geometrik soyutlamasına dayanan) soyut bir hareket olarak ortaya çıktı ve ilişkisel ve öznel resim fikrini, soyut dışavurumcu yüzeylerin karmaşıklığını ve eylem resmi arenasında mevcut olan duygusal zeitgeist ve polemikleri reddetti. Minimalizm, aşırı basitliğin sanatta ihtiyaç duyulan tüm yüce temsilleri yakalayabileceğini savunmuştur. Minimalizm çeşitli şekillerde ya postmodernizmin bir öncüsü ya da postmodern bir hareket olarak yorumlanmıştır. İkinci bakış açısına göre, erken dönem minimalizm ileri düzeyde Modernist eserler ortaya koymuş, ancak Robert Morris gibi bazı sanatçılar anti-form hareketi lehine yön değiştirince hareket bu yönünü kısmen terk etmiştir. ⓘ
Hal Foster, The Crux of Minimalism adlı makalesinde Donald Judd ve Robert Morris'in yayınladıkları minimalizm tanımlarında Greenbergian Modernizm'i ne ölçüde kabul ettiklerini ve aştıklarını inceler. Minimalizmin Modernizmin bir "çıkmazı" değil, "bugün de üzerinde çalışılmaya devam edilen postmodern uygulamalara doğru bir paradigma kayması" olduğunu savunur. ⓘ
Minimal müzik
Bu terimler, La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass ve John Adams'ın bestelerinde olduğu gibi tekrarlama ve yineleme içeren bir müzik akımını kapsayacak şekilde genişlemiştir. Minimalist kompozisyonlar bazen sistem müziği olarak da bilinir. 'Minimal müzik' terimi genellikle 1960'ların sonu ve 1970'lerde Amerika'da gelişen ve başlangıçta bestecilerle bağlantılı olan bir müzik tarzını tanımlamak için kullanılır. Minimalizm hareketi başlangıçta bazı bestecileri içeriyordu ve daha az bilinen diğer öncüler arasında Pauline Oliveros, Phill Niblock ve Richard Maxfield vardı. Avrupa'da Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt ve John Tavener'in müziği. ⓘ
Postminimalizm
1960'ların sonlarında Robert Pincus-Witten, minimalizmin reddettiği içerik ve bağlamsal tonlara sahip minimalist türevli sanatı tanımlamak için "postminimalizm" terimini ortaya attı. Bu terim Pincus-Whitten tarafından Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra'nın çalışmalarına ve eski minimalistler Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va ve diğerlerinin yeni çalışmalarına uygulandı. Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken ve diğerleri de dahil olmak üzere diğer minimalistler kariyerlerinin geri kalanında geç Modernist resim ve heykeller üretmeye devam ettiler. ⓘ
O zamandan bu yana pek çok sanatçı minimal ya da postminimal tarzları benimsedi ve bunlara "Postmodern" etiketi yapıştırıldı. ⓘ
Kolaj, asamblaj, enstalasyonlar
Soyut dışavurumculukla bağlantılı olarak, daha önceki resim ve heykel geleneklerinden uzaklaşarak, üretilmiş nesnelerin sanatçı malzemeleriyle birleştirilmesi ortaya çıkmıştır. Robert Rauschenberg'in çalışmaları bu eğilimi örneklemektedir. Onun 1950'lerdeki "kombinasyonları" pop art ve enstalasyon sanatının öncüleriydi ve doldurulmuş hayvanlar, kuşlar ve ticari fotoğraflar da dahil olmak üzere büyük fiziksel nesnelerin asamblajlarını kullandı. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine ve Edward Kienholz hem soyutlama hem de pop sanatın önemli öncüleri arasındadır. Yeni sanat yapma gelenekleri yaratan bu sanatçılar, alışılmadık malzemelerin eserlerine radikal bir şekilde dahil edilmesini ciddi çağdaş sanat çevrelerinde kabul edilebilir hale getirdiler. Kolajın bir diğer öncüsü Joseph Cornell'in daha samimi ölçekli eserleri, hem kişisel ikonografisi hem de buluntu nesneleri kullanması nedeniyle radikal olarak görülmüştür. ⓘ
Neo-Dada
20. yüzyılın başlarında Marcel Duchamp bir pisuvarı heykel olarak sergiye sundu. İnsanların pisuara bir sanat eseriymiş gibi bakmasını istediğini çünkü onun bir sanat eseri olduğunu söyledi. Çalışmalarını "readymades" olarak adlandırdı. Fountain, "R. Mutt" takma adıyla imzalanmış bir pisuardı ve sergisi 1917'de sanat dünyasını şok etti. Bu ve Duchamp'ın diğer çalışmaları genellikle Dada olarak etiketlenir. Duchamp kavramsal sanatın öncüsü olarak görülebilir, diğer ünlü örnekler John Cage'in dört dakika otuz üç saniyelik sessizlik olan 4′33″ ve Rauschenberg'in Silinmiş de Kooning Çizimi'dir. Birçok kavramsal eser, sanatın, eserin kendi içsel niteliklerinin değil, izleyicinin bir nesneyi ya da eylemi sanat olarak görmesinin bir sonucu olduğu görüşünü benimser. Duchamp "sıradan bir yaşam nesnesi" seçerek ve "bu nesne için yeni bir düşünce" yaratarak izleyicileri Çeşme'yi bir heykel olarak görmeye davet etmiştir. ⓘ
Marcel Duchamp satranç uğruna "sanat "tan vazgeçmesiyle ünlüdür. Avangard besteci David Tudor, Lowell Cross ile birlikte yazdığı Reunion (1968) adlı eserinde her hamlenin bir ışık efekti ya da projeksiyonu tetiklediği bir satranç oyunu yarattı. Duchamp ve Cage bu oyunu eserin prömiyerinde oynamıştır. ⓘ
Steven Best ve Douglas Kellner, Rauschenberg ve Jasper Johns'u Duchamp'ın etkisiyle Modernizm ve Postmodernizm arasındaki geçiş evresinin bir parçası olarak tanımlar. Her ikisi de çalışmalarında sıradan nesnelerin imgelerini ya da nesnelerin kendilerini kullanırken, yüksek Modernizm'in soyutlama ve ressamca jestlerini korudular. ⓘ
Performans ve happeningler
1950'lerin sonu ve 1960'larda çok çeşitli ilgi alanlarına sahip sanatçılar çağdaş sanatın sınırlarını zorlamaya başladı. Fransa'da Yves Klein, New York'ta Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman ve Yoko Ono, Almanya'da Joseph Beuys, Wolf Vostell ve Nam June Paik performansa dayalı sanat eserlerinin öncüleriydi. Julian Beck ve Judith Malina'nın yer aldığı The Living Theatre gibi gruplar, heykeltıraşlar ve ressamlarla işbirliği yaparak ortamlar yarattı ve özellikle Paradise Now adlı eserlerinde izleyici ile icracı arasındaki ilişkiyi kökten değiştirdi. New York Judson Memorial Kilisesi'nde bulunan Judson Dans Tiyatrosu ve Judson dansçıları, özellikle Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton ve diğerleri; sanatçılar Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg ve Billy Klüver gibi mühendislerle işbirliği yaptı. Park Place Gallery, elektronik besteciler Steve Reich, Philip Glass ve Joan Jonas gibi diğer önemli performans sanatçılarının müzik performansları için bir merkez oldu. ⓘ
Bu performanslar heykel, dans ve müzik ya da sesi birleştiren, genellikle izleyicilerin de katıldığı yeni bir sanat formunun eserleri olarak tasarlandı. Minimalizmin indirgemeci felsefesi ve soyut dışavurumculuğun spontane doğaçlama ve ifade gücü ile karakterize edildiler. Schneeman'ın şok etme amaçlı performanslarının görüntüleri zaman zaman bu sanat türlerini örneklendirmek için kullanılır ve kendisi sık sık Interior Scroll adlı eserini icra ederken fotoğraflanır. Ancak, performans sanatını çevreleyen modernist felsefeye göre, Schneeman'ın bu eserini icra ederken çekilmiş görüntülerini yayınlamak amacını aşar, çünkü performans sanatçıları yayını tamamen reddeder: performansın kendisi araçtır. Dolayısıyla, diğer mecralar performans sanatını resmedemez; performans anlıktır, geçicidir ve kişiseldir, yakalamak için değildir; performans sanatının diğer mecralardaki temsilleri, ister görüntü, video, anlatı ister başka bir şekilde olsun, mekânda veya zamanda belirli bakış açılarını seçer veya başka bir şekilde her bir mecranın kendine özgü sınırlamalarını içerir. Sanatçılar, kayıtların sanat olarak performans ortamını gösterdiğini reddetmektedir. ⓘ
Aynı dönemde, çeşitli avangard sanatçılar, sanatçıların, arkadaşlarının ve akrabalarının çeşitli belirli yerlerde gizemli ve genellikle spontane ve senaryosuz bir şekilde bir araya geldikleri, genellikle absürtlük, fiziksellik, kostüm, spontane çıplaklık ve çeşitli rastgele veya görünüşte bağlantısız eylemler içeren Happenings'i yarattılar. Bu terimi ilk kez 1958'de kullanan Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms ve Robert Whitman happening'lerin önemli yaratıcıları arasındadır. ⓘ
İntermedya, çoklu medya
Sanatta postmodern terimiyle ilişkilendirilen bir diğer eğilim de bir dizi farklı medyanın bir arada kullanılmasıdır. Intermedia, Dick Higgins tarafından ortaya atılan ve Fluxus, somut şiir, buluntu nesneler, performans sanatı ve bilgisayar sanatı gibi yeni sanat formlarını ifade etmek için kullanılan bir terimdir. Higgins, Something Else Press'in yayıncısı, sanatçı Alison Knowles ile evli bir somut şair ve Marcel Duchamp hayranıdır. Ihab Hassan, postmodern sanatın özellikleri listesinde "Intermedia, biçimlerin kaynaşması, alemlerin karışması "na yer verir. "Çoklu medya sanatının" en yaygın biçimlerinden biri, video sanatı olarak adlandırılan video kaset ve CRT monitörlerin kullanılmasıdır. Birden fazla sanatı tek bir sanatta birleştirme teorisi oldukça eski olsa da ve periyodik olarak yeniden canlandırılsa da, postmodern tezahür genellikle dramatik alt metnin çıkarıldığı ve geriye kalan şeyin söz konusu sanatçının özel ifadeleri veya eylemlerinin kavramsal ifadesi olduğu performans sanatı ile kombinasyon halindedir. ⓘ
Fluxus
Fluxus, 1962 yılında Litvanya doğumlu Amerikalı sanatçı George Maciunas (1931-1978) tarafından adlandırılmış ve gevşek bir şekilde organize edilmiştir. Fluxus'un başlangıcı John Cage'in 1957-1959 yılları arasında New York'taki The New School for Social Research'te verdiği Deneysel Kompozisyon derslerine dayanır. Öğrencilerinin çoğu, müzik geçmişi olmayan ya da çok az olan diğer medya alanlarında çalışan sanatçılardı. Cage'in öğrencileri arasında Fluxus'un kurucu üyeleri Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht ve Dick Higgins de vardı. ⓘ
Fluxus, kendin yap estetiğini teşvik ediyor ve karmaşıklık yerine basitliğe değer veriyordu. Kendisinden önceki Dada gibi Fluxus da güçlü bir anti-ticaretçilik akımı ve sanat karşıtı bir duyarlılık içeriyor, sanatçı merkezli bir yaratıcı pratik lehine geleneksel piyasa güdümlü sanat dünyasını küçümsüyordu. Fluxus sanatçıları ellerinde ne malzeme varsa onunla çalışmayı tercih etmiş ve ya kendi işlerini yaratmış ya da yaratım sürecinde meslektaşlarıyla işbirliği yapmışlardır. ⓘ
Andreas Huyssen, Fluxus'u Postmodernizm için "ya postmodernizmin ana kodu ya da nihai olarak temsil edilemez sanat hareketi - olduğu gibi, postmodernizmin yücesi" olarak iddia etme girişimlerini eleştirir. Bunun yerine Fluxus'u avangard gelenek içinde önemli bir Neo-Dadaist fenomen olarak görür. Sanatsal stratejilerin geliştirilmesinde büyük bir ilerlemeyi temsil etmese de, "ılımlı, evcilleştirilmiş bir modernizmin Soğuk Savaş'a ideolojik destek olarak hizmet ettiği 1950'lerin yönetilen kültürüne" karşı bir isyanı ifade ediyordu. ⓘ
Avangart popüler müzik
Modernizm, popüler kültürü reddederken popüler müzik biçimleriyle (hem biçim hem de estetik olarak) huzursuz bir ilişki içindeydi. Buna rağmen Stravinsky, 1918 tarihli tiyatro eseri Histoire du Soldat'taki "Ragtime" ve 1945 tarihli Ebony Concerto gibi eserlerinde caz deyimlerini kullanmıştır. ⓘ
1960'larda popüler müzik kültürel önem kazanmaya ve ticari eğlence statüsünü sorgulamaya başladıkça, müzisyenler ilham almak için savaş sonrası avangardına bakmaya başladı. 1959'da müzik yapımcısı Joe Meek, Tiny Mix Tapes'ten Jonathan Patrick'in "hem elektronik müzik hem de avant-pop tarihinde ufuk açıcı bir an [...] dubby yankıları ve banttan çarpıtılmış sonik dallarla süslenmiş rüya gibi pop vinyetlerinin bir koleksiyonu" olarak adlandırdığı ve o dönemde büyük ölçüde göz ardı edilecek olan I Hear a New World'ü (1960) kaydetti. Diğer erken dönem avant-pop prodüksiyonları arasında Beatles'ın 1966 tarihli, musique concrète, avant-garde kompozisyon, Hint müziği ve elektro-akustik ses manipülasyonu tekniklerini 3 dakikalık bir pop formatında birleştiren "Tomorrow Never Knows" şarkısı ve Velvet Underground'un La Monte Young'ın minimalist ve drone müzik fikirlerini, beat şiirini ve 1960'ların pop sanatını bütünleştirmesi sayılabilir. ⓘ
Geç dönem
Soyut dışavurumculuk, renk alanı resmi, lirik soyutlama, geometrik soyutlama, minimalizm, soyut illüzyonizm, süreç sanatı, pop art, postminimalizm ve hem resim hem de heykeldeki diğer 20. yüzyıl sonu Modernist hareketlerinin devamı 21. yüzyılın ilk on yılı boyunca devam etti ve bu ortamlarda radikal yeni yönler oluşturdu. ⓘ
21. yüzyılın başında Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein gibi köklü sanatçıların yanı sıra Brice Marden, Chuck Close gibi genç sanatçılar da bu akımlara katıldı, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile ve diğerleri önemli ve etkili resim ve heykeller üretmeye devam ettiler. ⓘ
Afrika ve Asya'da Modernizm
Peter Kalliney, "Modernist kavramların, özellikle de estetik özerkliğin, anglofon Afrika'daki dekolonizasyon edebiyatı için temel olduğunu" öne sürüyor. Ona göre Rajat Neogy, Christopher Okigbo ve Wole Soyinka, "estetik özerkliğin modernist versiyonlarını sömürgeci esaretten, ırk ayrımcılığı sistemlerinden ve hatta yeni sömürge sonrası devletten özgürlüklerini ilan etmek için yeniden kullanan" yazarlar arasındaydı. ⓘ
Akademisyen William J. Tyler'a göre "modernizm" ve "modernist" terimleri, "modern Japon edebiyatına ilişkin İngilizce standart söylemin bir parçası haline yeni gelmiştir ve Batı Avrupa modernizmi karşısında özgünlüklerine ilişkin şüpheler devam etmektedir". Tyler, "Kawabata Yasunari, Nagai Kafu ve Jun'ichirō Tanizaki gibi tanınmış Japon yazarların" "kesinlikle modern düzyazıları" göz önüne alındığında bu durumu tuhaf bulmaktadır. Bununla birlikte, "görsel ve güzel sanatlar, mimari ve şiir alanındaki akademisyenler, 1920'ler ve 1930'larda Japon kültürünü tanımlamak ve analiz etmek için anahtar bir kavram olarak "modanizumu "yu kolayca benimsedi". 1924 yılında, Kawabata ve Riichi Yokomitsu'nun da aralarında bulunduğu çeşitli genç Japon yazarlar Bungei Jidai ("Sanatsal Çağ") adlı bir edebiyat dergisi kurdu. Bu dergi "Avrupa Kübizmi, Ekspresyonizm, Dada ve diğer modernist tarzlardan etkilenen 'sanat için sanat' hareketinin bir parçasıydı". ⓘ
Japon modernist mimar Kenzō Tange (1913-2005), geleneksel Japon stillerini modernizmle birleştiren ve beş kıtada önemli binalar tasarlayan 20. yüzyılın en önemli mimarlarından biriydi. Tange aynı zamanda Metabolist hareketin de etkili bir hamisiydi. Kendisi şöyle demiştir: "Sanırım 1959 civarında ya da altmışlı yılların başında, daha sonra yapısalcılık olarak adlandıracağım şey hakkında düşünmeye başladım." Erken yaşlardan itibaren İsviçreli modernist Le Corbusier'den etkilenen Tange, 1949 yılında Hiroşima Barış Anıtı Parkı'nın tasarımı için açılan yarışmayı kazandığında uluslararası alanda tanındı. ⓘ
Çin'de "Yeni Duyumcular" (新感觉派, Xīn Gǎnjué Pài), 1930'larda ve 1940'larda Batı ve Japon modernizminden farklı derecelerde etkilenen Şangay merkezli bir grup yazardı. Siyaset ya da toplumsal sorunlardan çok bilinçdışı ve estetikle ilgilenen kurgular yazdılar. Bu yazarlar arasında Mu Shiying ve Shi Zhecun da vardı. ⓘ
Hindistan'da, İlerici Sanatçılar Grubu, 1947'de kurulan, çoğunlukla Mumbai merkezli bir grup modern sanatçıydı. Belirli bir tarzı olmamasına rağmen, Hint sanatını Post-Empresyonizm, Kübizm ve Ekspresyonizm de dahil olmak üzere 20. yüzyılın ilk yarısındaki Avrupa ve Kuzey Amerika etkileriyle sentezlemiştir. ⓘ
Modernizm ve postmodernizm arasındaki farklar
1980'lerin başında sanat ve mimaride Postmodern hareket, çeşitli kavramsal ve intermedya formatları aracılığıyla konumunu belirlemeye başladı. Müzik ve edebiyatta postmodernizm ise daha erken bir dönemde etkisini göstermeye başlamıştır. Müzikte postmodernizm bir referans çalışmasında "1970'lerde ortaya atılan bir terim" olarak tanımlanırken, İngiliz edebiyatında The Oxford Encyclopedia of British Literature'a göre modernizm 1939 gibi erken bir tarihte "üstünlüğünü postmodernizme bırakmıştır". Bununla birlikte, özellikle Andreas Huyssen'e göre tarihler oldukça tartışmalıdır: "bir eleştirmenin postmodernizmi başka bir eleştirmenin modernizmidir." Bu, ikisi arasındaki ayrımı eleştiren ve bunları aynı hareketin iki yönü olarak gören ve geç Modernizmin devam ettiğine inananları da içerir. ⓘ
Modernizm, çok çeşitli kültürel hareketler için kuşatıcı bir etikettir. Postmodernizm esasen sosyopolitik teoriye dayalı olarak kendini adlandıran merkezi bir harekettir, ancak bu terim artık 20. yüzyıldan itibaren modern olana dair farkındalık sergileyen ve onu yeniden yorumlayan faaliyetlere atıfta bulunmak için daha geniş bir anlamda kullanılmaktadır. ⓘ
Postmodern teori, Modernizmi "gerçeklerden sonra" kanonlaştırma girişiminin kesin çelişkilere mahkum olduğunu ileri sürer. ⓘ
Daha dar bir anlamda, Modernist olanın aynı zamanda postmodern olması gerekmez. Modernizmin rasyonalite ve sosyo-teknolojik ilerlemenin faydalarını vurgulayan unsurları sadece Modernistti. ⓘ
Modernizme saldırı ve eleştiri
Modernizmin ifade özgürlüğü, deneysellik, radikalizm ve ilkelliğe yaptığı vurgu geleneksel beklentileri hiçe sayar. Birçok sanat formunda bu, Sürrealizm'deki garip ve rahatsız edici motif kombinasyonlarında veya Modernist müzikte aşırı uyumsuzluk ve atonalite kullanımında olduğu gibi, tuhaf ve öngörülemeyen etkilerle izleyicileri şaşırtmak ve yabancılaştırmak anlamına geliyordu. Edebiyatta bu, genellikle romanlarda anlaşılabilir olay örgüsünün veya karakterizasyonun reddedilmesini ya da açık yoruma meydan okuyan şiirlerin yaratılmasını içeriyordu. ⓘ
1932'den itibaren sosyalist gerçekçilik Sovyetler Birliği'nde Modernizm'i saf dışı bırakmaya başladı; daha önce Fütürizm ve Konstrüktivizm'i desteklemişti. Almanya'daki Nazi hükümeti modernizmi narsist ve saçma bulmanın yanı sıra "Yahudi" (bkz. Antisemitizm) ve "Zenci" olarak nitelendirdi. Naziler, "Dejenere Sanat" başlıklı bir sergide Modernist resimleri akıl hastalarının eserleriyle birlikte sergiledi. "Biçimcilik" suçlamaları bir kariyerin sona ermesine ya da daha kötüsüne yol açabilirdi. Bu nedenle savaş sonrası kuşaktan pek çok modernist, totalitarizme karşı en önemli siper olduklarını, bir hükümet ya da sözde otoriteye sahip başka bir grup tarafından baskı altına alınmaları bireysel özgürlüklerin tehdit altında olduğuna dair bir uyarıyı temsil eden "kömür madenindeki kanarya" olduklarını düşündüler. Louis A. Sass, delilik, özellikle de şizofreni ile modernizmi daha az faşist bir şekilde karşılaştırmış ve ortak ayrık anlatılarına, gerçeküstü imgelerine ve tutarsızlıklarına dikkat çekmiştir. ⓘ
Aslında modernizm, savunucularının çoğu zaman tüketimciliğin kendisini reddetmesine rağmen, esas olarak tüketimci/kapitalist toplumlarda gelişmiştir. Ancak, yüksek modernizm İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra, özellikle de 1960'larda tüketim kültürüyle birleşmeye başladı. Modernist araçlar popüler sinemada ve daha sonra müzik videolarında da görülmeye başlandı. Modernist tasarım aynı zamanda popüler kültürün ana akımına da girmeye başladı, basitleştirilmiş ve stilize edilmiş formlar popüler hale geldi ve genellikle uzay çağı yüksek teknolojili gelecek hayalleriyle ilişkilendirildi. ⓘ
Janet Bennett 2008 yılında The Oxford Handbook of Political Theory aracılığıyla Modernity and Its Critics kitabını yayınladı. Modernist kültürün tüketici ve yüksek versiyonlarının birleşmesi, "Modernizm "in anlamında radikal bir dönüşüme yol açtı. İlk olarak, geleneğin reddine dayanan bir hareketin kendi başına bir gelenek haline geldiğini ima etti. İkincisi, elit Modernist ve kitlesel tüketim kültürü arasındaki ayrımın kesinliğini yitirdiğini gösterdi. Modernizm o kadar kurumsallaşmıştı ki, artık "post avangard "dı ve devrimci bir hareket olarak gücünü kaybettiğini gösteriyordu. Pek çok kişi bu dönüşümü postmodernizm olarak bilinen evrenin başlangıcı olarak yorumladı. Sanat eleştirmeni Robert Hughes gibi diğerlerine göre ise postmodernizm modernizmin bir uzantısıdır. ⓘ
"Anti-modern" ya da "karşı-modern" hareketler modernizme çare ya da panzehir olarak bütünselliği, bağlantıyı ve maneviyatı vurgulamaya çalışır. Bu tür hareketler modernizmi indirgemeci olarak görür ve bu nedenle sistemik ve ortaya çıkan etkileri görememeye maruz kalır. ⓘ
Alexander Stoddart gibi bazı gelenekçi sanatçılar modernizmi genel olarak "sahte kültürle ittifak kurmuş sahte para çağının" bir ürünü olarak reddetmektedir. ⓘ
Bazı alanlarda modernizmin etkileri diğerlerine kıyasla daha güçlü ve kalıcı olmuştur. Görsel sanatlar geçmişinden en büyük kopuşu gerçekleştirmiştir. Büyük başkentlerin çoğunda, Rönesans sonrası sanattan (1400 civarı ile 1900 civarı) farklı olarak modern sanata adanmış müzeler bulunmaktadır. New York'taki Modern Sanat Müzesi, Londra'daki Tate Modern ve Paris'teki Centre Pompidou bunlara örnektir. Bu galeriler modernist ve postmodernist evreler arasında bir ayrım yapmamakta, her ikisini de Modern Sanat içindeki gelişmeler olarak görmektedir. ⓘ