Neoklasisizm
Neoklasisizm (Neo-klasisizm olarak da yazılır), dekoratif ve görsel sanatlar, edebiyat, tiyatro, müzik ve mimaride klasik antik çağ sanatı ve kültüründen ilham alan bir Batı kültür hareketidir. Neoklasizm, büyük ölçüde Pompei ve Herculaneum'un yeniden keşfedildiği dönemde Johann Joachim Winckelmann'ın yazıları sayesinde Roma'da doğmuş, ancak Avrupalı sanat öğrencilerinin Büyük Turlarını tamamlayıp İtalya'dan kendi ülkelerine yeni keşfedilen Greko-Romen idealleriyle dönmesiyle popülerliği tüm Avrupa'ya yayılmıştır. Ana Neoklasik hareket 18. yüzyıl Aydınlanma Çağı'na denk gelmiş ve 19. yüzyılın başlarına kadar devam ederek Romantizm ile yanal olarak rekabet etmiştir. Mimaride bu tarz 19., 20. ve 21. yüzyıl boyunca devam etmiştir. ⓘ
Görsel sanatlarda Avrupa Neoklasisizmi, 1760'larda o zamanlar baskın olan Rokoko tarzına karşı başlamıştır. Rokoko mimarisi zarafet, süsleme ve asimetriyi vurgularken; Neoklasik mimari, Roma ve Antik Yunan sanatlarının erdemleri olarak görülen ve daha çok 16. yüzyıl Rönesans Klasisizminden alınan sadelik ve simetri ilkelerine dayanmaktadır. Her "neo"-klasisizm, kendisine sunulan olası klasikler arasından bazı modelleri seçer ve diğerlerini göz ardı eder. 1765-1830 yılları arasındaki Neoklasik yazarlar ve konuşmacılar, patronlar ve koleksiyoncular, sanatçılar ve heykeltıraşlar Phidias'ın neslinden gelen bir fikre saygı göstermişlerdir, ancak gerçekte benimsedikleri heykel örnekleri daha çok Helenistik heykellerin Roma kopyaları olmuştur. Hem Arkaik Yunan sanatını hem de Geç Antik Çağ eserlerini görmezden geldiler. Antik Palmira'nın "Rokoko" sanatı, Wood'un The Ruins of Palmyra (Palmira Harabeleri) adlı kitabındaki gravürler aracılığıyla bir keşif olarak geldi. Yunanistan bile neredeyse hiç ziyaret edilmemiş, Osmanlı İmparatorluğu'nun keşfedilmesi tehlikeli, kaba bir durgun suyuydu, bu nedenle Neoklasikçilerin Yunan mimarisini takdir etmeleri, her zaman bilinçli olmasa da, Yunanistan'ın anıtlarını incelikle düzelten ve düzenleyen, "düzelten" ve "restore eden" çizimler ve gravürler aracılığıyla gerçekleşti. ⓘ
Mimaride ve dekoratif sanatlarda Neoklasizmin ikinci bir aşaması olan İmparatorluk tarzı, Napolyon döneminde Paris'te kültürel merkezini bulmuştur. Özellikle mimaride, ama aynı zamanda diğer alanlarda da Neoklasizm, 19. yüzyılın başlarından uzun süre sonra, 20. ve hatta 21. yüzyıllarda, özellikle Amerika Birleşik Devletleri ve Rusya'da periyodik canlanma dalgalarıyla bir güç olarak kaldı. ⓘ
Neoklasisizm Antik Yunan ve Antik Roma dönemine ait tarzların yeniden canlandırılmasıyla ortaya çıkan bir akımdır. Bu akımın en önemli özelliklerinden biri önceki dönemlerdeki Barok ve Rokoko Sanatı'ndaki aşırı süslemeciliğe duyulan tepkinin ortaya konulmasıdır. ⓘ
Tarih
Neoklasizm, felsefe ve Aydınlanma Çağı'nın diğer alanlarındaki gelişmelere denk düşen ve bunları yansıtan klasik dönemden doğrudan esinlenen birçok stil ve klasik antikite ruhunun yeniden canlanmasıdır ve başlangıçta önceki Rokoko stilinin aşırılıklarına karşı bir tepkiydi. Hareket genellikle Romantizmin karşıtı olarak tanımlansa da bu, belirli sanatçılar veya eserler göz önüne alındığında sürdürülebilir olmama eğiliminde olan büyük bir aşırı basitleştirmedir. Geç Neoklasizmin başlıca savunucusu olduğu varsayılan Ingres'in durumu bunu özellikle iyi bir şekilde göstermektedir. Bu canlanmanın izleri biçimsel arkeolojinin kurulmasıyla sürülebilir. ⓘ
.jpg)
Johann Joachim Winckelmann'ın yazıları hem mimaride hem de görsel sanatlarda bu akımın şekillenmesinde önemli rol oynamıştır. Thoughts on the Imitation of Greek Works in Painting and Sculpture (1750) ve Geschichte der Kunst des Alterthums ("Antik Sanatın Tarihi", 1764) adlı kitapları, Antik Yunan ve Roma sanatı arasında keskin bir ayrım yapan ve Yunan sanatı içindeki dönemleri tanımlayan, büyümeden olgunluğa ve ardından günümüze kadar etkisini sürdüren taklit veya çöküşe doğru bir yörüngenin izini süren ilk kitaplardır. Winckelmann sanatın "asil sadeliği ve sakin ihtişamı" hedeflemesi gerektiğine inanmış ve Yunan sanatının idealizmini övmüştür; bu sanatta "yalnızca en güzel haliyle doğayı değil, aynı zamanda doğanın ötesinde bir şeyi, yani Platon'un eski bir yorumcusunun bize öğrettiği gibi, yalnızca zihin tarafından yaratılan imgelerden gelen güzelliğinin belirli ideal biçimlerini" bulduğumuzu söylemiştir. Bu teori Batı sanatında yeni olmaktan çok uzaktı, ancak Yunan modellerinin yakından kopyalanmasına vurgu yapıyordu: "Bizim için büyük olmanın ya da mümkünse taklit edilemez olmanın tek yolu eskileri taklit etmektir". ⓘ
Büyük Tur'un ortaya çıkışıyla birlikte, Avrupa'da Neoklasik bir canlanmayı yayan birçok büyük koleksiyonun temellerini atan bir antik eser toplama modası başladı. Her sanatta "Neoklasisizm", "klasik" bir modelin belirli bir kanonunu ima eder. ⓘ
İngilizce'de "Neoklasisizm" terimi öncelikle görsel sanatlar için kullanılır; İngiliz edebiyatında çok daha önce başlayan benzer hareket Augustan edebiyatı olarak adlandırılır. Birkaç on yıl boyunca baskın olan bu akım, görsel sanatlarda Neoklasisizm moda olduğunda gerilemeye başlamıştı. Terimler farklı olsa da Fransız edebiyatındaki durum da benzerdi. Müzikte, dönem klasik müziğin yükselişine tanıklık etti ve "Neoklasisizm" 20. yüzyıldaki gelişmeler için kullanıldı. Bununla birlikte, Christoph Willibald Gluck'un operaları, Alceste'nin (1769) yayınlanan partisyonuna yazdığı önsözde de belirttiği gibi, süslemeyi kaldırarak, Yunan trajedisine uygun olarak koronun rolünü artırarak ve daha basit süssüz melodik çizgiler kullanarak operada reform yapmayı amaçlayan spesifik bir Neoklasik yaklaşımı temsil ediyordu. ⓘ
.jpg)
"Neoklasik" terimi 19. yüzyılın ortalarına kadar icat edilmemişti ve o zamanlar stil "gerçek stil", "reform" ve "yeniden canlanma" gibi terimlerle tanımlanıyordu; neyin yeniden canlandırıldığı önemli ölçüde değişiyordu. Antik modeller kesinlikle işin içindeydi, ancak üslup aynı zamanda Rönesans'ın yeniden canlanması ve özellikle Fransa'da, Fransa'nın baskın askeri ve siyasi konumu ciddi bir düşüşe geçerken önemli bir nostaljinin geliştiği 14. Louis döneminin daha sade ve asil Barok'una bir dönüş olarak da görülebilir. Ingres'in Napolyon'un taç giyme töreni portresi, eleştirmenlerin onaylamamasına rağmen Geç Antik Çağ konsolosluk diptiklerinden ve onların Karolenj dönemindeki yeniden canlanışından bile ödünç alınmıştı. ⓘ
Neoklasizm, aynı ortamdaki klasik modellerin nispeten çok sayıda ve erişilebilir olduğu mimari, heykel ve dekoratif sanatlarda en güçlüydü; Winckelmann'ın yazısının heykelde bulduğu nitelikleri gösteren antik resim örnekleri yoktu ve eksikti. Winckelmann, Pompeii ve Herculaneum'da keşfedilen ilk büyük Roma resimlerinin bilgisinin yayılmasında yer almış ve Gavin Hamilton dışındaki çoğu çağdaşı gibi, Genç Plinius'un kendi döneminde resmin gerilemesine ilişkin yorumlarına atıfta bulunarak bunlardan etkilenmemiştir. ⓘ
Resim sanatına gelince, Yunan resmi tamamen kaybolmuştu: Neoklasisist ressamlar, kısmen kabartma frizler, mozaikler ve çömlek boyama yoluyla, kısmen de Raphael'in kuşağının Yüksek Rönesans resim ve dekorasyon örnekleri, Nero'nun Domus Aurea'sındaki freskler, Pompeii ve Herculaneum ve Nicolas Poussin'e duyulan yenilenen hayranlık yoluyla bu resmi hayali olarak yeniden canlandırdılar. Çoğu "Neoklasik" resim, konu bakımından diğer her şeyden daha klasikleştiricidir. Yunan ve Roma sanatının göreceli değerleri üzerine on yıllar boyunca şiddetli, ancak genellikle çok kötü bilgilendirilmiş bir tartışma sürmüş, Winckelmann ve Helenist arkadaşları genellikle kazanan tarafta yer almıştır. ⓘ
Resim ve baskı resim
Erken dönem Neoklasik resmin radikal ve heyecan verici doğasını çağdaş izleyiciler için yeniden yakalamak zordur; artık bu resme olumlu yaklaşan yazarlara bile "yavan" ve "neredeyse tamamen ilgisiz" gelmektedir - Kenneth Clark'ın, arkadaşı Winckelmann'ın "kendi döneminin ve belki de daha sonraki dönemlerin en büyük sanatçısı" olarak tanımladığı Anton Raphael Mengs'in Villa Albani'deki iddialı Parnassus'u hakkındaki yorumlarından bazıları. John Flaxman'ın daha sonra baskıya dönüştürülen, Odysseia ve diğer konuları tasvir etmek için çok basit çizgi çizimi (en saf klasik araç olduğu düşünülür) ve çoğunlukla profilden figürler kullandığı ve bir zamanlar "Avrupa'nın sanatsal gençliğini ateşlediği" ancak şimdi "ihmal edildiği" çizimleri, esas olarak bir portre sanatçısı olan Angelica Kauffman'ın tarih resimleri Fritz Novotny tarafından "yapışkan bir yumuşaklığa ve sıkıcılığa" sahip olarak tanımlanır. Rokoko ciddiyetinden ve Barok hareketten arındırılmıştı ancak birçok sanatçı bunların yerine bir şey koymakta zorlanıyordu ve Flaxman'ın kullandığı Yunan vazoları dışında tarih resmi için antik örneklerin yokluğunda, Winckelmann'ın önerdiği gibi Raphael ikame model olarak kullanılma eğilimindeydi. ⓘ
Kolayca yavan olarak nitelendirilemeyecek olan diğer sanatçıların çalışmaları, Romantizmin yönlerini genel olarak Neoklasik bir üslupla birleştirdi ve her iki akımın tarihinin bir parçasını oluşturdu. Alman-Danimarkalı ressam Asmus Jacob Carstens planladığı büyük mitolojik eserlerin çok azını tamamlamış, geriye çoğunlukla Winckelmann'ın "asil sadelik ve sakin ihtişam" reçetesine yaklaşmayı başaran çizimler ve renk çalışmaları bırakmıştır. Carstens'in gerçekleşmemiş planlarının aksine, Giovanni Battista Piranesi'nin gravürleri çok sayıda ve kârlıydı ve Avrupa'nın her yerine Büyük Tur yapanlar tarafından geri alındı. Ana konusu Roma'nın binaları ve kalıntılarıydı ve modernden çok antik olan onu daha çok teşvik ediyordu. Vedute'lerinin (manzara) birçoğunun biraz tedirgin edici atmosferi, "baskıcı kiklopik mimarisi" "korku ve hayal kırıklığı rüyalarını" aktaran 16 baskıdan oluşan Carceri d'Invenzione ("Hayali Hapishaneler") serisinde baskın hale gelir. İsviçre doğumlu Johann Heinrich Füssli kariyerinin büyük bölümünü İngiltere'de geçirmiş ve temel üslubu Neoklasik ilkelere dayanmakla birlikte, konuları ve işlenişi daha çok Romantizmin "Gotik" türünü yansıtmış, dram ve heyecan uyandırmaya çalışmıştır. ⓘ
Resimdeki Neoklasizm, Jacques-Louis David'in Horatii'nin Yemini adlı eserinin 1785 Paris Salonu'ndaki sansasyonel başarısıyla yeni bir yön duygusu kazandı. Cumhuriyetçi erdemleri çağrıştırmasına rağmen bu, David'in Roma'da resmetmekte ısrar ettiği kraliyet hükümetinin bir siparişiydi. David idealist bir üslubu dram ve güçlülükle birleştirmeyi başarmıştır. Resim düzlemine dik olan merkezi perspektif, arkada yer alan ve kahraman figürlerinin bir frizde olduğu gibi yerleştirildiği, yapay ışıklandırma ve opera sahnelemesini ve Nicolas Poussin'in klasik renklendirmesini çağrıştıran loş arkad ile daha da vurgulu hale getirilmiştir. David hızla Fransız sanatının lideri haline geldi ve Fransız Devrimi'nden sonra sanat alanında devlet himayesini kontrol eden bir politikacı oldu. Napolyon döneminde etkisini korumayı başardı, açık bir şekilde propagandist çalışmalara yöneldi, ancak Bourbon Restorasyonu sırasında Brüksel'e sürgüne gitmek için Fransa'yı terk etmek zorunda kaldı. ⓘ
David'in birçok öğrencisi arasında, Neoklasizmin ana akımıyla belirsiz bir ilişkisi olan olgun bir üsluba ve daha sonra Oryantalizm ve Troubadour üslubuna yaptığı, eserlerinde çizime her zaman verdiği öncelik dışında, utanmaz Romantik çağdaşlarından ayırt edilmesi zor olan birçok sapmaya rağmen, uzun kariyeri boyunca kendisini bir klasikçi olarak gören Jean-Auguste-Dominique Ingres de vardı. Salon'da 1802'den Empresyonizm'in başlangıcına kadar 60 yıldan fazla bir süre sergi açtı, ancak tarzı bir kez oluştuktan sonra çok az değişti. ⓘ
Pantheon ve Antik Roma'nın Diğer Anıtlarıyla Fantastik Görünüm; Giovanni Paolo Panini; 1737; tuval üzerine yağlıboya; 98,9 x 137,49 cm; Güzel Sanatlar Müzesi (Houston, ABD)
Yaklaşık yüz basamakla çıkılan antik Capitol . .; Giovanni Battista Piranesi; 1750; gravür; tüm yaprağın boyutu: 33,5 × 49,4 cm; Metropolitan Sanat Müzesi (New York)
Orrery Üzerine Ders Veren Bir Filozof; Derby'li Joseph Wright; 1766; tuval üzerine yağlıboya; 1,47 x 2,03 m; Derby Müzesi ve Sanat Galerisi (Derby, İngiltere)
Sanatın Nitelikleri; Anne Vallayer-Coster; 1769; tuval üzerine yağlıboya; 90 x 121 cm; Louvre
Terk Edilmiş Ariadne; Angelica Kauffmann; 1782'den önce; tuval üzerine yağlıboya; 88 x 70,5 cm; Gemäldegalerie Alte Meister (Dresden, Almanya)
Arp ile Otoportre; Rose-Adélaïde Ducreux; 1791; tuval üzerine yağlıboya; 193 x 128,9 cm; Metropolitan Sanat Müzesi
Julie Lebrun as Flora; Élisabeth Vigée Le Brun; 1799; tuval üzerine yağlıboya; 129,5 x 97,8 cm; Güzel Sanatlar Müzesi (St. Petersburg, Florida, ABD)
Charlotte du Val d'Ognes'in Portresi; Marie-Denise Villers; 1801; tuval üzerine yağlıboya; 161,3 x 128,6 cm; Metropolitan Sanat Müzesi
Napolyon I İmparatorluk Tahtında; Jean-Auguste-Dominique Ingres; 1806; tuval üzerine yağlıboya; 2,62 x 1,62 m; Ordu Müzesi (Paris)
Romania Unchanied; Gheorghe Tattarescu; 1866; tuval üzerine yağlıboya; 31 x 24 cm; özel koleksiyon ⓘ
_MET_DP827987.jpg)
Heykel
Neoklasik resim antik modellerin eksikliğinden muzdaripse, Neoklasik heykel de bu modellerin fazlalığından muzdarip olma eğilimindeydi, ancak yaklaşık MÖ 500'de başlayan "klasik dönem "in gerçek Yunan heykel örnekleri o zamanlar çok azdı; en çok saygı gören eserler çoğunlukla Roma kopyalarıydı. Önde gelen Neoklasik heykeltıraşlar kendi dönemlerinde büyük bir üne sahipti, ancak Jean-Antoine Houdon hariç, eserleri çoğunlukla portrelerdi, çoğu zaman büstler olarak, oturan kişinin kişiliğine dair güçlü bir izlenimi idealizme feda etmeyen. Uzun kariyeri devam ettikçe tarzı daha klasik hale geldi ve Rokoko cazibesinden klasik asalete doğru oldukça yumuşak bir ilerlemeyi temsil etti. Bazı Neoklasik heykeltıraşların aksine, bakıcılarının Roma kıyafeti giymesi ya da çıplak olması konusunda ısrarcı olmamıştır. Aydınlanma Çağı'nın önemli figürlerinin çoğunu resmetmiş ve George Washington'ın bir heykelinin yanı sıra Thomas Jefferson, Ben Franklin ve yeni cumhuriyetin diğer kurucularının büstlerini yapmak için Amerika'ya gitmiştir. ⓘ
Antonio Canova ve Danimarkalı Bertel Thorvaldsen'in her ikisi de Roma'daydı ve portrelerin yanı sıra birçok iddialı gerçek boyutlu figür ve grup ürettiler; her ikisi de Neoklasik heykel sanatındaki güçlü idealleştirme eğilimini temsil ediyordu. Thorvaldsen'in daha sert olduğu yerde Canova'nın hafifliği ve zarafeti vardır; aralarındaki fark Üç Güzeller gruplarında örneklenmiştir. Tüm bunlar ve Flaxman, 1820'lerde hâlâ aktifti ve Romantizm, Neoklasizm versiyonlarının 19. yüzyılın büyük bölümünde baskın stil olarak kaldığı heykel sanatını etkilemekte yavaş kaldı. ⓘ
Heykelde erken Neoklasisistlerden biri İsveçli Johan Tobias Sergel'di. John Flaxman aynı zamanda ya da esas olarak bir heykeltıraştı ve çoğunlukla baskılarıyla karşılaştırılabilir tarzda ciddi klasik kabartmalar üretiyordu; ayrıca birkaç yıl boyunca Josiah Wedgwood için Neoklasik seramikler tasarladı ve modelledi. Johann Gottfried Schadow ve genç yaşta ölen birkaç Neoklasik heykeltıraştan biri olan oğlu Rudolph, Avusturya'da Franz Anton von Zauner ile birlikte önde gelen Alman sanatçılardı. Geç dönem Barok Avusturyalı heykeltıraş Franz Xaver Messerschmidt, kariyerinin ortasında Neoklasizme yönelmiş, kısa bir süre önce bir tür ruhsal kriz geçirmiş gibi görünmüş, ardından taşraya çekilmiş ve kendini aşırı yüz ifadelerine sahip kel figürlerden oluşan son derece belirgin "karakter başlarına" adamıştır. Piranesi'nin Carceri'si gibi bunlar da 20. yüzyılın başlarında psikanaliz çağında büyük bir ilgi gördü. Hollandalı Neoklasik heykeltıraş Mathieu Kessels, Thorvaldsen ile çalışmış ve neredeyse sadece Roma'da çalışmıştır. ⓘ
1830'lardan önce Amerika Birleşik Devletleri'nin mezar taşları, rüzgar gülleri ve gemi figürleri dışında kendine ait bir heykel geleneği olmadığından, Avrupa Neoklasik tarzı burada benimsendi ve Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers ve William Henry Rinehart'ın heykellerinde örneklenen bu tarz on yıllar boyunca etkisini sürdürecekti. ⓘ
Merkür ya da Ticaret; Augustin Pajou; 1780; mermer; yükseklik: 196 cm; Louvre
Kış; Jean-Antoine Houdon; 1783; mermer; yükseklik: 145 cm; Musée Fabre (Montpellier, Fransa)
Cephalus ve Aurora; John Flaxman tarafından; 1789-1790; muhtemelen mermer; bilinmeyen boyutlar; Lady Lever Sanat Galerisi (Merseyside, İngiltere)
_-_Cephalus_and_Aurora_(1789-90)_front,_Lady_Lever_Art_Gallery,_Port_Sunlight,_Cheshire,_June_2013_(9103113142).png)
.jpg)
Mimari ve dekoratif sanatlar
Neoklasik sanat aynı anda hem geleneksel hem yeni, hem tarihsel hem modern, hem muhafazakâr hem de ilericiydi. ⓘ
Neoklasizm ilk olarak, Roma'da eğitim görmüş ve Winckelmann'ın yazılarından etkilenmiş bir Fransız sanat öğrencileri kuşağı aracılığıyla İngiltere ve Fransa'da etkili oldu ve İsveç, Polonya ve Rusya gibi diğer ülkelerdeki ilerici çevreler tarafından hızla benimsendi. İlk başlarda klasikleşen dekor, Catherine II'nin sevgilisi Kont Orlov için İtalyan bir mimar ve İtalyan stuccadori ekibi tarafından tasarlanan iç mekanlarda olduğu gibi, tanıdık Avrupa formlarına aşılanmıştır: sadece cameo gibi izole edilmiş oval madalyonlar ve kabartma üst kapılar Neoklasisizme işaret eder; mobilyalar tamamen İtalyan Rokoko'sudur. ⓘ
Daha sert, daha çalışılmış (gravürler aracılığıyla) ve daha bilinçli bir şekilde arkeolojik olan ikinci bir Neoklasik dalga, Napolyon İmparatorluğu'nun zirvesiyle ilişkilendirilir. Fransa'da Neoklasizmin ilk aşaması "Louis XVI stili", ikincisi ise "Directoire" veya İmparatorluk olarak adlandırılan stillerde ifade edilmiştir. Rokoko tarzı, Napolyon rejimleri cumhuriyetçi eğilimleri olan genç, ilerici, şehirli İtalyanlar tarafından siyasi bir ifade olarak benimsenen yeni arkeolojik klasisizmi getirene kadar İtalya'da popülerliğini korumuştur. ⓘ
Dekoratif sanatlarda Neoklasizm, Paris, Londra, New York ve Berlin'de yapılan Empire mobilyalarında; Avusturya'da yapılan Biedermeier mobilyalarında; Karl Friedrich Schinkel'in Berlin'deki müzelerinde, Sir John Soane'nin Londra'daki İngiltere Bankası'nda ve Washington, D.C.'de yeni inşa edilen "başkent "te; Wedgwood'un kabartmalarında ve "siyah bazalt" vazolarında örneklenmiştir. Bu tarz uluslararası bir nitelik taşıyordu; İskoç mimar Charles Cameron, Almanya doğumlu Büyük Katerina II için Rusya'nın St. ⓘ
Neoklasisizm, Pompei ve Herculaneum'daki yeniden keşiflerden esinlenerek gerçek klasik iç mekanı keşfetti. Bunlar 1740'ların sonlarında başlamıştı, ancak geniş bir kitleye ancak 1760'larda, Le Antichità di Ercolano'nun (Herculaneum'un Eski Eserleri) ilk lüks ciltlerinin sıkı kontrollü dağıtımıyla ulaşabildi. Herculaneum'un antik eserleri, Barok'un en klasikleşen iç mekanlarının ya da William Kent'in en "Romalı" odalarının bile bazilika ve tapınak dış mimarisine dayandığını ve bu nedenle modern gözlere genellikle bombastik göründüklerini gösterdi: alınlıklı pencere çerçeveleri yaldızlı aynalara dönüştü, şömineler tapınak cepheleriyle kaplandı. Yeni iç mekanlar, otantik bir Roma ve gerçek bir iç mekan kelime dağarcığını yeniden yaratmaya çalıştı. ⓘ
Bu tarzda kullanılan teknikler arasında daha düz, hafif motifler, alçak friz benzeri kabartmalarla yontulmuş ya da monoton en camaïeu ("cameo gibi") boyanmış, izole madalyonlar ya da vazolar ya da büstler ya da bucrania ya da diğer motifler, defne ya da kurdele dalları üzerinde asılı, belki de "Pompei kırmızısı" ya da soluk tonlar ya da taş renklerinden oluşan arka planlara karşı ince arabeskler yer alıyordu. Fransa'daki stil başlangıçta bir saray stili değil, bir Paris stili olan Goût grec ("Yunan stili") idi; Louis XVI 1774'te tahta geçtiğinde, modayı seven Kraliçesi Marie Antoinette saraya "Louis XVI" stilini getirdi. Bununla birlikte, yüzyılın başlarına kadar Roma mobilyasının temel formlarını kullanmaya yönelik gerçek bir girişim olmamıştır ve mobilyacıların antik mimariden ödünç alma olasılığı daha yüksektir, tıpkı gümüşçülerin metal işçiliğinden ziyade antik çömlekçilik ve taş oymacılığından alma olasılığının daha yüksek olması gibi: "Tasarımcılar ve zanaatkârlar ... motifleri bir ortamdan diğerine aktarmaktan neredeyse sapkın bir zevk almış gibi görünüyorlar". ⓘ
Yaklaşık 1800'den itibaren gravür ve gravürler aracılığıyla görülen Yunan mimari örneklerinin yeni bir akını, Neoklasizme, Yunan Uyanışına yeni bir ivme kazandırdı. Aynı zamanda İmparatorluk tarzı, mimari ve dekoratif sanatlarda Neoklasizmin daha görkemli bir dalgasıydı. Temelde Roma İmparatorluk stillerine dayanan bu stil, Napolyon'un liderliğini ve Fransız devletini idealize etmeyi amaçladığı Birinci Fransız İmparatorluğu'ndaki Napolyon yönetiminden kaynaklanmış ve adını buradan almıştır. Bu tarz, Almanca konuşulan topraklarda daha burjuva olan Biedermeier tarzına, Amerika Birleşik Devletleri'nde Federal tarza, İngiltere'de Regency tarzına ve İsveç'te Napolyon tarzına karşılık gelmektedir. Sanat tarihçisi Hugh Honour'a göre "bazen sanıldığı gibi Neoklasik hareketin doruk noktası olmaktan çok uzak olan İmparatorluk, onun hızlı düşüşüne ve bir kez daha, başyapıtlarına ilham veren tüm yüksek fikirlerden ve inanç gücünden arınmış, yalnızca antik bir canlanmaya dönüşmesine işaret eder". Tarzın daha önceki bir aşaması Büyük Britanya'da Adam tarzı, Fransa'da ise "Louis Seize" ya da Louis XVI olarak adlandırılmıştır. ⓘ
Neoklasizm 19. yüzyıl boyunca ve sonrasında akademik sanatta önemli bir güç olmaya devam etti - Romantizm ya da Gotik canlanmaların sürekli bir antitezi olarak - ancak 19. yüzyılın sonlarından itibaren etkili eleştirel çevrelerde genellikle modernizm karşıtı, hatta gerici olarak değerlendirildi. Petersburg ve Münih başta olmak üzere birçok Avrupa kentinin merkezi, Neoklasik mimarinin müzeleri gibi görünmeye başladı. ⓘ
Gotik canlanma mimarisi (genellikle Romantik kültürel hareketle bağlantılıdır), 18. yüzyılda ortaya çıkan ve 19. yüzyıl boyunca popülaritesi artan bir tarz olarak Neoklasizm ile tezat oluşturuyordu. Neoklasizm, Yunan ve Roma etkisindeki stiller, geometrik çizgiler ve düzen ile karakterize edilirken, Gotik canlanma mimarisi, genellikle rustik, "romantik" bir görünüme sahip olacak şekilde yapılmış ortaçağ görünümlü binalara vurgu yapmıştır. ⓘ
Fransa
Louis XVI stili (1760-1789)
.jpg)
.jpg)
.jpg)
Rokoko'dan Klasisizme geçişi işaret eder. Süslemeleri sembollere dönüştüren Louis XIV Klasisizminin aksine, Louis XVI stili onları mümkün olduğunca gerçekçi ve doğal olarak temsil eder, yani defne dalları gerçekten defne dalıdır, güller aynıdır vb. Ana dekoratif ilkelerden biri simetridir. İç mekanlarda kullanılan renkler çok parlaktır; beyaz, açık gri, parlak mavi, pembe, sarı, çok açık leylak ve altın gibi. Aşırı süslemeden kaçınılmıştır. Antik döneme dönüş, her şeyden önce düz çizgilere dönüşle eş anlamlıdır: katı dikeyler ve yataylar günün düzeniydi. Arada bir yarım daire veya oval dışında, yılankavi olanlara artık müsamaha gösterilmiyordu. İç mekan dekorasyonu da bu titizlik zevkini onurlandırdı ve sonuç olarak düz yüzeyler ve dik açılar modaya geri döndü. Süsleme bu ciddiyete aracılık etmek için kullanıldı, ancak hiçbir zaman temel çizgilere müdahale etmedi ve her zaman merkezi bir eksen etrafında simetrik olarak yerleştirildi. Yine de, ébénistes aşırı sertlikten kaçınmak için sık sık ön açıları eğimlendirmiştir. ⓘ
Louis XVI tarzının dekoratif motifleri antik çağlardan, Louis XIV tarzından ve doğadan esinlenmiştir. Tarzın karakteristik unsurları: oklu bir kılıfla çaprazlanmış bir meşale, iç içe geçmiş diskler, guilloché, çift yay düğümleri, tüten mangallar, küçük motiflerin doğrusal tekrarları (rozetler, boncuklar, ovaller), düğümlü bir şeritten sarkan kupa veya çiçek madalyonları, akantus yaprakları, gadrooning, interlace, meanderler, cornucopias, maskaronlar, Antik çömlekler, tripodlar, parfüm brülörleri, yunuslar, koç ve aslan başları, kimeralar ve gryphonlar. Greko-Romen mimari motifleri de çok kullanılmıştır: yivler, pilasterler (yivli ve yivsiz), yivli korkuluklar (burgulu ve düz), sütunlar (geçmeli ve geçmesiz, bazen karyatidlerle değiştirilmiş), volütlü taçlar, guttae'li triglifler (kabartma ve trompe-l'œil). ⓘ
École Militaire'in (Paris) merkezi pavyonu, 1752, Ange-Jacques Gabriel tarafından
Panthéon (Paris), 1758-1790, Jacques-Germain Soufflot (1713-1780) ve Jean-Baptiste Rondelet (1743-1829) tarafından
Hôtel de la Marine (Paris), 1761-1770, Ange-Jacques Gabriel tarafından
Madame du Barry Komodini; Martin Carlin (atıf); 1772; inci ağacı, gül ağacı ve amaranth ile kaplanmış meşe taban, yumuşak hamurlu Sèvres porseleni, bronz yaldız, beyaz mermer; 87 x 119 cm; Louvre
Hôtel du Châtelet (Paris), 1776
Bordeaux Büyük Tiyatrosu Merdivenleri (Bordeaux, Fransa), 1777-1780, Victor Louis tarafından
Paris köşe dolabı; Jean Henri Riesener; 1780-1790; meşe, maun, mermer ve ormolu montürler; 94,3 × 81,3 × 55,9 cm; Chicago Sanat Enstitüsü (ABD)
Büyük vazo; 1783; sert porselen ve yaldızlı bronz; yükseklik: 2 m, çap: 0,90 m; Louvre
Marie-Antoinette'in Versailles Sarayı'ndaki (Versailles, Fransa) Doré Kabinesi, 1783, Rousseau kardeşler tarafından
Marie-Antoinette'in Roll-top masası; Jean-Henri Riesener; 1784; meşe ve çam çerçeve, çınar, amaranth ve gül ağacı kaplama, bronz yaldız; 103,6 x 113,4 cm; Louvre
Marie-Antoinette'in yazı masası; Adam Weisweiler; 1784; meşe, abanoz ve çınar kaplama, Japon lake, çelik, bronz yaldız; 73,7 x 81. 2 cm; Louvre
İbrik; 1784-1785; gümüş; yükseklik: 32,9 cm; Metropolitan Sanat Müzesi
Katlanır tabure (esnek); 1786; oyma ve boyalı kayın ağacı, pembe ipek kaplı; 46,4 × 68,6 × 51,4 cm; Metropolitan Sanat Müzesi
Bir çift vazo; 1789; sert hamurlu porselen, yaldızlı bronz, mermer; yükseklik (her biri): 23 cm; Metropolitan Sanat Müzesi
Louis XVI'nın Saint Cloud'daki Salon des Jeux'sünden koltuk (fauteuil); 1788; oyma ve yaldızlı ceviz, altın sırmalı ipek (orijinal değil); toplam: 100 × 74,9 × 65,1 cm; Metropolitan Sanat Müzesi ⓘ
_(51346237676).jpg)
.jpg)
_2_(cropped_and_fixed_angles).jpg)
.jpg)
.jpg)
_(one_of_a_pair)_MET_DP113122.jpg)
_from_Louis_XVI%27s_Salon_des_Jeux_at_Saint_Cloud_MET_DP113960.jpg)
Directoire stili (1789-1804)
Hôtel de Villette'in (Paris) girişi, bilinmeyen tarih, bilinmeyen mimar
Hôtel Gouthière'de (Paris) bir arabesk kazanan panel, bilinmeyen tarih, bilinmeyen mimar
Astronomik saat; Philippe-Jacques Corniquet; 1794; yaldızlı bronz ve emaye yüz; bilinmeyen boyutlar; Musée des Arts Décoratifs (Paris)
Yelpaze; Charles Percier, Pierre-François-Léonard Fontaine ve Antoine Denis Chaudet; 1797-1799; kağıt, ahşap ve kemik; 23,5 x 43,8 cm; Metropolitan Sanat Müzesi (New York)
Madam Récamier'nin salon koltuğu; Jacob Frères'e atfedilmiştir; 1798; çeşitli ahşap türleri; 84,5 x 62,2 x 62 cm; Musée des Arts Décoratifs ⓘ
.jpg)
.jpg)
.jpg)
İmparatorluk tarzı (1804-1815)
Sanat da dahil olmak üzere tüm yaşam alanlarına yön veren devrimden çıkan yeni Fransız toplumunu temsil eder. Jakar makinesi bu dönemde icat edilir (o zamana kadar manuel olan tüm dikiş sisteminde devrim yaratır). Baskın renklerden biri, yaldızlı bronzla süslenmiş kırmızıdır. Beyaz, krem, mor, kahverengi, bleu, koyu kırmızı gibi parlak renkler de yaldızlı bronzdan küçük süslemelerle birlikte kullanılır. İç mimari, yaldızlı kabartmalarla süslenmiş ahşap paneller içerir (beyaz bir zemin veya renkli bir zemin üzerinde). Motifler geometrik olarak yerleştirilmiştir. Duvarlar stuccos, duvar kağıdı ve kumaşlarla kaplıdır. Şömine şömineleri beyaz mermerden yapılmış, köşelerinde karyatidler ya da dikilitaşlar, sfenksler, kanatlı aslanlar gibi başka unsurlar bulunmaktadır. Üstlerine, mantel saatleri de dahil olmak üzere bronz nesneler yerleştirilmiştir. Kapılar, Pompeian esintili merkezi bir figürle süslenmiş basit dikdörtgen panellerden oluşur. İmparatorluk kumaşları, beyaz veya kahverengi zeminli damasklar, yeşil, pembe veya mor zeminli satenler, aynı renklerde kadifeler, altın veya gümüşle broşlanmış broşlar ve pamuklu kumaşlardır. Bunların hepsi iç mekanlarda perdeler, bazı mobilyaların kaplanması, minderler veya döşemeler için kullanılmıştır (deri de döşemelik olarak kullanılmıştır). ⓘ
Tüm Empire süslemeleri, Louis XIV tarzını anımsatan titiz bir simetri ruhu tarafından yönetilir. Genel olarak, bir parçanın sağ ve sol taraflarındaki motifler her ayrıntıda birbiriyle örtüşür; örtüşmedikleri durumlarda ise tek tek motiflerin kendileri kompozisyon olarak tamamen simetriktir: her omuza düşen aynı saçlara sahip antik başlar, simetrik olarak dizilmiş tuniklere sahip önden Zafer figürleri, bir kilit levhasını çevreleyen aynı rozetler veya kuğular, vb. Louis gibi, Napolyon'un da yönetimiyle açıkça ilişkilendirilen bir dizi amblemi vardı; bunların en önemlileri kartal, arı, yıldızlar ve genellikle imparatorluk defne tacının içine yazılan I (Imperator için) ve N (Napolyon için) harfleriydi. Kullanılan motifler şunlardır: palmiye dalları taşıyan Zafer figürleri, Yunan dansçılar, çıplak ve örtülü kadınlar, antik savaş arabası figürleri, kanatlı putti, Apollo, Hermes ve Gorgon maskaronları, kuğular, aslanlar, öküz başları, atlar ve vahşi hayvanlar, kelebekler, pençeler, kanatlı kimeralar, sfenksler, bucrania, deniz atları, ince kurdelelerle düğümlenmiş meşe çelenkleri, tırmanan üzüm asmaları, gelincik rinceaux, rozetler, palmiye dalları ve defne. Greko-Romen olanları çoktur: sert ve düz akantus yaprakları, palmetler, cornucopias, boncuklar, amforalar, tripodlar, imbricated diskler, Merkür kadüsleri, vazolar, miğferler, yanan meşaleler, kanatlı trompetçiler ve antik müzik aletleri (tubalar, çıngıraklar ve özellikle lirler). Antik kökenlerine rağmen, XVI Louis döneminde çok yaygın olan yiv ve triglifler terk edilmiştir. Mısır Uyanışı motifleri özellikle dönemin başında yaygındır: bokböcekleri, lotus başlıkları, kanatlı diskler, dikilitaşlar, piramitler, nemes giyen figürler, çıplak ayakla desteklenen ve Mısırlı kadın başlıklarıyla caryatid en gaine. ⓘ
Cezve; 1797-1809; gümüş yaldız; yükseklik: 33.3 cm; Metropolitan Sanat Müzesi (New York)
Château de Malmaison'da (Rueil-Malmaison, Fransa) İmparatoriçe Joséphine'in Yatak Odası, 1800-1802, Charles Percier ve Pierre-François-Léonard Fontaine tarafından
Lavabo (athénienne veya lavabo); 1800-1814; porsuk ağacından ayaklar, taban ve raf, yaldızlı bronz montürler, rafın altında demir levha; yükseklik: 92,4 cm, genişlik: 49,5 cm; Metropolitan Sanat Müzesi
Palais Bourbon'un (Paris) portikosu, 1806-1808, Bernard Poyet tarafından
La Madeleine (Paris), 1807-1842, Pierre-Alexandre Vignon tarafından
Vazo; 1809; sert hamurlu porselen ve yaldızlı bronz kulplar; yükseklik: 74,9 cm, çap: 35,6 cm; Wadsworth Atheneum (Hartford, Connecticut, ABD)
Mısır Revival sikke dolabı; François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter; 1809-1819; maun (muhtemelen Swietenia mahagoni), aplike ve kakma gümüş; 90,2 x 50,2 x 37,5 cm; Metropolitan Museum of Art
Mars ve Venüs'lü saat; 1810 civarı; yaldızlı bronz ve patine; yükseklik: 90 cm; Louvre
Halı; 1814-1830; 309,9 × 246,4 cm; Metropolitan Sanat Müzesi ⓘ
.jpg)
_MET_DP106594.jpg)
.jpg)
İtalya
İtalya, 18. yüzyılın ikinci yarısından 19. yüzyıla kadar büyük sosyo-ekonomik değişimler, çeşitli yabancı istilalar ve 1861'de İtalya'nın birleşmesiyle sonuçlanan çalkantılı Risorgimento'dan geçmiştir. Böylece İtalyan sanatı bir dizi küçük ve büyük stil değişikliğinden geçmiştir. ⓘ
İtalyan Neoklasisizmi, Neoklasisizm olarak bilinen genel dönemin en erken tezahürüydü ve neoklasisizmin diğer ulusal varyantlarından daha uzun sürdü. Yaklaşık 1750'lerde Barok stile karşı gelişmiş ve yaklaşık 1850'ye kadar sürmüştür. Neoklasizm, Pompei'nin yeniden keşfedildiği dönemde başlamış ve İtalya'daki Büyük Tur'dan ülkelerine dönen bir nesil sanat öğrencisinin Greko-Romen ideallerini yeniden keşfetmesiyle tüm Avrupa'ya yayılmıştır. İlk olarak 18. yüzyılın ikinci yarısında Antonio Canova ve Jacques-Louis David gibi sanatçıların aktif olduğu Roma'da merkezlenmiş, ardından Paris'e taşınmıştır. Canaletto ve Giovanni Paolo Panini gibi Vedute ressamları da Büyük Tur sırasında büyük bir başarı elde etmiştir. Neoklasik mimari, Palladio'nun Rönesans eserlerinden esinlenmiş ve Luigi Vanvitelli ve Filippo Juvarra'da stilin ana yorumcularını görmüştür. ⓘ
Klasisist edebiyatın Risorgimento hareketi üzerinde büyük etkisi olmuştur: dönemin başlıca figürleri arasında Vittorio Alfieri, Giuseppe Parini, Vincenzo Monti ve Ugo Foscolo, Giacomo Leopardi ve Alessandro Manzoni (Cesare Beccaria'nın yeğeni) yer almakta olup bunlar aynı zamanda Fransız Aydınlanması ve Alman Romantizminden de etkilenmişlerdir. Virtüöz kemancı Paganini ve Rossini, Donnizetti, Bellini ve daha sonra Verdi'nin operaları İtalyan klasik ve romantik müziğinde sahneye hakim oldu. ⓘ
Francesco Hayez'in ve özellikle Macchiaioli'nin sanatı, İtalya'nın birleşmesiyle sona eren klasik ekolden bir kopuşu temsil ediyordu (bkz. İtalyan modern ve çağdaş sanatı). Neoklasisizm, Rönesans ve Barok'tan sonra tüm Batı Sanatına yayılan son İtalyan kökenli üsluptur. ⓘ
Giuseppe Piermarini tarafından 1778 yılında tamamlanan La Scala Opera Binası
Palazzo Belgioioso, 1781 yılında Giuseppe Piermarini tarafından inşa edilmiştir
Villa Belgiojoso Bonaparte, 1790 ve 1796 yılları arasında mimar Leopoldo Pollack tarafından inşa edilmiştir
Giuseppe Valadier tarafından 1811-1822 yılları arasında yeniden tasarlanan Roma'daki Piazza del Popolo
Napoli'deki Piazza del Plebiscito (1809 - 1846)
Birleşik Krallık
Adam stili, 1777 yılında iç mekan süslemelerini içeren bir gravür cildi yayınlayan Adam ve James adlı iki kardeş tarafından yaratılmıştır. Robert Adam'ın çizimlerinden sonra yapılan iç dekorasyonda duvarlar, tavanlar, kapılar ve diğer tüm yüzeyler büyük panellere bölünmüştür: dikdörtgen, yuvarlak, kare, kenarlarında stukolar ve Greko-Romen motifler. Kullanılan süslemeler arasında fistolar, inciler, yumurta ve dart bantları, madalyonlar ve Klasik antik dönemde kullanılan diğer motifler (özellikle Etrüsk motifleri) yer alır. Kül şeklindeki taş vazolar, yaldızlı gümüş eşyalar, lambalar ve stauette'ler gibi dekoratif aksesuarların hepsinin ilham kaynağı aynıdır: Klasik Antik Çağ. Adam stili, tablolar gibi çerçevelenmiş (stilize yapraklı çerçeveler içinde) veya üzerlerinde bir vazo veya madalyonu destekleyen bir alınlık bulunan zarif dikdörtgen aynaları vurgular. Adam aynalarının bir başka tasarımı da, daha ince ve uzun iki ayna arasında büyük bir merkezi ayna ile Venedik penceresi şeklindedir. Bir başka ayna türü de genellikle fistolarla süslü oval olanlardır. Bu tarzdaki mobilyalar XVI Louis mobilyalarına benzer bir yapıya sahiptir. ⓘ
Adam stilinin yanı sıra, dekoratif sanatlar söz konusu olduğunda İngiltere, Etruria adında bir çömlekçilik kuran seramik üreticisi Josiah Wedgwood (1730-1795) ile de tanınır. Wedgwood eşyaları, sert ve ince taneli bir taş eşya türü olan jasperware adı verilen bir malzemeden yapılmıştır. Wedgwood vazoları genellikle iki renkte kabartmalarla süslenir, çoğu durumda figürler beyaz ve arka plan mavidir. ⓘ
Kedleston Hall (Kedleston, Derbyshire, İngiltere), 1760-1770, Robert Adam
Yemek Odası (Osterley Park, Londra), 1761, Robert Adam tarafından
The Hall (Osterley Park), 1767, Robert Adam tarafından
Halı; Robert Adam; 1770-1780; düğümlü yün; 505,5 x 473,1 cm; Metropolitan Sanat Müzesi (New York)
Virgil'in Apotheosis'i; John Flaxman tarafından; 1776; jasperware; çap: 41 cm; Harris Müzesi (Preston, Lancashire, Birleşik Krallık)
Somerset House (Londra), 1776-1801, William Chambers tarafından
Kaide üzerinde Urn; 1780 dolayları, sonraki eklemelerle; Robert Adam; kakma maun; yükseklik: 49,8 cm; Metropolitan Sanat Müzesi
Çok sayıda akantus yapraklı ve iki bukranyalı yan sehpa; Robert Adam; 1780, sonradan eklenmiş; maun; toplam: 88,6 × 141,3 × 57,1 cm; Metropolitan Sanat Müzesi
.jpg)
.jpg)
,_Harris_Museum.JPG)
.jpg)
_-_Covered_Urn_-_1951.301.2_-_Cleveland_Museum_of_Art.jpg)
Birleşik Devletler
Amerika kıtasında mimari ve iç dekorasyon Avrupa'da geliştirilen stillerden oldukça etkilenmiştir. Fransız zevki güney eyaletlerindeki varlığını oldukça belirginleştirmiştir (Fransız Devrimi'nden sonra bazı göçmenler buraya taşınmıştır ve Kanada'da nüfusun büyük bir kısmı Fransız kökenlidir). Amerikalıların o dönemdeki pratik ruhu ve maddi durumu iç mekanlara tipik bir atmosfer kazandırmıştır. Tüm Amerikan mobilyaları, halıları, sofra takımları, seramik ve gümüş eşyaları, tüm Avrupa etkileri ve bazen İslami, Türk veya Asya etkileri ile Amerikan normlarına, zevkine ve işlevsel gereksinimlerine uygun olarak yapılmıştır. ABD'de bir Queen Anne stili, bir de Chippendale stili dönemi yaşanmıştır. Kendine özgü bir stil olan Federal stil, 18. yüzyılda ve 19. yüzyılın başlarında tamamen Britanya zevkinden etkilenerek gelişmiştir. Neoklasizmin dürtüsü altında mimari, iç mekânlar ve mobilyalar yaratılmıştır. Stil, devletten devlete farklılık gösteren çok sayıda özelliğe sahip olmasına rağmen, üniterdir. Mimarinin, iç mekanların ve mobilyaların yapıları Klasisisttir ve Barok ve Rokoko etkilerini içerir. Kullanılan şekiller arasında dikdörtgenler, ovaller ve hilaller yer alır. Duvarlar ve tavanlardaki sıva veya ahşap paneller Klasisist motifleri yeniden üretir. Mobilyalar genellikle çiçekli kakmalar ve bronz ya da pirinç kakmalarla (bazen yaldızlı) süslenmiştir. ⓘ
Akçaağaç sekreter; 1790 civarı; akçaağaç ve pirinç; yükseklik: 242,57 cm; Los Angeles County Sanat Müzesi (ABD)
Şamdan; 1790-1800; maun, huş ağacı ve çeşitli kakmalar; 107 x 49,21 x 48,9 cm; Los Angeles County Sanat Müzesi
Yazı masası; 1790-1810; saten ağacı, maun, lale kavağı ve çam; 153,67 x 90,17 x 51,44 cm; Los Angeles County Sanat Müzesi
Beyaz Saray (Washington, D.C.), 1792-1829, James Hoban tarafından
Capitol Binası (Washington, D.C.), 1793-1863, William Thornton ve Thomas Ustick Walter tarafından
Federal Hill Konağı (My Old Kentucky Home State Park, Bardstown, Kentucky), 1795
Koltuk; muhtemelen Ephraim Haines; 1805-1815; maun ve kamış; yükseklik: 84,77 cm, genişlik: 52,07 cm; Los Angeles County Sanat Müzesi
Ananas süslemeli dört sütunlu ayaklı kart masası; 1815-1820; maun, lale kavağı ve çam ağacı; 74,93 x 92,71 x 46,67 cm; Los Angeles County Sanat Müzesi
Rotunda (Virginia Üniversitesi, Charlottesville, Virginia), Thomas Jefferson tarafından, 1822-1826
Güney Carolina Eyalet Binası (Columbia, Güney Carolina), 1855, John Rudolph Niernsee tarafından ⓘ
.jpg)
_at_My_Old_Kentucky_Home_State_Park,_Bardstown_KY.jpg)
Bahçeler
İngiltere'de Augustan edebiyatı, Augustan peyzaj tasarımı tarzıyla doğrudan paralellik göstermiştir. Bağlantılar Alexander Pope'un çalışmalarında açıkça görülmektedir. Neoklasik İngiliz bahçelerinin günümüze ulaşan en iyi örnekleri Chiswick House, Stowe House ve Stourhead'dir. ⓘ
Neoklasizm ve moda
Moda alanında Neoklasizm, Fransız Devrimi'nden çok önce kadın kıyafetlerinin çok daha sadeleşmesini ve uzun süredir devam eden beyaz modasını etkilemiştir, ancak antik tarzları taklit etmeye yönelik kapsamlı girişimler Fransa'da, en azından kadınlar için, ancak devrimden sonra moda olmuştur. Klasik kostümler uzun zamandır Yunan ya da Roma mitlerinden bir figürün portresinde poz veren modaya uygun hanımlar tarafından giyiliyordu (özellikle 1780'lerde genç model Emma, Lady Hamilton'ın bu tür portreleri çok yaygındı), ancak bu tür kostümler Devrim dönemine kadar sadece portre oturumu ve maskeli balolar için ve belki de diğer egzotik tarzlar gibi evde soyunmak için giyiliyordu. Ancak Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien ve diğer Parisli trend belirleyicilerin portrelerinde giydikleri tarzlar, toplum içine çıkmak için de kullanılıyordu. Mme Tallien'i operada gören Talleyrand şöyle bir espri yapmıştı: "Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement!" ("İnsan daha görkemli bir şekilde soyunamaz"). 1788'de, Devrim'den hemen önce, saray portrecisi Louise Élisabeth Vigée Le Brun, hanımların düz beyaz Grek tunikleri giydiği bir Yunan yemeği düzenlemişti. Kısa klasik saç modelleri, mümkünse bukleli, daha az tartışmalı ve çok yaygın olarak benimsenmişti ve saçlar artık açık havada bile örtülmüyordu; gece kıyafetleri hariç, boneler veya diğer örtüler genellikle daha önce kapalı mekanlarda bile giyiliyordu. Bunun yerine saçları bağlamak ya da süslemek için ince Yunan tarzı kurdeleler ya da fileler kullanılıyordu. ⓘ
Çok hafif ve bol elbiseler, genellikle beyaz ve genellikle şaşırtıcı derecede çıplak kollarla, ayak bileğinden korsajın hemen altına kadar şeffaf bir şekilde yükselir ve burada vücudu çevreleyen, genellikle farklı bir renkte, güçlü bir şekilde vurgulanmış ince bir etek ucu veya kravat bulunurdu. Bu şekil Napolyon'un Birinci Fransız İmparatorluğu'ndan öncesine dayanmasına rağmen günümüzde genellikle İmparatorluk silueti olarak bilinmektedir, ancak ilk İmparatoriçe Joséphine de Beauharnais bu siluetin Avrupa'da yayılmasında etkili olmuştur. Genellikle düz kırmızı renkte olan ancak portrelerde süslü bir bordürü bulunan uzun dikdörtgen bir şal ya da örtü, soğuk havalarda yardımcı olur ve görünüşe göre otururken göbeğin etrafına serilirdi - yayılan yarı yatık duruşlar tercih edilirdi. 19'uncu yüzyılın başlarında, bu tarz stiller Avrupa'da geniş çapta yayılmıştı. ⓘ
Erkekler için neoklasik moda çok daha sorunluydu ve genç erkekler için peruk ve ardından beyaz saç pudrası kullanımını ortadan kaldıran daha kısa stillerde önemli bir rol oynadığı saç dışında hiçbir zaman gerçekten gelişmedi. Pantolon Yunanlılar ve Romalılar için barbarlığın sembolüydü ama ressamların ve özellikle de heykeltıraşların atölyeleri dışında çok az erkek onu terk etmeye hazırdı. Gerçekten de bu dönem, saf pantolon ya da pantalonun, Eski Rejim'in culotte ya da diz altı pantolonlarına karşı zaferine tanıklık etmiştir. David, 1792'de her şeyi değiştirmeye yönelik Devrimci coşkunun doruğa ulaştığı dönemde hükümetin talebi üzerine yeni bir Fransız "ulusal kostümü" tasarladığında bile, bu kostüm diz üstünde biten bir ceketin altında oldukça dar bir tozluk içeriyordu. Hali vakti yerinde genç erkeklerin büyük bir kısmı Fransız Devrim Savaşları nedeniyle kilit dönemin çoğunu askerlik hizmetinde geçirdi ve önü kısa, dar pantolonların tam olarak görünmesini sağlayan ceketleri vurgulamaya başlayan askeri üniforma, görevde değilken de sıklıkla giyildi ve sivil erkek stillerini etkiledi. ⓘ
Pantolon sorunu sanatçılar tarafından çağdaş tarih resimleri yaratmanın önünde bir engel olarak görülmüştü; çağdaş giyimin diğer unsurları gibi pantolonlar da pek çok sanatçı ve eleştirmen tarafından kurtarılamaz derecede çirkin ve kahramanlık dışı olarak görülüyordu. Onları modern sahnelerde tasvir etmekten kaçınmak için çeşitli taktikler kullanıldı. Gavin Hamilton'ın James Dawkins ve Robert Wood Palmira Harabelerini Keşfederken (1758) adlı eserinde iki centilmen antikacı toga benzeri Arap giysileri içinde gösterilmiştir. John Singleton Copley'nin Watson ve Köpekbalığı (1778) adlı resminde ana figürün çıplak gösterilmesi makuldür ve kompozisyon öyle bir şekildedir ki, gösterilen diğer sekiz adamdan sadece biri tek bir bacağını belirgin bir şekilde göstermektedir. Ancak Amerikalı Copley ve Benjamin West, West'in General Wolfe'un Ölümü (1770) ve Copley'in Binbaşı Peirson'un Ölümü, 6 Ocak 1781 (1783) gibi eserleriyle pantolonun kahramanlık sahnelerinde kullanılabileceğini başarıyla gösteren sanatçıların başını çekti. 1819'da tamamlanan Medusa'nın Salı'nda pantolondan hâlâ özenle kaçınılıyordu. ⓘ
Klasik olarak esinlenilen erkek saç stilleri arasında, muhtemelen modern erkek stillerinin çoğunun öncüsü olan ve radikal politikacı 5. Bedford Dükü Francis Russell tarafından saç pudrası vergisine karşı bir protesto olarak icat edilen Bedford Crop yer alıyordu; Russell arkadaşlarını, bunu yapmayacaklarına dair bahse girerek bu stili benimsemeye teşvik etmişti. Bir diğer etkili stil (ya da stil grubu) Fransızlar tarafından Titus Junius Brutus'a (sıklıkla varsayıldığı gibi aslında Roma İmparatoru Titus değil) atfen "à la Titus" olarak adlandırılmıştır; saçlar kısa ve kat kattır ancak bir şekilde tepede toplanır, genellikle ölçülü kuaförler ya da aşağı sarkan bukleler bulunur; varyantları hem Napolyon'un hem de Birleşik Krallık'tan George IV'ün saçlarından bilinmektedir. Bu tarzın, Voltaire'in Brutus (oğlu Titus'un idamını emreden Lucius Junius Brutus hakkında) gibi eserlerin yapımlarında peruklu rol arkadaşlarını gölgede bırakan aktör François-Joseph Talma tarafından ortaya atıldığı düşünülmektedir. 1799 yılında bir Paris moda dergisi kel erkeklerin bile Titus peruklarını benimsediğini ve bu tarzın kadınlar tarafından da kullanıldığını bildirmiştir. 1802 yılında Journal de Paris "zarif kadınların yarısından fazlasının saçlarını ya da peruklarını à la Titus taktığını" yazmıştır. ⓘ
James Dawkins ve Robert Wood Palmira Harabelerini Keşfederken, yazan Gavin Hamilton (1758)
Jacques-Louis David imzalı Madam Raymond de Verninac, Directoire tarzında kıyafetler ve sandalye ile. "7. Yıl": yani 1798-1799
Madam Récamier'nin Portresi, Jacques-Louis David, 1800
Elizabeth Alexeievna, Rusya İmparatoriçesi, 1802 yılında ⓘ
.jpg)
Geç Neoklasisizm
| Üzerine bir serinin parçası ⓘ |
| Klasisizm |
|---|
| Klasik Antik Çağ |
|
| Aydınlanma Çağı |
|
| 20. yüzyıl neoklasisizmi |
|
Amerikan mimarisinde Neoklasizm, yaklaşık 1890-1917 yılları arasındaki Amerikan Rönesans hareketinin bir ifadesiydi; son tezahürü Beaux-Arts mimarisindeydi ve son büyük kamu projeleri Lincoln Anıtı (o dönemde çok eleştirildi), Washington, D.C.'deki Ulusal Sanat Galerisi (aynı zamanda mimarlık camiası tarafından tasarımında geri kafalı ve eski moda olduğu gerekçesiyle ağır bir şekilde eleştirildi) ve Amerikan Doğa Tarihi Müzesi'nin Roosevelt Anıtı'ydı. Bunlar tamamlandıklarında stilistik anakronizm olarak değerlendirilmişti. İngiliz Raj'ında Sir Edwin Lutyens'in Yeni Delhi için yaptığı anıtsal şehir planlaması Neoklasizmin gün batımına işaret eder. İkinci Dünya Savaşı, efsanevi bir zamana duyulan özlemi (ve taklidi) paramparça edecekti. ⓘ
Fransa'da Auguste Perret gibi muhafazakâr modernist mimarlar, fabrika binalarında bile sütunlu mimarinin ritimlerini ve aralıklarını korudular. Bir kolonad "gerici" olarak kınanırken, bir binanın tekrar eden bir friz altındaki pilaster benzeri yivli panelleri "ilerici" görünüyordu. Pablo Picasso, I. Dünya Savaşı'nı takip eden yıllarda klasikleşen motiflerle denemeler yaptı ve 1925 Paris Exposition des Arts Décoratifs'in ardından öne çıkan Art Deco tarzı, genellikle Neoklasik motifleri açıkça ifade etmeden kullandı: É.- J. Ruhlmann ya da Süe & Mare'nin sert, bloklu komodinleri; her mecrada genç kızların ve ceylanların keskin, son derece alçak kabartma frizleri; Grek çizgilerini yeniden yaratmak için dökümlü ya da önden kesilmiş moda elbiseler; Isadora Duncan'ın sanat dansı; 1950 gibi geç bir tarihte inşa edilen ABD postanelerinin ve ilçe mahkeme binalarının Streamline Moderne stili; ve Roosevelt on senti. ⓘ
Sanat alanında 20. yüzyılda Neoklasisizm olarak da adlandırılan bir akım vardı. Bu akım en azından müzik, felsefe ve edebiyatı kapsıyordu. Birinci Dünya Savaşı'nın sonu ile İkinci Dünya Savaşı'nın sonu arasındaydı. (Müzikal yönleri hakkında bilgi için bkz. 20. yüzyıl klasik müziği ve Müzikte Neoklasisizm. Felsefi yönleri hakkında bilgi için Büyük Kitaplar'a bakınız). ⓘ
Bu edebi Neoklasik akım (örneğin) Dada'nın aşırı romantizmini reddederek itidal, din (özellikle Hıristiyanlık) ve gerici bir siyasi programı tercih etmiştir. İngiliz edebiyatında bu akımın temelleri T. E. Hulme tarafından atılmış olsa da, en ünlü Neoklasikler T. S. Eliot ve Wyndham Lewis'tir. Rusya'da hareket 1910 gibi erken bir tarihte Acmeism adı altında kristalize olmuş, Anna Akhmatova ve Osip Mandelshtam önde gelen temsilcileri olmuştur. ⓘ
Müzik alanında
Müzikte Neoklasizm bir 20. yüzyıl hareketidir; bu durumda yeniden canlandırılan antik dünyanın müziği değil, Yunan ve Roma temalarına düşkünlükleriyle 17. ve 18. yüzyılların Klasik ve Barok müzik tarzlarıdır. (20. yüzyılın başlarında, Neoklasik bestecilerin esas olarak yararlandığı Barok müzik dönemi, bugün Klasik dönem olarak adlandırdığımız dönemden henüz ayırt edilmemişti). Bu akım, 20. yüzyılın ilk yarısında geç Romantizm ve Empresyonizm'in parçalanan kromatizmine karşı bir tepkiydi ve tonaliteyi tamamen terk etmeyi amaçlayan müzikal Modernizm'e paralel olarak ortaya çıktı. Klasik usullerin oldukça uyumsuz bir şekilde yeniden yorumlanmasına izin veren, ancak Romantizm'in örümcek ağlarını ve Empresyonizm'in cılız parıltılarını cesur ritimler, iddialı armoni ve temiz kesit formları lehine ortadan kaldırmaya çalışan, bale ve beden eğitiminde yeniden inşa edilmiş "klasik" dans ve kostüm modasıyla aynı zamana denk gelen bir stil temizliği ve sadeliği arzusu ortaya koymuştur. ⓘ
17.-18. yüzyıl dans süitleri I. Dünya Savaşı'ndan önce küçük bir canlanma yaşamıştı ancak Neoklasikler değiştirilmemiş diyatonizmden tamamen memnun değillerdi ve süspansiyonların ve süslemelerin parlak uyumsuzluğunu, 17. yüzyıl modal armonisinin köşeli niteliklerini ve kontrapuntal parça yazımının enerjik çizgilerini vurgulama eğilimindeydiler. Respighi'nin Ancient Airs and Dances (1917) adlı eseri, Neoklasikçilerin arzuladığı türden bir tınıya öncülük etmiştir. Geçmişten müzikal stilleri ödünç alma pratiği müzik tarihi boyunca nadir olmasa da, sanat müziği müzisyenlerin yeni tür eserler yaratmak için eski formlar veya armonilerle birlikte modern teknikler kullandığı dönemlerden geçmiştir. Dikkate değer kompozisyon özellikleri şunlardır: diyatonik tonaliteye atıfta bulunma, geleneksel formlar (dans süitleri, konçertolar, sonat formları, vb.), betimleyici veya duygusal çağrışımlardan arındırılmış mutlak müzik fikri, hafif müzikal dokuların kullanımı ve müzikal ifadenin özlülüğü. Klasik müzikte bu, en belirgin şekilde 1920'ler ile 1950'ler arasında algılanmıştır. Igor Stravinsky bu tarzı kullanan en tanınmış bestecidir; Bach benzeri Nefesli Çalgılar için Oktet (1923) ile müzikal devrimi etkili bir şekilde başlatmıştır. Bu tarzı iyi temsil eden özel bir eser, Prokofiev'in Haydn veya Mozart'ın senfonik tarzını anımsatan D'de Klasik Senfoni No. 1'dir. George Balanchine tarafından geliştirilen neoklasik bale, Rus İmparatorluk stilini kostüm, adımlar ve anlatım açısından daha derli toplu hale getirirken teknik yenilikler de getirmiştir. ⓘ
Rusya ve Sovyetler Birliği'nde mimari
1905-1914 yılları arasında Rus mimarisi kısa ama etkili bir Neoklasik canlanma döneminden geçti; bu eğilim İskenderiye döneminin İmparatorluk stilinin yeniden yaratılmasıyla başladı ve hızla çeşitli neo-Rönesans, Palladyan ve modernize edilmiş, ancak tanınabilir klasik okullara doğru genişledi. Bu ekollere 1870'lerde doğan ve Birinci Dünya Savaşı öncesinde yaratıcılıklarının zirvesine ulaşan Ivan Fomin, Vladimir Shchuko ve Ivan Zholtovsky gibi mimarlar öncülük etmiştir. 1920'lerde ekonomi düzeldiğinde, bu mimarlar ve takipçileri öncelikle modernist ortamda çalışmaya devam ettiler; bazıları (Zholtovsky) klasik kanonu sıkı sıkıya takip ederken, diğerleri (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) kendi modernize edilmiş stillerini geliştirdiler. ⓘ
Sovyetler Sarayı için açılan uluslararası yarışmanın da gösterdiği gibi, mimarların bağımsızlığının kısıtlanması ve modernizmin resmi olarak reddedilmesiyle (1932) birlikte Neoklasisizm, tek seçenek olmasa da Stalinist mimarinin seçeneklerinden biri olarak öne çıkarıldı. Boris Iofan'ın çağdaş Art Deco (Schuko) ile sınırlanan ılımlı modernist mimarisiyle bir arada var oldu; yine de stilin en saf örnekleri, izole bir fenomen olarak kalan Zholtovsky okulu tarafından üretildi. Siyasi müdahale konstrüktivist liderler için bir felaketti ancak klasik okulların mimarları tarafından içtenlikle karşılandı. ⓘ
Neoklasisizm, modern inşaat teknolojilerine (çelik çerçeve veya betonarme) dayanmadığı ve geleneksel duvarcılıkla yeniden üretilebildiği için SSCB için kolay bir seçimdi. Böylece Zholtovsky, Fomin ve diğer eski ustaların tasarımları, sıkı malzeme karnesi altında ücra kasabalarda kolayca kopyalanabildi. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra inşaat teknolojisinin gelişmesi, Stalinist mimarların gökdelen inşaatına girişmesine izin verdi, ancak bu gökdelenler (Varşova Kültür ve Bilim Sarayı ve Şangay Uluslararası Kongre Merkezi'nin "ihraç edilen" mimarisi dahil) biçimsel olarak klasik modellerle çok az şey paylaşmaktadır. Neoklasizm ve neo-Rönesans, Nikita Kruşçev'in pahalı Stalinist mimariye son verdiği 1955 yılına kadar daha az talep gören konut ve ofis projelerinde devam etti. ⓘ
21. yüzyılda mimarlık
Modern mimarinin hakim olduğu dönemde (kabaca İkinci Dünya Savaşı sonrasından 1980'lerin ortalarına kadar) yaşanan durgunluğun ardından Neoklasisizm yeniden canlanmaya başlamıştır. ⓘ
Çağdaş Neoklasik mimari, 21. yüzyılın ilk on yılından itibaren genellikle Yeni Klasik Mimari şemsiye terimi altında sınıflandırılmaktadır. Bazen Neo-Tarihselcilik veya Gelenekselcilik olarak da anılmaktadır. Ayrıca, Antigone Bölgesi ve Barselona'daki Katalonya Ulusal Tiyatrosu gibi Neoklasizmden ilham alan ve ona açık referanslar içeren bir dizi postmodern mimari eser de bulunmaktadır. Postmodern mimari zaman zaman sütunlar, sütun başlıkları veya timpanum gibi tarihi unsurları da içerir. ⓘ
Bölgesel mimariye, malzemelere ve işçiliğe sadık kalan samimi geleneksel tarzdaki mimari için çoğunlukla Geleneksel Mimari (veya vernaküler) terimi kullanılır. Driehaus Mimarlık Ödülü, 21. yüzyıl geleneksel veya klasik mimarlık alanında önemli katkılarda bulunanlara verilmekte ve modernist Pritzker Ödülü'nün iki katı para ödülüne sahiptir. ⓘ
Amerika Birleşik Devletleri'nde çeşitli çağdaş kamu binaları Neoklasik tarzda inşa edilmiştir; Nashville'deki 2006 Schermerhorn Senfoni Merkezi buna bir örnektir. ⓘ
İngiltere'de Neoklasik tarzda faaliyet gösteren çok sayıda mimar bulunmaktadır. Çalışmalarının örnekleri arasında iki üniversite kütüphanesi bulunmaktadır: Quinlan Terry'nin Downing College'daki Maitland Robinson Kütüphanesi ve Robert Adam Architects'in Sackler Kütüphanesi. ⓘ
Neoklasisizm'e genel bakış
1700’li yıllarda yapılan arkeolojik kazıların bu akıma önemli etkisi olduğu kabul edilmektedir. Bu kazıların önemli olanlarından bazıları Pompei’de yer almaktadır. Ayrıca James Stuart ve Nicholas Revett’in öncülük ettikleri Atina harabelerinin rölövesinin çıkarılması da bu hususta önemli aşamalardan birisi olarak kabul edilir. Bu akım ilk olarak İtalya’nın Roma şehrinde başladı, ardından barok ve rokoko akımlarının yaygın olarak bulunduğu Almanya gibi ülkelere sıçradı. ⓘ