Barok
   Üst: Peter Paul Rubens'in Venüs ve Adonis tablosu (1635-40); Ortada: Bernini'den Azize Teresa'nın Vecdi (1651); Altta: Fransa'daki Versailles Sarayı (1660-1715 civarı) | |
| Aktif olduğu yıllar | 17. ve 18. yüzyıllar |
|---|---|
Barok (Birleşik Krallık: /bəˈrɒk/, ABD: /bəˈroʊk/; Fransızca: [baʁɔk]), 17. yüzyılın başlarından 1740'lara kadar Avrupa'da gelişen bir mimari, müzik, dans, resim, heykel, şiir ve diğer sanatlar tarzıdır. İber Yarımadası da dahil olmak üzere İspanyol ve Portekiz imparatorluklarının topraklarında, yeni tarzlarla birlikte 19. yüzyılın ilk on yılına kadar devam etmiştir. Rönesans sanatı ve Maniyerizm'i takip etmiş ve Rokoko (geçmişte genellikle "geç Barok" olarak anılırdı) ve Neoklasik tarzlardan önce gelmiştir. Katolik Kilisesi tarafından Protestan mimarisi, sanatı ve müziğinin sadeliği ve sadeliğine karşı bir araç olarak teşvik edilmiştir, ancak Lutheran Barok sanatı da Avrupa'nın bazı bölgelerinde gelişmiştir. ⓘ
Barok tarzı, huşu duygusu yaratmak için kontrast, hareket, coşkulu detaylar, derin renkler, ihtişam ve sürprizleri kullanmıştır. Stil 17. yüzyılın başında Roma'da başladı, ardından hızla Fransa, kuzey İtalya, İspanya ve Portekiz'e, ardından Avusturya, güney Almanya ve Rusya'ya yayıldı. 1730'lara gelindiğinde, 18. yüzyılın ortalarından sonlarına kadar Fransa ve Orta Avrupa'da görülen rocaille veya Rococo adı verilen daha da gösterişli bir stile dönüşmüştür. ⓘ
Dekoratif sanatlarda bu tarz, bol miktarda ve karmaşık süslemeler kullanır. Rönesans klasisizminden ayrılmanın her ülkede kendine özgü yolları vardır. Ancak genel bir özellik, her yerde başlangıç noktasının Rönesans tarafından getirilen süsleme unsurları olmasıdır. Klasik repertuar, şok etkisi yaratmak için kalabalık, yoğun, üst üste binen, yüklüdür. Barok tarafından getirilen yeni motifler şunlardır: kartuş, kupalar ve silahlar, meyve veya çiçek sepetleri ve diğerleri, kakmacılık, sıva veya oyma ile yapılmıştır. ⓘ
Barok, Avrupa'da yaygınlaşan sanatta bir anlatım biçimidir. Barok kelimesi, Portekizce düzensiz inci anlamına gelen barroco sözcüğünden türemiştir. Barok sözcüğü, birbirinden ayrı iki şeyi tanımlar; sanat tarihinde, Rönesans ile klasikçilik arasında kalan bir dönemi ve bütün çağlarda verilmiş bazı eserlerin tarzını, başlangıcı ve bitişi için kesin bir tarih verilememekle birlikte 14. ve 18. yüzyıllar arasında oluşup şeklini almış bir dönemdir. Mimarlık, müzik, resim ve heykelin etkileyici temalar altında birleştirilmesi amacını güder. Abartılı hareket duygusu ve net gözüken detayları ile dönemin müzik ve edebiyatında da kendini gösterir. Yoğun bir etki bırakan bu anlatım biçimi, kendi alanında fazla eser verildiğinden dolayı bir dönem adı olarak anılmaya başlanmıştır. 1699'da İtalya'da kilise etkisinde doğmuş ve tüm Avrupa'ya yayılmıştır. ⓘ
Mimaride Mimar Louis Le Vau ve bahçeci André Le Nôtre tarafından yapılan Versay Sarayı, Barok mimarisinin en tipik örneklerindendir. Bunun yanında resimde Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Vermeer; heykelde Gian Lorenzo Bernini; müzikte Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, George Frideric Handel, Georg Philipp Telemann Barok tarzında eser vermiş kişilere örnek olarak gösterilebilir. ⓘ
Ayrıca günümüzde de hâlen Barok tarzda eserler veren müzisyenler vardır. Örnek olarak ünlü gitar virtüözü Yngwie J. Malmsteen verilebilir. Barok tarzını en çok yansıttığı albümü ise Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra'dır. ⓘ
Kelimenin kökeni
İngilizce baroque kelimesi doğrudan Fransızcadan gelmektedir. Bazı akademisyenler Fransızca kelimenin Portekizce barroco ("kusurlu inci") teriminden geldiğini, Latince verruca ("siğil") veya -ǒccu son ekli (Roma öncesi İberya'da yaygın) bir kelimeye işaret ettiğini belirtmektedir. Diğer kaynaklar ise en olası kaynak olarak mantıkta kullanılan bir Ortaçağ Latince terimi olan baroco'yu önermektedir. ⓘ
16. yüzyılda Ortaçağ Latincesinden gelen baroco kelimesi skolastik mantığın ötesine geçerek saçma bir şekilde karmaşık görünen her şeyi tanımlamak için kullanılmaya başlandı. Fransız filozof Michel de Montaigne (1533-1592) baroco terimini "Tuhaf ve gereksiz yere karmaşık" ile ilişkilendirmiştir. Diğer erken dönem kaynaklar barokoyu büyü, karmaşıklık, kafa karışıklığı ve aşırılıkla ilişkilendirmektedir. ⓘ
Barok kelimesi 18. yüzyıldan önce düzensiz incilerle de ilişkilendirilmiştir. Fransızca barok ve Portekizce barroco genellikle mücevherlerle ilişkilendirilen terimlerdi. 1531 tarihli bir örnekte bu terim Fransa Kralı V. Charles'ın hazinelerinin envanterindeki incileri tanımlamak için kullanılmıştır. Kelime daha sonra Le Dictionnaire de l'Académie Française'in 1694 tarihli baskısında barok için "sadece kusurlu bir şekilde yuvarlak olan inciler için kullanılır" tanımlamasıyla yer almıştır. 1728 tarihli bir Portekizce sözlük de benzer şekilde barroco'yu "kaba ve düzensiz inci" olarak tanımlamaktadır. ⓘ
Barok kelimesinin alternatif bir türevi İtalyan ressam Federico Barocci'nin (1528-1612) adına işaret etmektedir. ⓘ
18. yüzyılda bu terim müziği tanımlamak için kullanılmaya başlandı ve pek de övgü dolu bir şekilde değil. Jean-Philippe Rameau'nun Hippolyte et Aricie operasının Ekim 1733'teki prömiyerine ilişkin, Mayıs 1734'te Mercure de France'ta basılan anonim bir hiciv eleştirisinde, eleştirmen bu operadaki yeniliğin "du barocque" olduğunu yazmış ve müziğin tutarlı bir melodiden yoksun olduğundan, uyumsuzluklardan kaçınmadığından, sürekli anahtar ve ölçü değiştirdiğinden ve her besteleme aracından hızla geçtiğinden şikayet etmiştir. ⓘ
1762'de Le Dictionnaire de l'Académie Française, bu terimin mecazi anlamda "düzensiz, tuhaf veya eşit olmayan" bir şeyi tanımlayabileceğini kaydetmiştir. ⓘ
Müzisyen ve besteci olmasının yanı sıra bir filozof olan Jean-Jacques Rousseau, 1768'de Encyclopédie'de şöyle yazmıştır: "Barok müzik, armoninin karışık olduğu, modülasyonlar ve uyumsuzluklarla dolu olan müziktir. Şarkı söyleme sert ve doğal değildir, entonasyon zordur ve hareket sınırlıdır. Bu terimin mantıkçılar tarafından kullanılan 'baroco' kelimesinden geldiği anlaşılıyor." ⓘ
1788 yılında Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique'de bu terimi "çok süslü ve eziyetli bir mimari tarz" olarak tanımlamıştır. ⓘ
Fransızca style baroque ve musique baroque terimleri 1835 yılında Le Dictionnaire de l'Académie Française'de ortaya çıkmıştır. 19. yüzyılın ortalarına gelindiğinde, sanat eleştirmenleri ve tarihçileri "barok" terimini Rönesans sonrası sanatı alaya almanın bir yolu olarak benimsemişlerdi. Önde gelen sanat tarihçisi Jacob Burckhardt'ın 1855'te barok sanatçıların "geleneğe saygı duymadıkları" için "detayı küçümsediklerini ve kötüye kullandıklarını" yazarken kullandığı kelime buydu. ⓘ
1888 yılında sanat tarihçisi Heinrich Wölfflin, Rönesans ve Barok resim, heykel ve mimarisi arasındaki farkları tanımlayan Rönesans ve Barok adlı ilk ciddi akademik çalışmayı yayınladı. ⓘ
Mimari: kökenleri ve özellikleri
Barok mimari tarzı, 1545-63 yıllarında Trent Konsili'nde Katolik Kilisesi tarafından Protestan Reformu'na tepki olarak kabul edilen doktrinlerin bir sonucudur. Karşı-Reform'un ilk aşaması dini mimariye katı, akademik bir üslup dayatmış, bu da kiliseye giden kitlelere değil entelektüellere hitap etmişti. Trent Konseyi bunun yerine daha popüler bir kitleye hitap etmeye karar verdi ve sanatın dini temaları doğrudan ve duygusal bir katılımla iletmesi gerektiğini ilan etti. Benzer şekilde, Lutherci Barok sanatı, Kalvinistlerin Büyük İkonoklazmına yanıt olarak, bir kimlik işareti olarak gelişmiştir. ⓘ
Barok kiliseler, ibadet edenlerin mihraba yakın olabileceği geniş bir merkezi alanla, ışığın aşağıdaki kiliseyi aydınlatmasına izin veren yüksek bir kubbe veya kubbe ile tasarlanmıştır. Kubbe, Barok mimarinin gökler ve yeryüzü arasındaki birliği gösteren temel sembolik özelliklerinden biriydi. Kubbenin içi, meleklerin ve azizlerin resimleriyle ve alçıdan yapılmış melek heykelcikleriyle cömertçe süslenmişti ve aşağıdakilere cennete bakıyormuş izlenimi veriyordu. Barok kiliselerin bir başka özelliği de quadratura'dır; tavanda alçı çerçeveler içinde gerçek ya da boyalı, aziz ve melek resimleriyle dolu ve korkuluklar ve konsollarla mimari detaylarla bağlantılı trompe-l'œil resimler. Kornişlerin altındaki Atlantes'in Quadratura resimleri kilisenin tavanını destekliyor gibi görünmektedir. Michelangelo'nun Sistine Şapeli'ndeki, her biri kendi perspektifine sahip farklı sahneleri teker teker bakılacak şekilde birleştiren boyalı tavanlarının aksine, Barok tavan resimleri, kilisenin zeminindeki izleyicinin tüm tavanı doğru perspektifte, sanki figürler gerçekmiş gibi görebilmesi için özenle yaratılmıştır. ⓘ
Barok kiliselerin iç mekanları Yüksek Barok döneminde giderek daha süslü hale gelmiş ve genellikle kubbenin altına yerleştirilen sunak etrafında odaklanmıştır. Yüksek Barok'un en ünlü dekoratif eserleri, Roma'daki Aziz Petrus Bazilikası'nda bulunan ve her ikisi de Gian Lorenzo Bernini'ye ait olan Aziz Petrus'un Koltuğu (1647-1653) ve Aziz Petrus'un Baldachino'sudur (1623-1634). Aziz Petrus'un Baldequin'i Barok sanatındaki zıtlıkların dengesinin bir örneğidir; eserin devasa boyutları ile kanopinin görünürdeki hafifliği; ve eserin katı bükülmüş sütunları, bronz, altın ve mermeri ile kanopideki meleklerin akan örtüleri arasındaki zıtlık. Dresden Frauenkirche, Lutherci Barok sanatının önemli bir örneğidir. 1743 yılında Dresden Lutherci şehir meclisi tarafından yaptırıldıktan sonra tamamlanmış ve "on sekizinci yüzyıl gözlemcileri tarafından Roma'daki Aziz Petrus Kilisesi ile karşılaştırılmıştır". ⓘ
Kiliselerin iç kısmındaki kıvrımlı sütun Barok'un imza özelliklerinden biridir. Hem hareket hissi verir hem de ışığı yansıtmanın dramatik yeni bir yolunu sunar. Kartuş, Barok dekorasyonun bir başka karakteristik özelliğiydi. Bunlar mermer veya taştan oyulmuş, genellikle oval ve yuvarlak yüzeyli, yaldızlı harflerle resim veya metin taşıyan büyük plakalardı ve iç dekorasyon olarak veya binaların kapı girişlerinin üzerine yerleştirilerek aşağıdakilere mesajlar iletirlerdi. Çok çeşitli buluşlar sergilediler ve katedrallerden saraylara ve küçük şapellere kadar her tür binada bulundular. ⓘ
Barok mimarlar bazen yanılsama yaratmak için zorlanmış perspektif kullanmışlardır. Borromini, Roma'daki Palazzo Spada için, gerçekte sadece yedi metre uzunluğunda olan bir geçidin otuz metre uzunluğunda olduğu yanılsamasını yaratmak için küçülen sütunlar, daralan bir zemin ve bahçede minyatür bir heykel kullanmıştır. Geçidin sonunda yer alan bir heykel, sadece altmış santimetre yüksekliğinde olmasına rağmen gerçek boyutlardaymış gibi görünmektedir. Borromini bu illüzyonu bir matematikçinin yardımıyla tasarlamıştır. ⓘ
İtalyan Barok Dönemi
Roma'da Barok cepheye sahip ilk bina 1584 yılında inşa edilen Gesù Kilisesi'dir; daha sonraki Barok standartlarına göre sade olmakla birlikte kendisinden önceki geleneksel Rönesans cephelerinden bir kopuşa işaret etmektedir. Bu kilisenin içi, bolca süslendiği yüksek Barok döneme kadar çok sade kalmıştır. ⓘ
1605 yılında Roma'da V. Paul, formların çoğalması, renklerin zenginliği ve dramatik efektler aracılığıyla duygu ve huşu uyandırmak üzere tasarlanmış bazilikalar ve kilise binaları yaptıran bir dizi papanın ilki oldu. Erken Barok'un en etkili anıtları arasında Aziz Petrus Bazilikası'nın (1606-1619) cephesi ve bu cepheyi Michelangelo'nun daha önceki kilisede bulunan kubbesine bağlayan yeni nef ve sundurma yer alıyordu. Yeni tasarım, yükselen kubbe ile orantısız genişlikteki cephe arasında ve cephedeki Dorik sütunlar ile portikonun büyük kütlesi arasında dramatik bir kontrast yaratmıştır. ⓘ
17. yüzyılın ortalarından sonlarına doğru, daha sonra Yüksek Barok olarak adlandırılan stil zirveye ulaştı. Birçok anıtsal eser Papa Urban VIII ve Alexander VII tarafından yaptırılmıştır. Heykeltıraş ve mimar Gian Lorenzo Bernini, Aziz Petrus Meydanı çevresinde yeni bir dörtlü sütun dizisi tasarlamıştır (1656 - 1667). Dev bir elips şeklindeki üç sütun galerisi büyük kubbeyi dengeler ve Kilise ile meydana bir bütünlük ve dev bir tiyatro hissi verir. ⓘ
İtalyan Yüksek Barok döneminin bir diğer önemli yenilikçisi, en önemli eseri San Carlo alle Quattro Fontane veya Dört Çeşmeli Aziz Charles Kilisesi (1634-46) olan Francesco Borromini'dir. Hareket hissi dekorasyonla değil, içbükey bir travers içine yerleştirilmiş oval bir kule ve balkon da dahil olmak üzere içbükey ve dışbükey unsurlarla dalgalanan duvarların kendisiyle verilir. İç mekân da aynı şekilde devrimciydi; kilisenin ana mekânı oval bir kubbenin altında ovaldi. ⓘ
Melekler ve azizlerle dolu boyalı tavanlar ve trompe-l'œil mimari efektler, İtalyan Yüksek Barok döneminin önemli bir özelliğiydi. Başlıca eserler arasında Andrea Pozzo'nun (1685-1695) Roma'daki Aziz Ignatius Kilisesi'nde yer alan Aziz Ignatius'un Cennete Girişi ve Giovanni Battista Gaulli'nin (1669-1683) Roma'daki Gesù Kilisesi'nde yer alan, resim çerçevesinden dışarı taşan figürler ve dramatik eğik aydınlatma ve açık-koyu kontrastları içeren İsa'nın Adının Zaferi sayılabilir. Stil Roma'dan İtalya'nın diğer bölgelerine hızla yayıldı: Venedik'te Baldassare Longhena'nın Santa Maria della Salute kilisesinde (1631-1687) ortaya çıktı, muazzam bir kubbe ile taçlandırılmış son derece orijinal bir sekizgen form. Torino'da da, özellikle Guarino Guarini'nin Kutsal Kefen Şapeli'nde (1668-1694) ortaya çıkmıştır. Stil saraylarda da kullanılmaya başlandı; Guarini Torino'daki Palazzo Carignano'yu tasarlarken, Longhena da Büyük Kanal üzerindeki Ca' Rezzonico'yu (1657) tasarladı ve Giorgio Massari tarafından Giovanni Battista Tiepolo'nun resimleriyle süslenerek tamamlandı. Sicilya'da meydana gelen bir dizi büyük deprem bu yapıların çoğunun yeniden inşa edilmesini gerektirmiş ve birçoğu coşkulu geç Barok veya Rokoko tarzında inşa edilmiştir. ⓘ
Santa Maria della Salute (Venedik), 1631-1687, Baldassare Longhena tarafından
San Carlo alle Quattro Fontane (Roma), 1638-1677, Francesco Borromini tarafından
Fontana dei Quattro Fiumi (Roma), 1648-1651, Gian Lorenzo Bernini tarafından
Aziz Petrus Meydanı (Roma), 1656-1667, Gian Lorenzo Bernini tarafından
Santa Maria della Pace (Roma), 1656-1667, Pietro da Cortona tarafından ⓘ
_-_2021-08-28_-_3.jpg)
İspanyol Barok
İspanya'daki Katolik Kilisesi ve özellikle de Cizvitler, İspanyol Barok mimarisinin itici gücü olmuştur. Bu tarzdaki ilk büyük eser, 1643 yılında Pedro de la Torre tarafından yapımına başlanan Madrid'deki San Isidro Şapeli'dir. Dış cephedeki aşırı süsleme zenginliği ile iç mekandaki sadelik arasında bir tezat oluşturan bu yapı, birden fazla mekana bölünmüş ve gizem duygusu yaratmak için ışık efektleri kullanılmıştır. Santiago de Compostela'daki Katedral, 17. yüzyılın sonlarından itibaren, oldukça süslü bir çan kulesiyle (1680) başlayan ve daha sonra Fernando de Casas Novoa tarafından 1738 ve 1750 yılları arasında eklenen Obradorio adı verilen daha uzun ve daha süslü iki kule ile çevrelenen bir dizi Barok ekleme ile modernize edilmiştir. İspanyol Barok döneminin bir diğer simgesi de Leonardo de Figueroa tarafından Sevilla'daki San Telmo Sarayı'nın şapel kulesidir. ⓘ
Granada ancak 15. yüzyılda Mağribilerden fethedilmişti ve kendine özgü bir Barok çeşidine sahipti. Ressam, heykeltıraş ve mimar Alonso Cano, Granada Katedrali'nin Barok iç mekanını 1652 ile 1657'deki ölümü arasında tasarlamıştır. Masif beyaz sütunlar ve altın dekorun dramatik kontrastlarına sahiptir. ⓘ
İspanyol Baroku'nun en süslü ve cömertçe dekore edilmiş mimarisi, adını öncelikle Salamanca ve Madrid'de çalışan Churriguera kardeşlerden alan Churrigueresque tarzı olarak adlandırılır. Bu kardeşlerin eserleri arasında şehrin ana meydanı olan Salamanca Plaza Mayor'daki (1729) binalar da yer almaktadır. Bu son derece süslü Barok tarzı, İspanyollar tarafından Amerika'da inşa edilen birçok kilise ve katedralde etkili olmuştur. ⓘ
Geç Barok döneminin diğer önemli İspanyol mimarları arasında Madrid'deki San Fernando Kraliyet Darülacezesi'ni tasarlayan Churriguera'nın öğrencisi Pedro de Ribera ve Toledo Katedrali'ndeki (1729-32) ünlü El Transparente mihrabını tasarlayan Narciso Tomé sayılabilir. ⓘ
İspanyol Baroku'nun mimarları İspanya'nın çok ötesinde bir etkiye sahipti; eserleri Latin Amerika ve Filipinler'deki İspanyol kolonilerinde inşa edilen kiliselerde oldukça etkili oldu. Cizvitler tarafından Tepotzotlán'daki bir kolej için inşa edilen kilise, süslü Barok cephesi ve kulesiyle iyi bir örnektir. ⓘ
Palacio de San Telmo (Sevilla, İspanya), 1682-1796, Leonardo de Figueroa tarafından
Granada Charterhouse Vestry (Granada, İspanya), 1727-1764, Narciso Tomé tarafından
Santiago de Compostela (İspanya) Katedrali'nin ön cephesi, 1738, Fernando de Casas Novoa tarafından ⓘ
.jpg)
.jpg)
Orta Avrupa
1680'den 1750'ye kadar Orta Avrupa'da, Bavyera, Avusturya, Bohemya ve güneybatı Polonya'da çok sayıda son derece süslü katedral, manastır ve hac kilisesi inşa edilmiştir. Bazıları, Barok'tan doğan ve 18. yüzyılın ilk yarısında Orta Avrupa'da yerini klasisizme bırakana kadar onun yerini alan farklı, daha gösterişli ve asimetrik bir tarz olan Rokoko tarzındaydı. ⓘ
Bu bölgedeki çok sayıda devletin prensleri de sarayları ve konutları için Barok veya Rokoko'yu seçmiş ve bunları inşa etmek için genellikle İtalyan eğitimli mimarlar kullanmışlardır. Önemli mimarlar arasında Bavyera'da Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt ve Dominikus Zimmermann, Bruhl'de Balthasar Neumann ve Dresden'de Matthäus Daniel Pöppelmann vardı. Prusya'da Prusya Kralı Frederick II, Versay Sarayı'nın Grand Trianon'undan esinlenmiş ve bu sarayı kendisi için Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747) tarafından tasarlanan Potsdam'daki yazlık konutu Sanssouci için model olarak kullanmıştır. Barok saray mimarisinin bir başka eseri de 18. yüzyılda Saksonya Dükleri'nin sarayının eski limonluğu olan Dresden'deki Zwinger'dir. ⓘ
Rokoko kilisesinin en iyi örneklerinden biri, Almanya'nın güneyindeki Bavyera eyaletinde, Bamberg yakınlarındaki Bad Staffelstein kasabası yakınlarında bulunan bir hac kilisesi olan Basilika Vierzehnheiligen veya On Dört Kutsal Yardımcı Bazilikası'dır. Balthasar Neumann tarafından tasarlanan ve 1743 ile 1772 yılları arasında inşa edilen Bazilika'nın planı, kilisenin tam ortasına yerleştirilen sunak ile merkezi bir oval etrafında birbirine kenetlenen bir dizi daireden oluşmaktadır. Bu kilisenin içi Rokoko dekorasyonunun zirvesini göstermektedir. Bu tarzın bir diğer önemli örneği de Wies Hac Kilisesi'dir (Almanca: Wieskirche). J. B. ve Dominikus Zimmermann kardeşler tarafından tasarlanmıştır. Almanya'nın Bavyera eyaletinde, Weilheim-Schongau bölgesindeki Steingaden belediyesinde, Alplerin eteklerinde yer almaktadır. Yapımı 1745 ve 1754 yılları arasında gerçekleşmiş ve iç mekanı Wessobrunner Okulu geleneğinde freskler ve sıva işleri ile dekore edilmiştir. Günümüzde UNESCO Dünya Mirası Listesi'nde yer almaktadır. ⓘ
Bir diğer önemli örnek ise Christoph Dientzenhofer ve oğlu Kilian Ignaz Dientzenhofer tarafından inşa edilen Prag'daki Aziz Nikolas Kilisesi'dir (Malá Strana) (1704-55). Dekorasyon kilisenin iç kısmındaki tüm duvarları kaplamaktadır. Sunak, merkezi kubbenin altındaki nefe yerleştirilmiştir ve şapellerle çevrilidir, ışık yukarıdaki kubbeden ve çevredeki şapellerden aşağı iner. Sunak tamamen kemerler, sütunlar, kavisli korkuluklar ve heykellerle zengin bir şekilde dekore edilmiş renkli taştan pilastrlarla çevrilidir ve gerçek mimari ile dekorasyon arasında kasıtlı bir karışıklık yaratır. Mimari bir ışık, renk ve hareket tiyatrosuna dönüşür. ⓘ
Polonya'da, İtalyan esintili Polonya Baroku 17. yüzyılın başlarından 18. yüzyılın ortalarına kadar sürmüş ve detay ve renk zenginliğini vurgulamıştır. Günümüz Polonya'sındaki ilk Barok yapı ve muhtemelen en tanınmışlarından biri, Giovanni Battista Trevano tarafından tasarlanan Kraków'daki Aziz Peter ve Paul Kilisesi'dir. Varşova'da 1644 yılında inşa edilen Sigismund Sütunu, dünyanın sütun şeklinde inşa edilen ilk seküler Barok anıtıdır. Saray konutu tarzı, 1677 ve 1696 yılları arasında inşa edilen Wilanów Sarayı ile örneklenmiştir. Polonya'da faaliyet gösteren en ünlü Barok mimar Hollandalı Tylman van Gameren'dir ve önemli eserleri arasında Varşova'daki Aziz Kazimierz Kilisesi ve Krasiński Sarayı, Kraków'daki Aziz Anne Kilisesi ve Bialystok'taki Branicki Sarayı bulunmaktadır. Ancak Polonya Baroku'nun en ünlü eseri, detayları Pompeo Ferrari'ye ait olan Poznan'daki Fara Kilisesi'dir. ⓘ
Poznań Fara (Poznań, Polonya) 1651-1732, Bartłomiej Nataniel Wąsowski, Giovanni Catenazzi, Pompeo Ferrari
Aziz Nikolas Kilisesi (Prag, Çek Cumhuriyeti), 1703-1711, Christoph Dientzenhofer tarafından
Yukarı Belvedere (Viyana), 1717-1723, Johann Lukas von Hildebrandt tarafından
Rogalin Sarayı (Rogalin, Polonya), 1768-1774 ⓘ
Fransız Barok
.jpg)
.jpg)
Fransa'daki Barok, İtalya, İspanya ve Avrupa'nın geri kalanındaki Barok'un süslü ve dramatik yerel versiyonlarından oldukça farklı bir şekilde gelişmiştir. Neoklasizm ve Aydınlanma mimarisini önceleyen Barok, kıyaslandığında daha sert, daha bağımsız ve ölçülü görünmektedir. İtalyan binalarının aksine, Fransız Barok binalarında kırık alınlıklar veya eğrisel cepheler yoktur. Dini binalar bile Borromini'nin eserlerinde görülen yoğun mekânsal dramadan kaçınmıştır. Stil, Louis XIV (saltanatı 1643-1715) için inşa edilen eserlerle yakından ilişkilidir ve bu nedenle Louis XIV stili olarak da bilinir. Louis, Barok ustası Bernini'yi Louvre'un yeni kanadı için bir tasarım sunması için davet etmiş, ancak Claude Perrault ve Louis Le Vau'nun daha klasik bir tasarımı lehine reddetmiştir. ⓘ
Bu tarzın başlıca mimarları arasında François Mansart (1598-1666), Pierre Le Muet (Val-de-Grace Kilisesi, 1645-1665) ve Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657-1661) yer almaktadır. Mansart, Barok stilini, özellikle de uygulamalı bir düzenin ve ağır rustikasyonun sık kullanımını Fransız mimari dağarcığına sokan ilk mimardır. Mansart tarafından icat edilmemiş olsa da, sıkça kullandığı için Mansart'la özdeşleşmiştir. ⓘ
Dönemin en önemli kraliyet projesi, 1661 yılında Le Vau tarafından başlatılan ve ressam Charles Le Brun tarafından dekore edilen Versailles Sarayı'nın genişletilmesiydi. Bahçeler André Le Nôtre tarafından özellikle mimariyi tamamlamak ve güçlendirmek üzere tasarlanmıştır. Le Brun'un tablolarıyla şatonun en önemli parçası olan Galerie des Glaces (Aynalar Salonu) 1678-1686 yılları arasında inşa edilmiştir. Mansart, Grand Trianon'u 1687 yılında tamamlamıştır. De Cotte tarafından tasarlanan şapel ise 1710 yılında tamamlanmıştır. Louis'nin ölümünün ardından, Louis XV daha samimi olan Petit Trianon'u ve son derece süslü tiyatroyu ekledi. Bahçelerdeki fıskiyeler iç mekandan görülebilecek ve dramatik etkiyi arttıracak şekilde tasarlanmıştır. Saray, Avrupa'nın diğer hükümdarları, özellikle de 16. Louis döneminin başlarında Versailles'ı ziyaret eden ve 1705-1725 yılları arasında Saint Petersburg yakınlarındaki Peterhof Sarayı'nda kendi versiyonunu inşa eden Rus Büyük Petro tarafından beğenilmiş ve kopyalanmıştır. ⓘ
Château de Maisons (Fransa), François Mansart, 1630-1651
Louvre'un (Paris) doğu cephesi, 1665-1680, Claude Perrault ve Louis Le Vau tarafından
Versailles Sarayı Şapeli (Versailles, Fransa), 1696-1710
Porte Saint-Denis (Paris), 1672, François Blondel tarafından
Dôme des Invalides (Paris), 1677-1706, Jules Hardouin-Mansart tarafından
Versailles Sarayı Aynalar Salonu, 1678-1684
Versailles Sarayı'nın bahçe cephesi, 1678-1688, Jules Hardouin-Mansart imzalı
Versailles Sarayı'nın Mermer Avlusu, 1680
Place Vendôme (Paris), 1699-1706, Jules Hardouin-Mansart tarafından
Hôtel de Rothelin-Charolais (Paris), 1700-1704, Pierre Cailleteau tarafından ⓘ
_-_2021-12-19_-_1.jpg)
Portekiz Barok
Portekiz'de Barok mimari yaklaşık iki yüzyıl sürmüştür (on yedinci yüzyılın sonları ve on sekizinci yüzyıl). V. John ve I. Joseph'in hükümdarlıkları, Kraliyet Mutlakiyetçiliği olarak adlandırılan bir dönemde altın ve elmas ithalatını artırmış, bu da Portekiz Barok'unun gelişmesine olanak sağlamıştır. ⓘ
Portekiz'deki Barok mimarisi özel bir konuma ve Avrupa'nın geri kalanından farklı bir zaman çizelgesine sahiptir. ⓘ
Çeşitli evrelerden ve farklı dış etkilerden kaynaklanan çeşitli siyasi, sanatsal ve ekonomik faktörler tarafından koşullandırılmıştır, bu da İtalyan sanatını arayanlar tarafından genellikle yanlış anlaşılan benzersiz bir karışımla sonuçlanır, bunun yerine ona benzersiz bir Portekiz çeşitliliği veren belirli formlar ve karakter bulur. Bir diğer kilit faktör de, "sade stil" (Estilo Chão veya Estilo Plano) olarak da adlandırılan, adının da çağrıştırdığı gibi daha sade ve biraz daha sade görünen Cizvit mimarisinin varlığıdır. ⓘ
Binalar tek odalı bazilikalar, derin ana şapel, yan şapeller (iletişim için küçük kapılar ile), iç ve dış dekorasyon olmadan, basit portal ve pencerelerdir. Pratik bir yapıdır, imparatorluk boyunca küçük ayarlamalarla inşa edilmesine izin verir ve daha sonra veya ekonomik kaynaklar mevcut olduğunda dekore edilmek üzere hazırlanır. ⓘ
Aslında, ilk Portekiz Baroku binadan yoksun değildir çünkü "sade stil" dekorasyon (boyama, döşeme vb.) yoluyla kolayca dönüştürülebilir, boş alanları görkemli, ayrıntılı barok senaryolara dönüştürür. Aynı şey dış cepheye de uygulanabilir. Daha sonra, binayı zamanın ve mekanın zevkine uyarlamak ve yeni özellikler ve detaylar eklemek kolaydır. Pratik ve ekonomik. ⓘ
Daha fazla nüfusa ve daha iyi ekonomik kaynaklara sahip olan kuzey, özellikle Porto ve Braga bölgeleri, aristokrasi tarafından inşa edilen kilise, manastır ve sarayların geniş listesinde görülebilen mimari bir yenilenmeye tanık oldu. ⓘ
Porto, Portekiz'in Barok kentidir. Tarihi merkezi UNESCO Dünya Mirası Listesi'nin bir parçasıdır. ⓘ
Şehrin tarihi bölgesindeki ve ötesindeki Barok eserlerin çoğu, Portekiz'de yaşayan İtalyan mimar Nicolau Nasoni'ye aittir ve Clérigos kilisesi ve kulesi, Porto Katedrali'nin logia'sı, Misericórdia kilisesi, São João Novo Sarayı, Freixo Sarayı, Piskoposluk Sarayı (Portekizce: Paço Episcopal do Porto) ve diğerleri gibi senaryografik yerleşime sahip orijinal binalar çizmiştir. ⓘ
Üniversite Kütüphanesi (Coimbra Üniversitesi, Coimbra, Portekiz), 1716-1728, Gaspar Ferreira tarafından
Mafra Sarayı (Mafra, Portekiz), 1717-1755, João Frederico Ludovice tarafından
Bom Jesus do Monte Hac Kilisesi'nin Büyük Merdiveni (Braga, Portekiz), 1784, Carlos Luís Ferreira Amarante ve diğerleri tarafından ⓘ
_(cropped).jpg)
.jpg)
Rus Barok
Rus Baroku ya da Petrine Baroku, Büyük Petro'nun 1697-1698 yıllarında Fontainebleau ve Versailles Şatoları ile diğer mimari eserleri ziyaret ettiği Batı Avrupa'ya yaptığı uzun bir ziyaretin ardından ortaya çıkmıştır. Rusya'ya dönüşünde, 1712'de Rusya'nın yeni başkenti olan St. Petersburg'da benzer anıtlar inşa etmeye karar verdi. Petrine Barok döneminin ilk önemli anıtları arasında Peter ve Paul Katedrali ve Menshikov Sarayı yer almaktadır. ⓘ
İmparatoriçe Anna ve Elizaveta Petrovna döneminde Rus mimarisine İtalyan asıllı Bartolomeo Rastrelli'nin Elizabeth Barok'una dönüşen lüks Barok tarzı hâkim olmuştur. Rastrelli'nin imzasını taşıyan binalar arasında Kışlık Saray, Catherine Sarayı ve Smolny Katedrali bulunmaktadır. Elizabeth Baroku'nun diğer ayırt edici anıtları Troitse-Sergiyeva Lavra'nın çan kulesi ve Kırmızı Kapı'dır. ⓘ
Moskova'da Naryshkin Barok, özellikle 17. yüzyılın sonlarında Doğu Ortodoks kiliselerinin mimarisinde yaygınlaşmıştır. Batı Avrupa Baroku ile geleneksel Rus halk stillerinin bir birleşimiydi. ⓘ
Peterhof Bahçeleri (Saint Petersburg, Rusya), 1746-1758
Smolny Manastırı (Saint Petersburg), 1748, Francesco Bartolomeo Rastrelli tarafından
Tsarskoe Selo (Puşkin, Rusya), 1749-1756, Francesco Bartolomeo Rastrelli tarafından ⓘ
İspanyol ve Portekiz Kolonyal Amerika'sında Barok
Amerika'nın Avrupa ülkeleri tarafından sömürgeleştirilmesi nedeniyle, Barok doğal olarak Yeni Dünya'ya taşındı ve özellikle İspanya ve Portekiz'in hakim olduğu bölgelerde elverişli bir zemin buldu; her iki ülke de merkezileşmiş ve indirgenemez Katolik monarşilerdi, dolayısıyla Roma'ya tabi ve Barok Karşı-reformistlerin en tipik taraftarlarıydı. Avrupalı sanatçılar Amerika'ya göç edip okullar kurdular ve birçoğu yetenekli sanatçılar olan Katolik misyonerlerin yaygın nüfuzuyla birlikte, genellikle popüler zevkten etkilenen çok biçimli bir Barok yarattılar. Criollo ve yerli zanaatkârlar bu Barok'a benzersiz özellikler kazandırmak için çok şey yaptı. Amerikan Barok ekiminin halen ayakta olan ana merkezleri (bu sırayla) Meksika, Peru, Brezilya, Ekvador, Küba, Kolombiya, Bolivya, Guatemala, Panama ve Porto Riko'dur. ⓘ
Özellikle "Misyoner Barok" olarak adlandırılan, Meksika ve bugünkü Amerika Birleşik Devletleri'nin güneybatı kesimlerinden Arjantin ve Şili'nin güneyine kadar uzanan bölgelerde, İspanyol Katolik misyonerlerin Hıristiyan inancına döndürmek ve Batı yaşamına alıştırmak amacıyla organize ettikleri yerli yerleşimlerinde, yerli kültüründen etkilenen melez bir Barok oluşturarak, Kriolloların ve hatta okur-yazar, bazıları büyük yetenek ve becerilere sahip birçok yerli zanaatkâr ve müzisyenin geliştiği İspanyol indirgemeleri çerçevesinde geliştirilen Barok, dikkate değerdir. Misyonerlerin anlattıkları, Batı sanatının, özellikle de müziğin ormancılar üzerinde hipnotik bir etkisi olduğunu ve azizlerin resimlerinin büyük güçlere sahip olarak görüldüğünü sık sık tekrarlamaktadır. Birçok yerli din değiştirmiş ve şenlikli ayinlerden, kutsal konserlerden ve gizemlerden zevk alan, mistisizm, batıl inanç ve teatrallikle yüklü, tutkulu bir yoğunluğa sahip yeni bir bağlılık biçimi yaratılmıştır. ⓘ
İspanyol Amerika'sındaki Kolonyal Barok mimari, bol dekorasyonla karakterize edilir (La Profesa Kilisesi'nin portalı, Mexico City; San Andrés Cholula'daki San Francisco Acatepec Kilisesi ve Puebla'daki San Francisco Manastır Kilisesi'nde olduğu gibi Puebla tarzı azulejoslarla kaplı cepheler), Churrigueresque tarzı olarak adlandırılan tarzda daha da şiddetlenecektir (Lorenzo Rodríguez tarafından yapılan Mexico City Katedrali'nin Tabernacle cephesi; Tepotzotlán'daki San Francisco Javier Kilisesi; Taxco'daki Santa Prisca Kilisesi). Peru'da, 1650'den bu yana çoğunlukla Lima, Cusco, Arequipa ve Trujillo şehirlerinde geliştirilen yapılar, yastıklı duvarların ve solomonik sütunların kullanımında olduğu gibi Avrupa Barok'undan bile ileri olan orijinal özellikler göstermektedir (Church of la Compañía de Jesús, Cusco; Basilica and Convent of San Francisco, Lima). Diğer ülkeler arasında Bolivya'daki Sucre Metropolitan Katedrali; Guatemala'daki Esquipulas Katedral Bazilikası; Honduras'taki Tegucigalpa Katedrali; Nikaragua'daki León Katedrali; Ekvador'un Quito kentindeki la Compañía de Jesús Kilisesi; Kolombiya'nın Bogota kentindeki San Ignacio Kilisesi; Venezuela'daki Caracas Katedrali; Arjantin'deki Buenos Aires Cabildo'su; Şili'nin Santiago kentindeki Santo Domingo Kilisesi; ve Küba'daki Havana Katedrali sayılabilir. Bolivya'daki İspanyol Cizvit Misyonları, Paraguay'daki İspanyol Cizvit misyonları, Meksika'daki İspanyol misyonları ve Kaliforniya'daki İspanyol Fransisken misyonlarının kiliselerinin kalitesini de hatırlamakta fayda var. ⓘ
Metropol Portekiz'de olduğu gibi Brezilya'da da, Recife Katedrali (1784) ve Rio de Janeiro'daki Nossa Senhora da Glória do Outeiro Kilisesi'nde (1739) görülebileceği gibi, mimaride genellikle Borrominesk tipte belirli bir İtalyan etkisi vardır. Minas Gerais bölgesinde, kavisli planimetrileri, içbükey-dışbükey dinamik etkilere sahip cepheleri ve tüm mimari unsurların plastik bir şekilde işlenmesiyle öne çıkan bir grup kilisenin yazarı olan Aleijadinho'nun çalışmaları dikkat çekmektedir (Ouro Preto'daki São Francisco de Assis Kilisesi, 1765-1788). ⓘ
Cusco Katedrali (Cusco, Peru), 1559-1654
San Francisco Acatepec Kilisesi (San Andrés Cholula, Meksika), 17.-18. yüzyıllar
San Lorenzo de Carangas Kilisesi (Potosí, Bolivya), 16. yüzyıl ortaları-1744
Santo Domingo Kilisesi (Santiago, Şili), 1747-1808
.jpg)
İspanyol ve Portekiz Sömürge Asya'sında Barok
Hindistan'ın Portekiz kolonilerinde (Goa, Daman ve Diu), Goa Katedrali ve Aziz Francis Xavier'in mezarına ev sahipliği yapan Goa Bom Jesus Bazilikası gibi Hindu unsurlarla karıştırılmış Barok formlardan oluşan bir mimari tarz gelişmiştir. Goa'nın kilise ve manastırları 1986 yılında Dünya Mirası olarak ilan edilmiştir. ⓘ
Uzun süre İspanyol İmparatorluğu'nun bir parçası olan Filipinler'de, dördü UNESCO Dünya Mirası Alanı olan Filipinler Barok Kiliseleri ve Barok ve Neoklasik Vigan şehri de dahil olmak üzere çok sayıda Barok yapı korunmaktadır. Duvarlarla çevrili Manila Şehri (Intramuros) de oldukça dikkat çekicidir. İspanyol dönemi Barok'unun kayda değer şekilde korunduğu bir diğer şehir de Tayabas'tır. ⓘ
São Paulo (Makao, Çin), 1601
São Paulo (Diu, Hindistan), 1601
Saint Augustine Kilisesi (Paoay, Luzon, Filipinler), 1694 yılında inşa edilmiştir
Minber (Bom Jesus Bazilikası, Goa, Hindistan), 18. yüzyıl ⓘ
.jpg)
Boyama
Barok ressamlar kendilerini Rönesans ve sonrasındaki Maniyerizm dönemi ressamlarından ayırmak için bilinçli olarak çalışmışlardır. Paletlerinde yoğun ve sıcak renkler kullanmışlar ve özellikle ana renkler olan kırmızı, mavi ve sarıyı kullanmışlar, sıklıkla bu üç rengi birbirine yakın kullanmışlardır. Rönesans resminin eşit ışıklandırmasından kaçınmışlar ve dikkati merkezi eylemlere veya figürlere yönlendirmek için resmin belirli kısımlarında güçlü ışık ve karanlık kontrastları kullanmışlardır. Kompozisyonlarında, Rönesans resimlerinin sakin sahnelerinden kaçınmışlar ve en büyük hareket ve dram anlarını seçmişlerdir. Rönesans resimlerinin sakin yüzlerinin aksine, Barok resimlerdeki yüzler duygularını açıkça ifade ediyordu. Genellikle asimetri kullanmışlar, aksiyonu resmin merkezinden uzaklaştırmışlar ve ne dikey ne de yatay olan, ancak sola veya sağa eğimli, istikrarsızlık ve hareket hissi veren eksenler yaratmışlardır. Bu hareket izlenimini, kişilerin kostümlerinin rüzgârla savrulması ya da kendi jestleriyle hareket etmesiyle güçlendirdiler. Genel izlenim hareket, duygu ve dramaydı. Barok resmin bir diğer temel unsuru da alegoriydi; her resim bir hikaye anlatır ve genellikle semboller ve alegorik karakterlerle şifrelenmiş, eğitimli bir izleyicinin bilmesi ve okuması beklenen bir mesaja sahipti. ⓘ
Resimde İtalyan Barok fikirlerinin ilk kanıtları, Annibale Carracci, Agostino Carracci ve Ludovico Carracci'nin görsel sanatları Rönesans'ın düzenli Klasisizmine döndürmeye çalıştığı Bologna'da ortaya çıkmıştır. Ancak bu ressamların sanatı aynı zamanda Karşı-Reform'un merkezindeki fikirleri de içeriyordu; bunlar arasında yoğun duygular ve akıldan çok kalbe hitap eden dini imgeler yer alıyordu. ⓘ
Barok dönemin bir diğer etkili ressamı Michelangelo Merisi da Caravaggio'dur. İnsan figürüne gerçekçi yaklaşımı, doğrudan yaşamdan resmetmesi ve karanlık bir arka plana karşı dramatik bir şekilde aydınlatması, çağdaşlarını şok etti ve resim tarihinde yeni bir sayfa açtı. Barok üslupla yakından ilişkili diğer önemli ressamlar arasında İtalya'da Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo ve Paolo de Matteis; İspanya'da Francisco de Zurbarán ve Diego Velázquez; Almanya'da Adam Elsheimer ve Fransa'da Nicolas Poussin ve Georges de La Tour (Poussin çalışma hayatının çoğunu İtalya'da geçirmiş olsa da) sayılabilir. Poussin ve La Tour, duygulara daha az odaklanan ve resimdeki figürlerin çizgisine renkten daha fazla önem veren "klasik" bir Barok tarzı benimsemişlerdir. ⓘ
Peter Paul Rubens, Flaman Barok tarzının en önemli ressamıydı. Rubens'in son derece yüklü kompozisyonları klasik ve Hıristiyan tarihinin bilgili yönlerine atıfta bulunur. Kendine özgü ve son derece popüler olan Barok tarzı, Karşı-Reform'da teşvik edilen ani, dramatik sanatsal tarzı takip eden hareket, renk ve duygusallığı vurgulamıştır. Rubens sunaklar, portreler, manzaralar ve mitolojik ve alegorik konuların tarihi resimlerini yapmakta uzmanlaşmıştır. ⓘ
Barok resmin önemli alanlarından biri de Quadratura ya da trompe-l'œil, yani "gözü yanıltan" resimlerdi. Bunlar genellikle tavanların ya da üst duvarların ve korkulukların sıva üzerine boyanırdı ve yerden yukarı bakanlara, boyanmış gökyüzü ve hayali mimariye karşı melek, aziz ve diğer göksel figürlerden oluşan kalabalıklarla dolu cenneti gördükleri izlenimini verirdi. ⓘ
İtalya'da sanatçılar genellikle iç dekorasyon konusunda mimarlarla işbirliği yaparlardı; Pietro da Cortona 17. yüzyılın bu illüzyonist resim tarzını kullanan ressamlarından biriydi. En önemli siparişleri arasında Papa Urban VIII'in saltanatını yüceltmek için Barberini ailesinin sarayı (1633-39) için yaptığı freskler vardı. Pietro da Cortona'nın kompozisyonları, Michelangelo'nun Sistine Şapeli'ndeki çalışmalarından bu yana Roma'da yapılan en büyük dekoratif fresklerdi. ⓘ
François Boucher, Barok dönemin sonlarında ortaya çıkan daha narin Fransız Rokoko tarzının önemli bir figürüydü. Resmin yanı sıra duvar halıları, halılar ve tiyatro dekorasyonları da tasarlamıştır. Çalışmaları Kral 16. Louis'nin metresi Madam Pompadour arasında son derece popülerdi. Resimlerinde mitolojik, romantik ve hafif erotik temalara yer vermiştir. ⓘ
İsa'nın Dirilişi; Annibale Carracci; 1593; tuval üzerine yağlıboya; 217 x 160 cm; Louvre
Bacchus ve Adriane'nin Zaferi (Tanrıların Aşkları'nın bir parçası); Annibale Carracci; 1597-1600; fresk; uzunluk (galeri): 20,2 m; Palazzo Farnese (Roma)
Aziz Matta'nın Çağrısı; Caravaggio; 1602-1604; tuval üzerine yağlıboya; 3 x 2 m; San Luigi dei Francesi (Roma)
Isabella Brant ile Otoportre; Peter Paul Rubens; 1609-1610; tuval üzerine yağlıboya; 1,78 x 1,37 m; Alte Pinakothek (Münih, Almanya)
Dört Kıta; Peter Paul Rubens; 1615; tuval üzerine yağlıboya; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum (Viyana, Avusturya)
Sabine Kadınlarına Tecavüz; Nicolas Poussin; 1634-1635; tuval üzerine yağlıboya; 1,55 × 2,1 m; Metropolitan Sanat Müzesi (New York)
Gece Nöbeti; Rembrandt; 1642; tuval üzerine yağlıboya; 3,63 × 4,37 m; Rijksmuseum (Amsterdam, Hollanda)
Saba Melikesi'nin Gemiye Binişi; Claude Lorrain; 1648; tuval üzerine yağlıboya; 149,1 × 196,7 cm; Ulusal Galeri (Londra)
Bacchus'un Zaferi; Michaelina Wautier; 1659'dan önce; tuval üzerine yağlıboya; 270 x 354 cm; Kunsthistorisches Museum
Vanitas Natürmort; Maria van Oosterwijck; 1668; tuval üzerine yağlıboya; 73 x 88,5 cm; Kunsthistorisches Museum ⓘ
.jpg)
.jpg)
Hispanik Amerika
Hispanik Amerika'da ilk etkiler, Meksikalı José Juárez ve Sebastián López de Arteaga ile Bolivyalı Melchor Pérez de Holguín'in çalışmalarında görülebileceği gibi, Sevillan Tenebrizminden, özellikle de -bazı eserleri halen Meksika ve Peru'da korunan- Zurbarán'dan gelmiştir. Cusco resim okulu, 1583 yılında Maniyerizmi Amerika'ya tanıtan İtalyan ressam Bernardo Bitti'nin gelişinden sonra ortaya çıkmıştır. Andahuaylillas San Pedro Kilisesi'nin duvar resimlerinin yazarı İtalyan Angelino Medoro'nun öğrencisi Luis de Riaño'nun çalışmalarını öne çıkarmıştır. Ayrıca Kızılderili (Quechua) ressamlar Diego Quispe Tito ve Basilio Santa Cruz Pumacallao'nun yanı sıra Cusco Katedrali'nin yüksek kemerlerini kaplayan elli büyük tuvalin yazarı Marcos Zapata'yı da öne çıkarmıştır. Ekvador'da, esas olarak mestizo Miguel de Santiago ve criollo Nicolás Javier de Goríbar tarafından temsil edilen Quito Okulu kuruldu. ⓘ
18. yüzyılda heykelsi sunakların yerini resimler almaya başladı ve Amerika'da özellikle Barok resim gelişti. Benzer şekilde, başta aristokrat sınıfların ve kilise hiyerarşisinin portreleri olmak üzere sivil eserlere olan talep de arttı. Ana etki Murillesque ve bazı durumlarda - criollo Cristóbal de Villalpando'da olduğu gibi - Valdés Leal'in etkisiydi. Bu dönemin resmi, tatlı ve yumuşak şekillerle daha duygusal bir tona sahiptir. Kolombiya'da Gregorio Vásquez de Arce, Meksika'da ise Juan Rodríguez Juárez ve Miguel Cabrera'yı öne çıkarmaktadır. ⓘ
Heykeltıraşlık
Barok heykel sanatının baskın figürü Gian Lorenzo Bernini'ydi. Papa Urban VIII'in himayesi altında, yüzleri ve jestleri duygularını canlı bir şekilde ifade eden azizlerin ve figürlerin yanı sıra olağanüstü gerçekçiliğe sahip portre büstleri ve Aziz Petrus Bazilikası'ndaki kubbenin altındaki heybetli Aziz Petrus Koltuğu gibi Vatikan için son derece dekoratif eserler yaptı. Ayrıca, Roma'nın büyük meydanlarını süslemek için anıtsal heykel grupları içeren çeşmeler tasarlamıştır. ⓘ
Barok heykeltıraşlık, antik Roma heykellerinden, özellikle de 1506 yılında ortaya çıkarılan ve Vatikan'ın galerisinde sergilenen MS birinci yüzyıla ait ünlü Laocoön heykelinden esinlenmiştir. Bernini, 1665 yılında Paris'i ziyaret ettiğinde, resim ve heykel akademisindeki öğrencilere hitap etti. Öğrencilere doğadan ziyade klasik modellerden çalışmalarını tavsiye etti. Öğrencilere, "İlk heykelimde sorun yaşadığımda, bir kahin gibi Antinous'a danıştım" dedi. Bu Antinous heykeli bugün Museo Pio-Clementino'nun Hermes'i olarak bilinmektedir. ⓘ
Önemli geç dönem Fransız barok heykeltıraşları arasında Étienne Maurice Falconet ve Jean Baptiste Pigalle de bulunmaktadır. Pigalle, Büyük Frederick tarafından Almanya'nın Potsdam kentindeki Sanssouci'de Frederick'in kendi Versailles versiyonu için heykeller yapmak üzere görevlendirilmiştir. Falconet ayrıca önemli bir yabancı görev alarak St. Petersburg'da bulunan at sırtındaki ünlü Büyük Petro heykelini yarattı. ⓘ
İspanya'da heykeltıraş Francisco Salzillo, çok renkli ahşap kullanarak yalnızca dini temalar üzerinde çalışmıştır. En iyi barok heykel işçiliklerinden bazıları, Yeni Dünya'daki İspanyol kolonilerinin kiliselerinin yerel ustalar tarafından yapılan yaldızlı alçı sunaklarında bulundu; örnekler arasında Oaxaca'daki (Meksika) Santo Domingo Kilisesi'nin Tespih Şapeli, 1724-1731. ⓘ
Aziz Veronica; Francesco Mochi tarafından; 1629-1639; Carrara mermeri; yükseklik: 5 m; Aziz Petrus Bazilikası (Vatikan Şehri)
Azize Teresa'nın Vecdi; Gian Lorenzo Bernini; 1647-1652; mermer; yükseklik: 3,5 m; Santa Maria della Vittoria (Roma)
Kralın Pegasus'a Binen Şöhreti; Antoine Coysevox; 1698-1702; Carrara mermeri; yükseklik: 3,15 m; Louvre
Venüs Aeneas'a Kollarını Veriyor; Jean Cornu; 1704; pişmiş toprak ve boyalı ahşap; yükseklik: 108 cm; Metropolitan Sanat Müzesi (New York)
Adonis'in Ölümü; Giuseppe Mazzuoli; 1710'lar; mermer; yükseklik: 193 cm; Hermitage Müzesi (Saint Petersburg, Rusya) ⓘ
.jpg)
Mobilya
Kullanılan başlıca motifler şunlardır: bereket boynuzları, fistolar, bebek melekler, ağızlarında metal bir halka tutan aslan başları, çelenklerle çevrili kadın yüzleri, oval kartuşlar, akantus yaprakları, klasik sütunlar, karyatidler, alınlıklar ve mobilya parçalarının bazı kısımlarına yontulmuş Klasik mimarinin diğer unsurları, meyve veya çiçek sepetleri, deniz kabukları, zırhlar ve kupalar, Apollo veya Baküs başları ve C şeklindeki volütler. ⓘ
Louis'nin saltanatının ilk döneminde, mobilyalar Louis XIII'ün önceki stilini takip ediyordu ve masifti, heykel ve yaldızla bolca süslenmişti. 1680'den sonra, büyük ölçüde mobilya tasarımcısı André Charles Boulle sayesinde, bazen Boulle işi olarak da bilinen daha özgün ve hassas bir tarz ortaya çıktı. İlk olarak 15. yüzyılda Floransa'da kullanılan ve Boulle ve Louis XIV için çalışan diğerleri tarafından rafine edilip geliştirilen bir teknik olan abanoz ve diğer nadir ağaçların kakmasına dayanıyordu. Mobilyalar abanoz, bakır ve farklı renklerde egzotik ahşap plakalarla kakılıyordu. ⓘ
Yeni ve genellikle kalıcı mobilya türleri ortaya çıktı; iki ila dört çekmeceli komodin, eski coffre veya sandığın yerini aldı. Kanape ya da kanepe, iki ya da üç koltuktan oluşan bir kombinasyon şeklinde ortaya çıktı. Fauteuil en confessionale ya da "Günah çıkarma koltuğu" da dahil olmak üzere, sandalyenin sırtının her iki yanında yastıklı minderler bulunan yeni koltuk türleri ortaya çıktı. Konsol masası da ilk kez ortaya çıktı; bir duvara yerleştirilmek üzere tasarlanmıştı. Bir başka yeni mobilya türü de, tabakları koymak için mermer kaplı bir masa olan table à gibier idi. Çalışma masasının ilk çeşitleri ortaya çıktı; Mazarin çalışma masası, iki çekmece sütunu arasına yerleştirilmiş ve her sütunda dört ayak bulunan merkezi bir bölüme sahipti. ⓘ
Effiat Şatosu'ndan dört direkli yatak; 1650; doğal ceviz, yontulmuş Cenova ipek kadife ve işlemeli ipekler; 295 cm; Louvre
İskele masası; 1685-1690; oyma, gesso ve yaldızlı ahşap, mermer tablalı; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Chicago Sanat Enstitüsü (ABD)
Dolap; André Charles Boulle; 1700; meşe çerçeve üzerine abanoz ve amarant kaplama, polikrom ahşap, pirinç, kalay, kabuk ve boynuz kakma, yaldız-bronz; 255,5 x 157,5 cm; Louvre
Komodin; André Charles Boulle; 1710-1732; abanoz ve oyma pirinç ve bağa kabuğu kakmalı ceviz kaplama, yaldızlı bronz montürler, antik mermer tabla; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Metropolitan Sanat Müzesi (New York)
Alman eğik önlü masa; Heinrich Ludwig Rohde veya Ferdinand Plitzner; 1715-1725; ladin ve meşe üzerine akçaağaç, amarant, maun ve ceviz kakma; 90 × 84 × 44,5 cm; Art Institute of Chicago ⓘ
.jpg)
,_scrittoio_a_ribalta,_magonza_1720_ca.jpg)
Müzik
Barok terimi, Barok sanatı ile örtüşen bir dönemde bestelenen müzik tarzını belirtmek için de kullanılır. Müzik için 'barok' teriminin ilk kullanımları eleştirilerdi. Rameau'nun Hippolyte et Aricie operasının Ekim 1733'teki prömiyerine ilişkin, Mayıs 1734'te Mercure de France'da basılan anonim, hicivli bir eleştiride, eleştirmen bu operanın yeniliğinin "du barocque" olduğunu ima ederek, müziğin tutarlı bir melodiden yoksun olduğundan, aralıksız uyumsuzluklarla dolu olduğundan, sürekli anahtar ve ölçü değiştirdiğinden ve her besteleme aracından hızla geçtiğinden şikayet ediyordu. Müzisyen ve besteci kimliğinin yanı sıra filozof kimliğiyle de tanınan Jean-Jacques Rousseau, 1768 yılında Denis Diderot'nun ünlü Encyclopédie'sinde çok benzer bir gözlemde bulunmuştur: "Barok müzik, armoninin karışık olduğu, modülasyonlar ve uyumsuzluklarla dolu olan müziktir. Şarkı söyleme sert ve doğal değildir, entonasyon zordur ve hareket sınırlıdır. Bu terimin mantıkçılar tarafından kullanılan 'baroco' kelimesinden geldiği anlaşılmaktadır." ⓘ
Dönemin müziği için terimin yaygın kullanımı ancak 1919'da Curt Sachs tarafından başlamış ve İngilizce'de ilk kez 1940 yılında Manfred Bukofzer tarafından yayınlanan bir makalede kullanılmıştır. ⓘ
Barok dönem, müzikal deneylerin ve yeniliklerin yaşandığı bir dönemdi. Konçerto ve sinfoni de dahil olmak üzere yeni formlar icat edilmiştir. Opera 16. yüzyılın sonunda İtalya'da doğdu (Jacopo Peri'nin 1598'de Floransa'da sahnelenen ve büyük ölçüde kayıp olan Dafne'si ile) ve kısa sürede Avrupa'nın geri kalanına yayıldı: Louis ilk Kraliyet Müzik Akademisi'ni kurdu. 1669'da şair Pierre Perrin Paris'te bir opera akademisi, Fransa'da halka açık ilk opera tiyatrosunu açtı ve Robert Cambert'in müziğini yaptığı, beş perdelik, ayrıntılı sahne mekanizmasına ve bir baleye sahip Fransızca ilk büyük opera olan Pomone'nin prömiyerini yaptı. Almanya'da Heinrich Schütz, Fransa'da Jean-Baptiste Lully ve İngiltere'de Henry Purcell 17. yüzyılda kendi ulusal geleneklerinin yerleşmesine yardımcı oldular. ⓘ
Piyano da dahil olmak üzere birçok yeni enstrüman bu dönemde kullanılmaya başlanmıştır. Piyanonun icadı, Toskana Büyük Prensi Ferdinando de' Medici tarafından Enstrümanların Bekçisi olarak istihdam edilen İtalya'nın Padua kentinden Bartolomeo Cristofori'ye (1655-1731) atfedilir. Cristofori enstrümana un cimbalo di cipresso di piano e forte ("yumuşak ve yüksek sesli servi klavyesi") adını vermiş, zamanla pianoforte, fortepiano ve daha sonra sadece piyano olarak kısaltılmıştır. ⓘ
Besteciler ve örnekler
- Giovanni Gabrieli (c. 1554/1557-1612) Sonata pian' e forte (1597), In Ecclesiis (Symphoniae sacrae kitap 2'den, 1615)
- Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580-1651) Libro primo di villanelle, 20 (1610)
- Claudio Monteverdi (1567-1643), L'Orfeo, favola in musica (1610)
- Heinrich Schütz (1585-1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
- Francesco Cavalli (1602-1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662), Scipione affricano (1664)
- Jean-Baptiste Lully (1632-1687), Armide (1686)
- Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), Te Deum (1688-1698)
- Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704), Mystery Sonatas (1681)
- John Blow (1649-1708), Venüs ve Adonis (1680-1687)
- Johann Pachelbel (1653-1706), Canon in D (1680)
- Arcangelo Corelli (1653-1713), 12 concerti grossi, Op. 6 (1714)
- Marin Marais (1656-1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
- Henry Purcell (1659-1695), Dido ve Aeneas (1688)
- Alessandro Scarlatti (1660-1725), L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridate Eupatore (1707)
- François Couperin (1668-1733), Les barricades mystérieuses (1717)
- Tomaso Albinoni (1671-1751), Didone abbandonata (1724)
- Antonio Vivaldi (1678-1741), Dört Mevsim (1725)
- Jan Dismas Zelenka (1679-1745), Il Serpente di Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
- Georg Philipp Telemann (1681-1767), Der Tag des Gerichts (1762)
- Johann David Heinichen (1683-1729)
- Jean-Philippe Rameau (1683-1764), Dardanus (1739)
- George Frideric Handel (1685-1759), Su Müziği (1717), Messiah (1741)
- Domenico Scarlatti (1685-1757), Klavsen için Sonatlar
- Johann Sebastian Bach (1685-1750), Toccata and Fugue in D minor (1703-1707), Brandenburg Concertos (1721), St Matthew Passion (1727)
- Nicola Porpora (1686-1768), Semiramide riconosciuta (1729)
- Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), Stabat Mater (1736) ⓘ
Dans
Klasik bale de Barok döneminde ortaya çıkmıştır. Saray dansı tarzı Fransa'ya Marie de Medici tarafından getirilmiştir ve başlangıçta dansçılar bizzat saray üyeleriydi. Louis'nin kendisi de birkaç balede halk önünde sahne almıştır. Mart 1662'de Kral tarafından Académie Royale de Danse kuruldu. Bu ilk profesyonel dans okulu ve kumpanyasıydı ve o dönemde Avrupa'da bale için standartları ve kelime dağarcığını belirledi. ⓘ
Tiyatro
Barok dönem Fransa ve İspanya'da tiyatronun altın çağıydı; oyun yazarları arasında Fransa'da Corneille, Racine ve Molière; İspanya'da ise Lope de Vega ve Pedro Calderón de la Barca yer alıyordu. ⓘ
Barok dönem boyunca, opera ve balenin gelişiminin yanı sıra tiyatro sanatı ve tarzı da hızla gelişmiştir. Daha yeni ve daha büyük tiyatroların tasarlanması, daha ayrıntılı makinelerin icat edilmesi, sahneyi çerçeveleyen ve makineleri seyirciden gizleyen proscenium kemerinin daha geniş kullanımı, daha fazla sahne efekti ve gösteriyi teşvik etti. ⓘ
Barok, Rönesans döneminde İtalyan edebi modelini izleyen İspanya'da Katolik ve muhafazakâr bir karaktere sahipti. İspanyol Barok tiyatrosu, temel üç duyguyu ortaya koyan ideal bir gerçekliğe sahip kamusal bir içeriği hedeflemiştir: Katolik dini, monarşist ve ulusal gurur ve şövalye dünyasından kaynaklanan onur. ⓘ
Barok İspanyol tiyatrosunda, 1630'da gerçekleşen bölünme ile birlikte iki dönem bilinmektedir. İlk dönem başta Lope de Vega olmak üzere Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente ya da Juan Pérez de Montalbán tarafından temsil edilir. İkinci dönem Pedro Calderón de la Barca ve diğer tiyatro yazarları Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto ve Francisco Bances Candamo tarafından temsil edilmektedir. Bu sınıflandırmalar gevşektir çünkü her yazarın kendine özgü bir yolu vardı ve zaman zaman Lope tarafından oluşturulan formüle bağlı kalabiliyordu. Hatta Lope'un "tarzı" Calderón'unkinden daha liberal ve yapılandırılmış olabilir. ⓘ
Lope de Vega, Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) adlı eseriyle yeni komediyi tanıtmıştır. İtalyan şiir okulunun üç Aristoteles birliğini (eylem, zaman ve mekân) ve Aristoteles'in üslupla ilgili dördüncü bir birliğini kıran yeni bir dramatik formül oluşturdu, trajik ve komik unsurların karıştırılması, temsil edilen şey üzerine farklı türde mısralar ve kıtalar gösterdi. Lope, plastik sanatlar konusunda büyük bir bilgi birikimine sahip olmasına rağmen, kariyerinin büyük bir bölümünde bunu ne tiyatroda ne de senografide kullanmıştır. Lope'un komedisi, teatral temsilin görsel yönlerine ikinci bir rol vermiştir. ⓘ
Tirso de Molina, Lope de Vega ve Calderón, Altın Çağ İspanya'sının en önemli oyun yazarlarıydı. İnce zekâları ve bir insanın insanlığını derinlemesine kavramalarıyla bilinen eserleri, Lope'nin ilkel komedisi ile Calderón'un daha ayrıntılı komedisi arasında bir köprü olarak düşünülebilir. Tirso de Molina en çok iki eseriyle tanınır: Mahkûm Edilmiş Şüpheler ve Don Juan efsanesinin ilk versiyonlarından biri olan Sevil Hilebazı. ⓘ
Cosimo Lotti, Madrid'e vardığında İspanyol sarayına Avrupa'nın en gelişmiş tiyatro tekniklerini getirdi. Teknikleri ve mekanik bilgisi "Fiestas" adı verilen saray sergilerinde ve "Naumaquias" adı verilen nehirlerin veya yapay çeşmelerin gösterişli sergilerinde uygulandı. Buen Retiro, Zarzuela ve Aranjuez bahçelerinin şekillendirilmesinden ve Coliseo del Buen Retiro tiyatro binasının inşasından sorumluydu. Lope'nin formülleri, saray tiyatrosunun kuruluşuna ve Calderón de la Barca gibi bazı oyun yazarlarının kariyerlerini başlatan yeni kavramların doğuşuna yakışmayan bir dizeyle başlar. Yeni Lopesian Komedya'nın başlıca yeniliklerine işaret eden Calderón'un üslubu, iç yapısına büyük bir yapıcı özen ve dikkat göstererek birçok farklılığa işaret etti. Calderón'un eserleri biçimsel bir mükemmellik ve çok lirik ve sembolik bir dil içindedir. Lope'nin özgürlüğü, canlılığı ve açıklığı Calderón'un entelektüel düşüncesine ve biçimsel hassasiyetine bir adım kazandırmıştır. Komedisinde tutku ve aksiyonun ötesinde ideolojik ve doktrinel niyetlerini yansıtmış, Autos sacramentales eseri yüksek rütbelere ulaşmıştır. Comedia türü politik, çok sanatsal ve bir anlamda melezdir. Şiirsel metin, mimarlık, müzik ve resimden kaynaklanan medyalar ve kaynaklarla iç içe geçerek, Lopez komedisindeki aldatmacayı sahne eksikliğinden kurtarmış ve eylem diyaloğunu devreye sokmuştur. ⓘ
En iyi bilinen Alman oyun yazarı, Hollandalı Joost van den Vondel ve Pierre Corneille'in Cizvit modelini kullanan Andreas Gryphius'tu. Ayrıca İngiliz komedyenlerinin ve commedia dell'arte'nin geleneklerini Corneille ve Molière'in klasik tiyatrosuyla birleştiren Johannes Velten de vardı. Onun turne kumpanyası belki de 17. yüzyılın en önemli kumpanyasıydı. ⓘ
En önde gelen İtalyan barok tragedyacısı Federico Della Valle idi. Edebi etkinliği saray tiyatrosu için yazdığı dört oyunla özetlenebilir: Adelonda di Frigia (1595) adlı trajikomedi ve özellikle Judith (1627), Esther (1627) ve La reina di Scotia (1628) adlı üç trajedisi. Della Valle'nin eserlerinde Barok zevkini ve Cizvitlerin didaktik amaçlarını birleştiren birçok taklitçisi ve takipçisi vardı (Pallavicino, Graziani, vb.) ⓘ
İspanyol sömürgesi Amerika
İspanya'daki evrimi takiben, 16. yüzyılın sonunda, esasen yaylacı olan komedyen toplulukları profesyonelleşmeye başladı. Profesyonelleşmeyle birlikte düzenleme ve sansür de geldi: Avrupa'da olduğu gibi, tiyatro hoşgörü ve hatta devlet koruması ile (istisnalar dışında) reddetme veya Kilise tarafından zulüm görme arasında gidip geldi. Tiyatro, yetkililer için istenen davranış ve modelleri, sosyal düzene ve monarşiye saygıyı, dini dogma okulunu yaymak için bir araç olarak kullanışlıydı. ⓘ
Corrales, temsillerin faydalarını paylaşan hastanelerin yararına yönetiliyordu. Sabit yerlileri olmayan bölgelerde tiyatroyu doğaçlama açık hava sahnelerine taşıyan gezici kumpanyalar (ya da "lig"), bedeli ya da pinción'u sadaka ve dindarlık işlerine tahsis edilen bir valilik çalışma ruhsatı gerektiriyordu. Başkentlerde ve büyük şehirlerde istikrarlı bir şekilde çalışan kumpanyaların ana gelir kaynaklarından biri, kendilerine sadece ekonomik faydalar değil, aynı zamanda tanınma ve sosyal prestij de sağlayan Corpus Christi şenliklerine katılmaktı. Hem repertuarlarındaki komedileri hem de büyük ışık efektleri, dekor ve sahne ile özel yapımları temsil ettikleri kraliyet sarayı ve aristokrasinin konaklarındaki temsiller de önemli bir iyi ücretli ve prestijli iş kaynağıydı. ⓘ
Yeni İspanya Genel Valiliği'nde doğan ancak daha sonra İspanya'ya yerleşen Juan Ruiz de Alarcón, Yeni İspanya'nın Barok tiyatrosunun en önde gelen figürüdür. Lope de Vega'nın yeni komedisine uyum sağlamasına rağmen, "belirgin laikliği", sağduyusu ve ölçülülüğü ve keskin bir "psikolojik nüfuz" kapasitesi Alarcón'un İspanyol çağdaşlarına karşı ayırt edici özellikleri olarak kaydedilmiştir. Eserleri arasında dikkat çeken La verdad sospechosa, onun sürekli ahlak dersi verme amacını yansıtan bir karakter komedisidir. Sor Juana Inés de la Cruz'un dramatik üretimi onu İspanyol-Amerikan Barok tiyatrosunun ikinci figürü olarak konumlandırır. Eserleri arasında oto sakramental El divino Narciso ve komedi Los empeños de una casa'dan bahsetmek gerekir. ⓘ
Bahçeler
Jardin à la française veya Fransız resmi bahçesi olarak da bilinen Barok bahçe, ilk olarak 16. yüzyılda Roma'da ve daha sonra en ünlü olarak 17. yüzyılda Fransa'da Vaux le Vicomte ve Versailles Sarayı bahçelerinde ortaya çıkmıştır. Barok bahçeler, 18. yüzyılın ortalarına kadar Almanya, Hollanda, Avusturya, İspanya, Polonya, İtalya ve Rusya'da krallar ve prensler tarafından inşa edilmiş ve daha doğal İngiliz peyzaj bahçesine dönüştürülmeye başlanmıştır. ⓘ
Barok bahçenin amacı, insanın doğa üzerindeki gücünü ve onu inşa edenin ihtişamını göstermekti. Barok bahçeler, bir evin odaları gibi geometrik desenler halinde düzenlenirdi. Genellikle en iyi dışarıdan ve aşağıdan, bir şatodan ya da terastan görülürlerdi. Barok bir bahçenin unsurları arasında çiçek tarhları ya da süslü Barok tasarımlarla kesilmiş alçak çitler ve bahçeyi bölen ve çaprazlayan düz şeritler ve çakıl sokaklar yer alıyordu. Teraslar, rampalar, merdivenler ve kaskadlar kot farklarının olduğu yerlere yerleştirilmiş ve seyir noktaları sağlamıştır. Dairesel ya da dikdörtgen havuzlar ya da su havzaları çeşmeler ve heykeller için uygun ortamlardı. Bosquetler ya da özenle kesilmiş korular veya aynı ağaçlardan oluşan sıralar, yeşillik duvarları görünümü verir ve heykeller için arka plan oluştururdu. Bahçelerin kenarlarında genellikle pavyonlar, limonluklar ve ziyaretçilerin güneşten ya da yağmurdan korunabilecekleri diğer yapılar bulunurdu. ⓘ
Barok bahçeler çok sayıda bahçıvan, sürekli budama ve bol su gerektiriyordu. Barok dönemin sonlarına doğru, resmi unsurlar yerini daha doğal unsurlara bırakmaya başladı; dolambaçlı yollar, budanmadan büyümeye bırakılmış çeşitli ağaçlardan oluşan korular; Roma tapınakları veya Çin pagodaları gibi rustik mimari ve pitoresk yapıların yanı sıra ana bahçenin kenarlarında, ziyaretçilerin okuyabileceği veya sessiz sohbetler edebileceği yeşilliklerle dolu "gizli bahçeler". 18. yüzyılın ortalarında Barok bahçelerin çoğu kısmen ya da tamamen İngiliz peyzaj bahçesinin varyasyonlarına dönüştürülmüştür. ⓘ
Versailles ve Vaux-le-Vicomte'un yanı sıra, orijinal görünümlerinin çoğunu hala koruyan ünlü barok bahçeler arasında Napoli yakınlarındaki Caserta Kraliyet Sarayı; Almanya'daki Nymphenburg Sarayı ve Augustusburg ve Falkenlust Sarayları, Brühl; Hollanda'daki Het Loo Sarayı; Viyana'daki Belvedere Sarayı; İspanya'daki La Granja de San Ildefonso Kraliyet Sarayı ve Rusya'nın St. ⓘ
Vaux-le-Vicomte (Fransa) Bahçeleri, 1657-1661, André Le Nôtre tarafından
André Le Nôtre tarafından 1661 yılında yapımına başlanan Versailles Bahçeleri
Het Loo Sarayı Bahçeleri, Hollanda, 1689
Tessin Sarayı Bahçesi (Stockholm, İsveç), 1692-1700, Genç Nicodemus Tessin tarafından ⓘ
Rokoko ve Barok arasındaki farklar
Rokoko'nun sahip olduğu ve Barok'un sahip olmadığı özellikler şunlardır:
- Simetrinin kısmen terk edilmesi, her şeyin Art Nouveau'dakilere benzer şekilde zarif çizgiler ve eğrilerden oluşması
- Çok sayıda asimetrik eğri ve C-şekilli volüt
- Çiçeklerin süslemede çok geniş bir şekilde kullanılması, çiçeklerden yapılan fistolar buna bir örnektir
- Çin ve Japon motifleri
- Sıcak pastel renkler (beyazımsı sarı, krem rengi, inci grileri, çok açık maviler) ⓘ
Tarzın sonu, kınama ve akademik yeniden keşif
Louis'nin metresi Madame de Pompadour, barok ve rokoko tarzının gerilemesine katkıda bulunmuştur. 1750 yılında yeğeni Abel-François Poisson de Vandières'i İtalya'daki sanatsal ve arkeolojik gelişmeleri incelemek üzere iki yıllık bir göreve gönderdi. Kendisine aralarında gravürcü Nicolas Cochin ve mimar Soufflot'nun da bulunduğu birkaç sanatçı eşlik etti. Paris'e klasik sanata duydukları tutkuyla döndüler. Vandiéres, Marigny Markisi oldu ve 1754 yılında Kraliyet Binalar Müdürü olarak atandı. Resmi Fransız mimarisini neoklasiğe doğru çevirdi. Cochin önemli bir sanat eleştirmeni haline geldi; Boucher'in küçük stilini kınadı ve mimarlık akademilerinde antik çağa ve asalete yeni bir vurgu yapan büyük bir stil çağrısında bulundu. ⓘ
Öncü Alman sanat tarihçisi ve arkeolog Johann Joachim Winckelmann da barok üslubu kınamış ve klasik sanat ve mimarinin üstün değerlerini övmüştür. 19. yüzyıla gelindiğinde Barok, alay ve eleştirilerin hedefi haline gelmiştir. Neoklasik eleştirmen Francesco Milizia şöyle yazmıştır: "Mimaride Borrominini, heykelde Bernini, resimde Pietro da Cortona... çok sayıda sanatçıya bulaşan iyi zevkin üzerindeki bir vebadır." 19. yüzyılda eleştiriler daha da ileri gitti; İngiliz eleştirmen John Ruskin barok heykelin sadece kötü değil, aynı zamanda ahlaki açıdan da yozlaşmış olduğunu ilan etti. ⓘ
İsviçre doğumlu sanat tarihçisi Heinrich Wölfflin (1864-1945), Renaissance und Barock (1888) adlı eserinde Barok kelimesinin rehabilitasyonunu başlatmıştır; Wölfflin Barok'u "kitleye ithal edilmiş hareket", Rönesans sanatına antitetik bir sanat olarak tanımlamıştır. Maniyerizm ve Barok arasında modern yazarların yaptığı ayrımları yapmamış ve 18. yüzyıla kadar süren daha sonraki aşama olan akademik Barok'u görmezden gelmiştir. Barok sanat ve mimari iki savaş arası dönemde moda olmuş ve büyük ölçüde eleştirmenlerin gözdesi olmaya devam etmiştir. "Barok" terimi, genellikle aşağılayıcı bir şekilde, aşırı süsleme veya çizgi karmaşıklığına sahip olduğu düşünülen sanat, zanaat veya tasarım eserlerini tanımlamak için hala kullanılabilir. ⓘ
Barok edebiyat
Barok dönemi Alman edebiyatı
1600'lü yıllarda Almanya'da edebiyat konu ve üslup yönünden karışıklık içindedir. Bununla bağıntılı olarak da bu durumu ortadan kaldırıp düzene sokmak çabaları vardır. Bu dönemde Barok edebiyatçıları bu bağlamda büyük uğraş vermişlerdir. Özellikle özgün yapıtlar ortaya çıkarmak, Almancayı edebi bir dil boyutuna getirmek, taklitçiliğin dışına çıkarak özgün eserler verebilmek için çaba harcamışlardır. Bu edebiyatçıların başında Martin Opitz gelir ki, Almanya’da Barok devri asıl olarak onunla başlar diyebiliriz. Barok devri kendinden önce dine, kendinden sonra ise felsefeye dayalı, reformasyon ve aydınlanma arasında gelişmiş bir devirdir. Edebiyatta ağırlık nazım ve dramdadır. Barok devrinde nazımda(lirik) genel olarak konu ölüm düşüncesidir. Bu döneme göre ölüm kaçınılmazdır ve hayat fanilikten ibarettir. Sone bu dönemde etkin olan lirik biçimidir. Özellikle bu alanda Andrea Gryphius ve İtalyan Petrus de Vinea Barok dönemi sonesinin belirleyici isimleridir. Andrea Gryphius'un sone tarzındaki eserleri kayda değerdir. Dinsel boyutta çok fazla sayıda eseri vardır ve bunları "Sonn- und Feiertagsonette" adlı kitabında toplamıştır. Şiirlerinin çoğu da yine dini boyuttadır ve duayı andırır. Gryphius eserlerini genelde dini mistik bir tarzda ve ölüm korkusu, öte dünya konularını ele alarak işler. ⓘ
Roman ise daha çok burjuva konularına yönelen humarist roman doğrultusunda ilerler. Özellikle romanda epik kahramanlar yerini, kendisi, hayat tarzı ve dünya hakkında düşünen onları alaya alan bir anlatıcıya bırakır. Bu bağlamda İspanyol edebiyatında ün salmış olan komik roman (Schelmenroman) Cervantes'in Don Kişot'u Alman romanına örnek olur. ⓘ
Dil cemiyetleri
Öte yandan Barok devrinde Almancayı yabancı dillerin etkisinden (İspanyolca, Fransızca, Latince vb.) kurtarmak için seferberlik başlatılmıştır. Bu bağlantıda Almanca yazmak ve Almanca'yı arılaştırmak düşüncesiyle hareket edilmiştir. Bu amaca yönelik olarak dil cemiyetleri kurulmuştur. 1617'de kurulan "Die Fruchtbringende Gesellschaft", "Palmenarden", 1644'te kurulan "Pegnitzschäfer" ve "Gekränte Blumenorden" bunlara örnek olarak verilebilir. Bunların içinden önemli olarak bahsedebileceğimiz “Die Fruchtbringende Gesellschaft” üyelerini asillerden ve burjuvalardan almıştır. Palmenarden dil kurumu Almanca'nın Fransızca etkisinden kurtulmasını, onu arı bir dil sayesinde kültür dili seviyesine yükseltmek niyetindeydi. 1642 yılında "Deutschgesinnte Genossenschaft" dil cemiyetinin kurucusu olan Zesen Yunan Tanrıça adlarına Almanca adlar vermiştir. Bundan başka Martin Opitz ise bu konuda bir de kuramsal kitap yazarak edebi dilin Almanca olması için uğraşlar vermiştir. Bu devirde Almanca edebi duygudan yoksundu ve çoğu edebi eserler taklitten ibaretti, ilkel ve çocuksu eserler ortaya konuluyordu. Bu dil çalışmalarıyla birlikte özgün eserler verilmeye çalışıldı. Bu dönemde yapılan poetik çalışmaları barok devrinde kayda değer çalışmalardı. Bu çalışmalarda edebiyatın tekniğini saptamış ve bunları bir ders kitabı olarak hizmete sunmuş önemli poetikçiler vardır. Bunlar: Martn Opitz - Buch von der deutschen Poeterei Harsdörfer - Poetischer Trichter Zesen - Hochdeutscher helikon Buchner - Verskunst Schottel - Teutsche Sprachkunstdir. ⓘ