Maniyerizm
Geç Rönesans olarak da bilinen Maniyerizm, Avrupa sanatında 1520 civarında İtalyan Yüksek Rönesans'ının son yıllarında ortaya çıkan, yaklaşık 1530'da yayılan ve İtalya'da Barok stilin büyük ölçüde yerini aldığı 16. yüzyılın sonuna kadar süren bir stildir. Kuzey Maniyerizmi 17. yüzyılın başlarına kadar devam etmiştir. ⓘ
Biçimsel olarak Maniyerizm, Leonardo da Vinci, Raphael, Vasari ve erken Michelangelo gibi sanatçılarla ilişkilendirilen uyumlu ideallerden etkilenen ve bunlara tepki gösteren çeşitli yaklaşımları kapsar. Yüksek Rönesans sanatının orantı, denge ve ideal güzelliği vurguladığı yerde, Maniyerizm bu nitelikleri abartır ve genellikle asimetrik veya doğal olmayan bir şekilde zarif kompozisyonlarla sonuçlanır. Yapay (doğalcılığın aksine) nitelikleriyle dikkat çeken bu sanatsal üslup, daha önceki Rönesans resminin denge ve netliğinden ziyade kompozisyonel gerilim ve istikrarsızlığı ön plana çıkarır. Edebiyat ve müzikte Maniyerizm, son derece süslü tarzı ve entelektüel sofistikeliğiyle dikkat çeker. ⓘ
Maniyerizm'in tanımı ve içerdiği evreler sanat tarihçileri arasında tartışma konusu olmaya devam etmektedir. Örneğin, bazı akademisyenler bu etiketi 16. ve 17. yüzyılların bazı erken modern edebiyat (özellikle şiir) ve müzik biçimlerine uygulamıştır. Bu terim aynı zamanda yaklaşık 1500-1530 yılları arasında Kuzey Avrupa'da çalışan bazı geç dönem Gotik ressamlara, özellikle de İtalyan hareketiyle ilgisi olmayan bir grup olan Antwerp Maniyeristlerine atıfta bulunmak için de kullanılmaktadır. Maniyerizm aynı zamanda benzetme yoluyla Latin edebiyatının Gümüş Çağı'na da uygulanmıştır. ⓘ
Maniyerizm (Üslupçuluk), yaklaşık 1520-1580 tarihleri arasında ortaya çıkmış olan bir sanat üslubudur. Rönesans'ın getirmiş olduğu yetkinliğe karşı bir çıkış olmuş, kendisinden sonra gelen üslup ve akımlara ön ayak olmuştur. Başlatıcısı ve en önemli temsilcisi Michelangelo Bounarotti'dir. Sistine Şapeli'ndeki mahşer freskleri bu resim tarzı için belirleyici olmuştur. Artık ideal görüntü yerine sanatsal niteliğin araştırıldığı, figürlerin deformasyonu ile kendini belli eder ve özgün tarzlara doğru bir adım olarak belirir. En önemli sanatçıları Tintoretto ve El Greco'dur. ⓘ
Maniyerizm'de her şey birbirine karışmıştır. Her şey bir devinim halindedir. Olayın net olarak anlaşılması biraz zordur. Bu hareketlilik sanatçının fırçasından kaynaklandığı gibi figürlerin uzaması ve çeşitli pozlarla resmedilişinden de kaynaklanır. Bu o döneme değin Rönesans'ın uyumlu formlarının karşısında bir hareketti. Klasik sanattan baroka geçiş olarak da bilinir. Bireysel yorumlamalar, serbest duruşlar bu üslubun önemli özelliğidir. ⓘ
İsimlendirme
"Maniyerizm" kelimesi İtalyanca "stil" veya "tarz" anlamına gelen maniera kelimesinden türemiştir. İngilizce "style" kelimesi gibi, maniera da belirli bir tarz türünü (güzel bir tarz, yıpratıcı bir tarz) gösterebileceği gibi, hiçbir niteleme gerektirmeyen bir mutlaklığı da (birinin "tarzı vardır") gösterebilir. Giorgio Vasari, Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects (1568) adlı eserinin ikinci baskısında manierayı üç farklı bağlamda kullanmıştır: bir sanatçının çalışma tarzını ya da yöntemini tartışmak; ortaçağ İtalyan-Bizans tarzına ya da sadece Michelangelo'nun manierasına atıfta bulunmak için kullanılan maniera greca teriminde olduğu gibi kişisel ya da grup tarzını tanımlamak; ve sanatsal kaliteye ilişkin olumlu bir yargıyı teyit etmek. Vasari de Maniyerist bir sanatçıydı ve çalıştığı dönemi "la maniera moderna" ya da "modern stil" olarak tanımladı. James V. Mirollo, "bella maniera" şairlerinin Petrarch'ın sonelerini virtüözlükte nasıl aşmaya çalıştıklarını anlatır. Bu "bella maniera" kavramı, bu şekilde ilham alan sanatçıların doğayla doğrudan yüzleşmek yerine seleflerini kopyalamaya ve daha iyi hale getirmeye çalıştıklarını öne sürmektedir. Özünde, "bella maniera" bir dizi kaynak malzemenin en iyilerini kullanarak bunları yeni bir şey olarak sentezlemiştir. ⓘ
Stilistik bir etiket olarak "Maniyerizm" kolayca tanımlanamaz. İsviçreli tarihçi Jacob Burckhardt tarafından kullanılmış ve 20. yüzyılın başlarında Alman sanat tarihçileri tarafından, 16. yüzyıl İtalyan sanatının görünüşte kategorize edilemeyen sanatını - artık Yüksek Rönesans ile ilişkilendirilen uyumlu ve rasyonel yaklaşımları sergilemeyen sanatı - kategorize etmek için popüler hale getirilmiştir. "Yüksek Rönesans" uyum, ihtişam ve klasik antikitenin yeniden canlanmasıyla ayırt edilen bir dönemi çağrıştırıyordu. "Maniyerist" terimi, 1965 yılında Manchester Şehir Sanat Galerisi'nde Fritz Grossmann tarafından düzenlenen Maniyerist resim sergisinin ardından 1967 yılında John Shearman tarafından yeniden tanımlandı. "Maniyerizm" etiketi 16. yüzyıl boyunca sosyal davranışlar hakkında yorum yapmak ve rafine bir virtüöz niteliği taşımak ya da belirli bir tekniği ifade etmek için kullanılmıştır. Ancak, 17. yüzyılda yaşamış Gian Pietro Bellori gibi daha sonraki yazarlar için la maniera, Raphael'den sonra, özellikle de 1530'lar ve 1540'larda sanatın gerilediğine dair algıyı ifade eden aşağılayıcı bir terimdi. 19. yüzyılın sonlarından itibaren sanat tarihçileri bu terimi genellikle Rönesans klasisizmini takip eden ve Barok'tan önce gelen sanatı tanımlamak için kullanmışlardır. ⓘ
Ancak tarihçiler Maniyerizm'in bir üslup mu, bir akım mı yoksa bir dönem mi olduğu konusunda farklı görüşlere sahiptir ve terim tartışmalı olsa da 16. yüzyıl Avrupa sanatı ve kültürünü tanımlamak için hala yaygın olarak kullanılmaktadır. ⓘ
Kökeni ve gelişimi
Yüksek Rönesans'ın sonunda genç sanatçılar bir kriz yaşadı: başarılabilecek her şey zaten başarılmış gibi görünüyordu. Çözülmesi gereken teknik ya da başka hiçbir zorluk kalmamıştı. Anatomi, ışık, fizyonomi ve insanların duygularını ifade ve jestlerinde nasıl yansıttığına dair ayrıntılı bilgi, figüratif kompozisyonda insan formunun yenilikçi kullanımı, tonun ince geçişlerinin kullanımı, hepsi neredeyse mükemmele ulaşmıştı. Genç sanatçıların yeni bir hedef bulmaları gerekiyordu ve yeni yaklaşımlar aradılar. Bu noktada Maniyerizm ortaya çıkmaya başladı. Yeni üslup 1510 ile 1520 yılları arasında ya Floransa'da ya Roma'da ya da her iki şehirde aynı anda gelişti. ⓘ
Kökenler ve rol modeller
Bu dönem Andrea del Sarto, Michelangelo ve Raphael'in sanatının "doğal bir uzantısı" olarak tanımlanmıştır. Michelangelo erken yaşta kendi üslubunu geliştirdi; ilk başlarda büyük hayranlık uyandıran, daha sonra dönemin diğer sanatçıları tarafından sıklıkla kopyalanan ve taklit edilen son derece özgün bir üslup. Çağdaşları tarafından en çok hayranlık duyulan özelliklerinden biri, huşu uyandıran bir ihtişam duygusu olan terribilità'ydı ve sonraki sanatçılar bunu taklit etmeye çalıştı. Diğer sanatçılar Michelangelo'nun tutkulu ve son derece kişisel tarzını, öğrencilerin resim ve heykel yapmayı öğrenmelerinin standart bir yolu olan ustanın eserlerini kopyalayarak öğrendi. Sistine Şapeli'nin tavanı, özellikle de Ignudi ve Libyalı Sibyl olarak adlandırılan toplu figürleri, Laurentian Kütüphanesi'nin girişini, Medici mezarlarındaki figürleri ve hepsinden önemlisi Son Yargı'yı temsil etmesi, takip etmeleri için örnekler sağladı. Daha sonra Michelangelo, Maniyerizm'in en büyük rol modellerinden biriydi. Genç sanatçılar evine girip ondan çizimler çalmışlardır. Giorgio Vasari, Lives of the Most Eminent Painters, Sculptors, and Architects adlı kitabında Michelangelo'nun bir keresinde şöyle dediğini kaydetmiştir: "Takipçi olanlar, takip ettiklerinin yanından asla geçemezler". ⓘ
Rekabetçi ruh
Rekabetçi ruh, desteklenen sanatçıları virtüözik tekniği vurgulamaya ve siparişler için birbirleriyle yarışmaya teşvik eden patronlar tarafından geliştirildi. Bu durum sanatçıları yeni yaklaşımlar aramaya itmiş ve dramatik bir şekilde aydınlatılmış sahneler, özenli kıyafetler ve kompozisyonlar, uzun oranlar, son derece stilize pozlar ve net perspektif eksikliği ortaya çıkmıştır. Leonardo da Vinci ve Michelangelo'ya Gonfaloniere Piero Soderini tarafından Floransa'daki Beş Yüz Salonu'nun bir duvarını süslemeleri için birer görev verildi. Bu iki sanatçı yan yana resim yapacak ve birbirleriyle yarışacaktı; bu da mümkün olduğunca yenilikçi olma güdüsünü körüklüyordu. ⓘ
| ⓘ | |
|---|---|
Erken dönem mannerizm
Floransa'daki erken dönem Maniyeristler -özellikle Jacopo da Pontormo ve Rosso Fiorentino gibi Andrea del Sarto'nun öğrencileri- uzatılmış formlar, dengesiz pozlar, çökmüş bir perspektif, mantıksız ortamlar ve teatral ışıklandırma ile dikkat çekerler. Parmigianino (Correggio'nun öğrencisi) ve Giulio Romano (Raphael'in baş asistanı) Roma'da benzer stilize estetik yönlerde hareket ediyorlardı. Bu sanatçılar Yüksek Rönesans'ın etkisi altında olgunlaşmışlardı ve üslupları da buna bir tepki ya da bunun abartılı bir uzantısı olarak nitelendirilmiştir. Genç sanatçılar doğayı doğrudan incelemek yerine Helenistik heykelleri ve geçmiş ustaların resimlerini incelemeye başladılar. Bu nedenle, bu tarz genellikle "klasik karşıtı" olarak tanımlanır, ancak o zamanlar Yüksek Rönesans'tan doğal bir ilerleme olarak kabul ediliyordu. "Anti-klasik" formlarıyla bilinen Maniyerizm'in en erken deneysel aşaması yaklaşık 1540 veya 1550'ye kadar sürdü. Temple Üniversitesi'nde sanat tarihi profesörü olan Marcia B. Hall, After Raphael adlı kitabında Raphael'in erken ölümünün Roma'da Maniyerizm'in başlangıcı olduğunu belirtmektedir. ⓘ
Geçmiş analizlerde, maniyerizmin 16. yüzyılın başlarında Kopernikçi güneş merkezcilik, 1527'de Roma'nın Yağmalanması ve Protestan Reformu'nun Katolik Kilisesi'nin gücüne karşı giderek artan meydan okuması gibi bir dizi başka sosyal, bilimsel, dini ve siyasi hareketle eşzamanlı olarak ortaya çıktığı belirtilmiştir. Bu nedenle, stilin uzatılmış formları ve çarpıtılmış biçimleri bir zamanlar Yüksek Rönesans sanatında yaygın olan idealize kompozisyonlara bir tepki olarak yorumlanmıştır. Erken dönem Maniyerist sanat hala Yüksek Rönesans gelenekleriyle keskin bir karşıtlık içinde olsa da, 1520 civarındaki radikal üslup değişimine ilişkin bu açıklama bilimsel olarak gözden düşmüştür; Raphael'in Atina Okulu'nun sağladığı erişilebilirlik ve denge artık genç sanatçıların ilgisini çekmiyor gibi görünmektedir. ⓘ
Yüksek maniyer
Maniyerizm'in ikinci dönemi genellikle "anti-klasik" olarak adlandırılan önceki dönemden ayrılır. Sonraki maniyeristler, daha sonraki eleştirmenlerin onları doğal olmayan ve etkilenmiş bir "tarzda" (maniera) çalışmakla suçlamasına neden olan entelektüel kibirleri ve sanatsal virtüözlüğü vurguladılar. Maniera sanatçıları başlıca model olarak eski çağdaşları Michelangelo'ya baktılar; onlarınki doğayı taklit eden bir sanattan ziyade sanatı taklit eden bir sanattı. Sanat tarihçisi Sydney Joseph Freedberg, maniera sanatının entelektüelleştirici yönünün, izleyicisinin bu görsel referansı - "görünmeyen ama hissedilen tırnak işaretleri" arasında yer alan yabancı bir ortamda tanıdık bir figür - fark etmesini ve takdir etmesini beklemeyi içerdiğini savunur. Maniera ressamının bir alıntıyı kasıtlı olarak kendine mal etme eğilimi yapaylığın doruk noktasıdır. Agnolo Bronzino ve Giorgio Vasari, yaklaşık 1530'dan 1580'e kadar süren bu Maniera türünü örneklemektedir. Büyük ölçüde saraylarda ve Avrupa'nın entelektüel çevrelerinde ortaya çıkan Maniera sanatı, abartılı zarafeti yüzey ve detaylara gösterilen mükemmel özenle birleştirir: porselen tenli figürler eşit, ılımlı bir ışıkta uzanır ve izleyiciyi, eğer göz teması kurarlarsa, soğuk bir bakışla selamlarlar. Maniera öznesi nadiren fazla duygu sergiler ve bu nedenle bu eğilimi örnekleyen eserler genellikle 'soğuk' veya 'mesafeli' olarak adlandırılır. Bu, "şık stil" ya da olgunluk dönemindeki Maniera'nın tipik bir özelliğidir. ⓘ
Maniyerizmin Yayılması
Roma, Floransa ve Mantua şehirleri İtalya'daki Maniyerist merkezlerdi. Venedik resmi, Titian'ın uzun kariyerinde temsil ettiği farklı bir seyir izledi. 1520'lerde Roma'da çalışmakta olan ilk Maniyerist sanatçıların bir kısmı, 1527'de Roma'nın yağmalanmasının ardından şehirden kaçtı. İş bulmak için kıtanın dört bir yanına dağılan bu sanatçıların üslupları İtalya ve Kuzey Avrupa'da yayıldı. Sonuçta Gotik'ten bu yana ilk uluslararası sanatsal üslup ortaya çıktı. Kuzey Avrupa'nın diğer bölgeleri İtalyan sanatçılarla böyle doğrudan temas avantajına sahip değildi, ancak Maniyerist üslup varlığını baskılar ve resimli kitaplar aracılığıyla hissettirdi. Diğerlerinin yanı sıra Avrupalı yöneticiler İtalyan eserlerini satın alırken, Kuzey Avrupalı sanatçılar İtalya'ya seyahat etmeye devam ederek Maniyerist tarzın yayılmasına yardımcı oldu. Kuzey'de çalışan bireysel İtalyan sanatçılar, Kuzey Maniyerizmi olarak bilinen bir hareketin doğmasına neden oldu. Örneğin Fransa Kralı I. Francis'e Bronzino'nun Venüs, Aşk Tanrısı, Ahmaklık ve Zaman tablosu hediye edilmiştir. Carracci kardeşler, Caravaggio ve Cigoli'nin de aralarında bulunduğu yeni nesil sanatçılar natüralizmi yeniden canlandırırken, 1580'den sonra İtalya'da üslup zayıfladı. Walter Friedlaender bu dönemi "anti-maniyerizm" olarak tanımlamıştır, tıpkı erken dönem Maniyeristlerin Yüksek Rönesans'ın estetik değerlerinden uzaklaşarak "anti-klasik" tepki vermeleri gibi ve bugün Carracci kardeşler ve Caravaggio'nun 1600'e kadar egemen olan Barok tarzı resme geçişi başlattıkları kabul edilmektedir. ⓘ
Ancak İtalya dışında Maniyerizm 17. yüzyıl boyunca devam etti. Rosso'nun Fontainebleau'daki saray için çalışmak üzere gittiği Fransa'da "Henry II stili" olarak bilinir ve mimari üzerinde özel bir etkisi olmuştur. Kuzey Maniyerizminin diğer önemli kıta merkezleri arasında Prag'daki Rudolf II sarayının yanı sıra Haarlem ve Antwerp de bulunmaktadır. Stilistik bir kategori olarak Maniyerizm, "Elizabethan" ve "Jacobean" gibi yerel etiketlerin daha yaygın olarak uygulandığı İngiliz görsel ve dekoratif sanatlarına daha az uygulanır. On yedinci yüzyıl Zanaatkâr Maniyerizmi, Kıta Avrupası'ndaki mevcut emsallerden ziyade kalıp kitaplarına dayanan mimariye uygulanan bir istisnadır. ⓘ
Özellikle Fontainebleau'daki Flaman etkisi, Fransız tarzının erotizmini on yedinci yüzyıl Hollanda ve Flaman resmine hakim olacak vanitas geleneğinin erken bir versiyonuyla birleştirmiştir. Bu dönemde yaygın olan pittore vago, Fransa ve İtalya'daki atölyelere girerek gerçek anlamda uluslararası bir üslup yaratan kuzeyli ressamların tanımıydı. ⓘ
Heykeltıraşlık
Resimde olduğu gibi, erken dönem İtalyan Maniyerist heykelciliği de büyük ölçüde, heykelde esasen Michelangelo anlamına gelen Yüksek Rönesans'ın başarısını aşacak özgün bir üslup bulma çabasıydı ve bunu başarma mücadelesinin çoğu, Floransa'daki Piazza della Signoria'da Michelangelo'nun Davut'unun yanındaki diğer yerleri doldurmak için verilen siparişlerde yaşandı. Baccio Bandinelli, Herkül ve Kaküs projesini ustanın kendisinden devraldı, ancak o zamanlar şimdikinden biraz daha popülerdi ve Benvenuto Cellini tarafından kötü niyetli bir şekilde "bir çuval kavuna" benzetildi, ancak görünüşe göre heykellerin kaidesinde kabartma panellerin tanıtılmasında uzun süreli bir etkisi oldu. Onun ve diğer Maniyeristlerin diğer eserleri gibi, orijinal bloktan Michelangelo'nun yapacağından çok daha fazlasını kaldırır. Cellini'nin Medusa başlı bronz Perseus'u kesinlikle bir başyapıttır, bir başka Maniyerist özellik olan sekiz bakış açısıyla tasarlanmıştır ve Michelangelo ve Donatello'nun David'leriyle karşılaştırıldığında yapay olarak stilize edilmiştir. Aslen kuyumcu olan sanatçının ünlü altın ve mineli Tuz Mahzeni (1543) ilk heykelidir ve yeteneğini en iyi şekilde gösterir. ⓘ
Koleksiyoncu dolapları için küçük bronz figürler, genellikle çıplaklarla mitolojik konular, aslen Flaman olan ancak Floransa'da yaşayan Giambologna'nın yüzyılın sonlarında mükemmelleştiği popüler bir Rönesans formuydu. Ayrıca iki tanesi Piazza della Signoria'daki koleksiyona girmiş olan gerçek boyutlu heykeller de yapmıştır. O ve takipçileri, figura serpentinata'nın, genellikle iç içe geçmiş iki figürden oluşan, her açıdan ilgi çekici zarif uzun örneklerini tasarladılar. ⓘ
Fontainebleau'da, muhtemelen Primaticcio tarafından tasarlanan ve oval iç kısmı boyayan alçı kapı, 1530'lar veya 1540'lar
Benvenuto Cellini, Medusa başlı Perseus, 1545-1554
Giambologna, Samson Filistinliyi Öldürüyor, yaklaşık 1562
Giambologna, Sabine Kadınının Kaçırılışı, 1583'te tamamlandı, Floransa, İtalya, 13' 6" yüksekliğinde, mermer
Adriaen de Vries, Merkür ve Psyche Kuzey Maniyerist gerçek boyutlu bronz, 1593 yılında Kutsal Roma İmparatoru Rudolf II için yapılmıştır.
Venüs, c. 125; Mermer, Roma; British Museum ⓘ
İlk teorisyenler
Giorgio Vasari
Giorgio Vasari'nin resim sanatı hakkındaki görüşleri, çok ciltli Sanatçıların Yaşamları'nda sanatçı dostlarına yaptığı övgülerde ortaya çıkar: Vasari, resimde mükemmelliğin incelik, buluş zenginliği (invenzione), virtüöz teknik (maniera) ve bitmiş eserde ortaya çıkan zekâ ve çalışma gerektirdiğine inanıyordu; tüm bu kriterler sanatçının zekâsını ve haminin duyarlılığını vurguluyordu. Sanatçı artık sadece yerel bir Aziz Luke Loncası'nın eğitimli bir üyesi değildi. Artık sarayda âlimlerin, şairlerin ve hümanistlerin yanında, zarafet ve karmaşıklığın takdir edildiği bir ortamda yerini alıyordu. Vasari'nin Medici hamilerinin arması, sanatçının kendi armasıymış gibi portresinin üst kısmında yer alır. Vasari'nin Hayatlar'ının tahta baskı resminin çerçevesi, İngilizce konuşulan bir ortamda "Jacobean" olarak adlandırılırdı. Michelangelo'nun Medici mezarları, üstteki mimari karşıtı "mimari" özelliklere, kâğıt gibi delikli çerçeveye, tabandaki satir çıplaklara ilham verir. Sadece bir çerçeve olarak abartılıdır: Kısacası Maniyerist. ⓘ
Gian Paolo Lomazzo
Dönemin bir diğer edebi figürü, Maniyerist sanatçının sanatıyla öz-bilinçli ilişkisini tanımlamaya yardımcı olan biri pratik diğeri metafizik olmak üzere iki eser üreten Gian Paolo Lomazzo'dur. Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milano, 1584) adlı eseri, Rönesans'ın kısmen Antik Çağ'dan miras aldığı ancak Maniyerizm'in üzerinde çalıştığı çağdaş edep kavramları için bir rehber niteliğindedir. Lomazzo'nun 16. yüzyılın sonlarına özgü daha resmi ve akademik yaklaşımları simgeleyen sistematik estetik kodlaması, iç mekânların işlevleri ile uygun olacak boyalı ve heykelli dekor türleri arasında bir uyum olduğunu vurguluyordu. Genellikle karmaşık ve anlaşılmaz olan ikonografi, Maniyerist üsluplarda daha belirgin bir unsurdur. Daha az pratik ve daha metafizik olan Idea del tempio della pittura (Resmin ideal tapınağı, Milano, 1590) adlı eseri, insan doğası ve kişiliğinin "dört mizaç" teorisi doğrultusunda bir açıklama sunarak, bireyselliğin yargı ve sanatsal buluştaki rolünü tanımlar. ⓘ
Maniyerist dönemde yaratılan sanat eserlerinin özellikleri
Maniyerizm, Rönesans'ın estetik ideolojilerinden büyük ölçüde farklılaşan klasik karşıtı bir hareketti. Maniyerizm başlangıçta Vasari'nin yazılarına dayanılarak olumlu karşılanmış olsa da, daha sonra yalnızca "doğal gerçeğin değiştirilmesi ve doğal formüllerin basmakalıp bir tekrarı" olarak görüldüğü için olumsuz bir bakış açısıyla değerlendirilmiştir. Sanatsal bir moment olarak Maniyerizm, sanatın nasıl algılandığına dair deneylere özgü ve benzersiz birçok özellik içerir. Aşağıda Maniyerist sanatçıların eserlerinde kullandıkları birçok spesifik özelliğin bir listesi yer almaktadır.
- Figürlerin uzatılması: Maniyerist eserlerde genellikle insan figürünün uzatılması söz konusudur - bazen bu durum bazı Maniyerist sanatın tuhaf görüntülerine katkıda bulunmuştur.
- Perspektifin bozulması: resimlerde perspektifin bozulması, mükemmel bir mekan yaratma ideallerini araştırdı. Bununla birlikte, mükemmellik fikri bazen benzersiz imgelerin yaratılmasını ima etmiştir. Çarpıtmanın keşfedildiği yollardan biri de önden kısaltma tekniğiydi. Zaman zaman, aşırı çarpıtma kullanıldığında, görüntünün deşifre edilmesi neredeyse imkansız hale geliyordu.
- Siyah arka planlar: Maniyerist sanatçılar dramatik sahneler yaratmak amacıyla konturların tam bir kontrastını sunmak için genellikle düz siyah arka planlar kullanmışlardır. Siyah arka planlar aynı zamanda konu içinde fantezi duygusu yaratılmasına da katkıda bulunurdu.
- Karanlığın ve ışığın kullanımı: Maniyeristlerin çoğu, kasıtlı aydınlatma kullanarak gece gökyüzünün özünü yakalamakla ilgilenmiş ve genellikle fantastik sahneler yaratmışlardır. Özellikle, dramatik sahneler yaratmak için meşale ve ay ışığına özel bir önem verilmiştir.
- Heykelsi formlar: Maniyerizm, on altıncı yüzyılda popülerlik kazanan heykel sanatından büyük ölçüde etkilenmiştir. Sonuç olarak, Maniyerist sanatçılar insan vücudu tasvirlerini genellikle heykellere ve baskılara referansla oluşturmuşlardır. Bu da Maniyerist sanatçıların boyut yaratmaya odaklanmalarını sağlamıştır.
- Çizgilerin netliği: Maniyerizm'de figürlerin temiz ana hatlarına gösterilen özen öne çıkıyordu ve Barok ve Yüksek Rönesans'tan büyük ölçüde farklıydı Figürlerin ana hatları genellikle detaylara daha fazla dikkat edilmesini sağladı.
- Kompozisyon ve mekan: Maniyerist sanatçılar Rönesans'ın ideallerini, özellikle de tek noktadan perspektif tekniğini reddetmişlerdir. Bunun yerine, atmosferik etkilere ve perspektifin bozulmasına vurgu yapılmıştır. Maniyerist eserlerde mekân kullanımı, bunun yerine çeşitli form ve figürlerin yer aldığı kalabalık kompozisyonlara ya da siyah arka planlara vurgu yapan az sayıda kompozisyona öncelik vermiştir.
- Maniyerist hareket: İnsan hareketlerinin incelenmesine duyulan ilgi, Maniyerist sanatçıların genellikle serpantin pozisyonlarla bağlantılı benzersiz bir hareket türü oluşturmasına yol açmıştır. Bu pozisyonlar, genellikle kararsız hareket figürleri nedeniyle gelecekteki pozisyonların hareketlerini öngörür. Ayrıca bu teknik, sanatçının form deneylerine de atıfta bulunur.
- Boyalı çerçeveler: Bazı Maniyerist eserlerde, resimlerin arka planına uyum sağlamak ve zaman zaman eserin genel kompozisyonuna katkıda bulunmak için boyalı çerçeveler kullanılmıştır. Bu durum, süslü detaylara özel bir önem atfedildiği zamanlarda yaygındır.
- Atmosferik etkiler: Birçok Maniyerist, resimlerinde ışığın akışını sağlamak için "yumuşak ve puslu konturların veya yüzeylerin oluşturulması" olarak bilinen sfumato tekniğini kullanmıştır.
- Maniyerist renk: Maniyerizm'in benzersiz bir yönü, biçim, kompozisyon ve ışık deneylerine ek olarak, aynı merakın çoğunun renge de uygulanmasıydı. Birçok sanat eseri, zaman zaman sanat eserlerinin genel tasarımını bozan, zaman zaman da tamamlayan saf ve yoğun maviler, yeşiller, pembeler ve sarı tonlarıyla oynamıştır. Buna ek olarak, sanatçılar cilt tonunu oluştururken genellikle aşırı kremsi ve açık tenler yaratmaya odaklanır ve sıklıkla mavinin alt tonlarını kullanırlardı. ⓘ
Maniyerist sanatçılar ve eserlerinden örnekler
Jacopo da Pontormo
Jacopo da Pontormo'nun çalışmaları Maniyerizm'e yapılan en önemli katkılardan biridir. Konusunu genellikle dini anlatılardan almıştır; Michelangelo'nun eserlerinden büyük ölçüde etkilenen sanatçı, kompozisyonlarında model olarak sık sık heykelsi formlara gönderme yapar veya onları kullanır. Çalışmalarının iyi bilinen bir unsuru, çeşitli figürlerin genellikle izleyiciyi çeşitli yönlerden delip geçen bakışlarını resmetmesidir. Kendini işine adayan Pontormo, sık sık işinin kalitesiyle ilgili kaygılarını dile getirir, yavaş ve metodik çalıştığı bilinirdi. Agnolo Bronzino gibi sanatçıları ve geç dönem Maniyerizm'in estetik ideallerini etkilediği için mirasına büyük saygı duyulmaktadır. ⓘ
Pontomoro'nun 1517'de yaptığı Yusuf Mısır'da adlı tablosu, Yusuf'un ailesiyle yeniden bir araya geldiği dört İncil sahnesinden oluşan bir anlatıyı tasvir eder. Kompozisyonun sol tarafında Pontomoro, Yusuf'un ailesini Mısır Firavunu'na tanıttığı bir sahneyi betimler. Sağ tarafta, Yusuf yuvarlanan bir bankın üzerinde giderken, etrafını dolduran meleklerin yanı sıra diğer figürler ve uzaktaki bir patikada büyük kayalar yer alır. Bu sahnelerin üzerinde, Yusuf'un oğullarından birini tepedeki annelerine yönlendirdiği spiral bir merdiven yer almaktadır. Sağdaki son sahne Yakup'un ölümünün son aşamasıdır ve oğulları yakınlarda onu izlemektedir. ⓘ
Pontormo'nun Yusuf Mısır'da tablosu birçok Maniyerist unsur barındırır. Bu unsurlardan biri, tuvalin büyük bir bölümünü oluşturan pembelerin ve mavilerin çeşitli tonları gibi uyumsuz renklerin kullanılmasıdır. Maniyerizmin bir diğer unsuru da Yusuf'un hikâyesinde zamanın çeşitli sahneler ve mekân kullanımı aracılığıyla tutarsız bir şekilde ele alınmasıdır. Ponotormo, dört farklı anlatının dahil edilmesiyle dağınık bir kompozisyon ve genel bir meşguliyet hissi yaratır. ⓘ
Rosso Fiorentino ve Fontainebleau Okulu
Andrea del Sarto'nun atölyesinde Pontormo'nun öğrencisi olan Rosso Fiorentino, 1530 yılında Floransa Maniyerizmini Fontainebleau'ya getirmiş ve burada halk arasında Fontainebleau Okulu olarak bilinen 16. yüzyıl Fransız Maniyerizminin kurucularından biri olmuştur. ⓘ
Fontainebleau'daki zengin ve hareketli dekoratif stil örnekleri, İtalyan stilini gravürler aracılığıyla Antwerp'e ve oradan da Londra'dan Polonya'ya kadar tüm Kuzey Avrupa'ya yaydı. Maniyerist tasarım, gümüş ve oyma mobilya gibi lüks eşyalara da yayıldı. Ayrıntılı sembolizm ve alegoriyle ifade edilen gergin, kontrollü bir duygu hissi ve uzun oranlarla karakterize edilen bir kadın güzelliği ideali bu tarzın özellikleridir. ⓘ
Agnolo Bronzino
Agnolo Bronzino, tarzı çok etkili olan ve birçok sanat eserinin atfedilmesini anlamak açısından genellikle kafa karıştırıcı olan Pontormo'nun öğrencisiydi. Kariyeri boyunca Bronzino, birçok portre resmettiği "Sihirbazlar Komedyası" adlı yapımın set tasarımcısı olarak Vasari ile de işbirliği yaptı. Bronzino'nun çalışmaları rağbet gördü ve 1539'da Medici ailesi için saray ressamı olduğunda büyük başarı elde etti. Bronzino'nun çalışmalarının benzersiz bir Maniyerist özelliği, sütlü tenlerin işlenmesiydi. ⓘ
Venüs, Aşk Tanrısı, Ahmaklık ve Zaman adlı tablosunda Bronzino, izleyiciyi cevaplardan çok sorularla baş başa bırakan erotik bir sahne tasvir eder. Ön planda, Aşk Tanrısı ve Venüs neredeyse öpüşmek üzeredirler, ancak suçüstü yakalanmış gibi duraklarlar. İkilinin üzerinde mitolojik figürler yer alır: sağda, perdeyi çekerek ikiliyi ortaya çıkaran Zaman Baba ve solda gece tanrıçasının temsili. Kompozisyonda ayrıca bir grup maske, bir kız ve bir yılanın özelliklerinden oluşan melez bir yaratık ve acı içinde tasvir edilmiş bir adam yer almaktadır. Resim için frenginin tehlikelerini anlattığı ya da bir saray oyunu olarak işlev gördüğü gibi birçok teori mevcuttur. ⓘ
Bronzino'nun Maniyerist portreleri dingin bir zarafet ve ayrıntılara gösterilen titizlikle ayırt edilir. Sonuç olarak, Bronzino'nun bakıcılarının izleyiciden uzak ve belirgin bir duygusal mesafe yansıttığı söylenir. Ayrıca, zengin tekstillerin hassas desen ve parlaklığını yakalamaya yönelik virtüözce bir yoğunlaşma da söz konusudur. Özellikle Venüs, Aşk Tanrısı, Ahmaklık ve Zaman'da Bronzino, Maniyerist hareketin taktiklerini, detaylara, renklere ve heykelsi formlara gösterilen özeni kullanır. Maniyerist hareketin kanıtı, Eros ve Venüs'ün vücutlarını kısmen kucaklaşmak üzere bükerken yaptıkları garip hareketlerde açıkça görülür. Özellikle Bronzino, birçok formun ten rengini mükemmel bir porselen beyazı olarak boyar ve kaslarının pürüzsüz bir şekilde silinmesini sağlayarak heykelin pürüzsüzlüğüne bir gönderme yapar. ⓘ
Alessandro Allori
Alessandro Allori'nin (1535-1607) Susanna ve Yaşlılar'ı (altta) kalabalık, çarpık bir kompozisyonda gizli erotizm ve bilinçli olarak parlak natürmort detaylarıyla ayırt edilir. ⓘ
Jacopo Tintoretto
Jacopo Tintoretto, Titian'ın mirasından sonra Venedik resmine yaptığı çok farklı katkılarla tanınmıştır. Kendinden öncekilerden büyük farklılıklar gösteren çalışmaları, Vasari tarafından "fantastik, abartılı, tuhaf tarzı" nedeniyle eleştirilmiştir. Tintoretto, eserlerinde kendisini klasik Venedik resim anlayışından uzaklaştıran Maniyerist unsurları benimsemiş, sıklıkla fantezi unsurları içeren ve natüralizmi koruyan eserler yaratmıştır. Tintoretto'nun çalışmalarının diğer benzersiz unsurları arasında, kaba fırça darbelerinin düzenli kullanımı ve yanılsama yaratmak için pigmentle yaptığı deneyler yoluyla renklere gösterdiği dikkat yer alır. ⓘ
Maniyerist özelliklerle ilişkilendirilen bir sanat eseri Son Akşam Yemeği'dir; Michele Alabardi tarafından 1591 yılında San Giorgio Maggiore için sipariş edilmiştir. Tintoretto'nun Son Akşam Yemeği tablosunda sahne, kompozisyonun sağ tarafındaki bir grup insanın açısından resmedilmiştir. Resmin sol tarafında, İsa ve Havariler masanın bir tarafını işgal eder ve Yahuda'yı dışarıda bırakır. Karanlık mekânda çok az ışık kaynağı vardır; tek kaynak İsa'nın halesi ve masanın üzerinde asılı duran meşaleden yayılır. ⓘ
Farklı kompozisyonuyla Son Akşam Yemeği, Maniyerist özellikleri yansıtır. Tintoretto'nun kullandığı özelliklerden biri siyah bir arka plandır. Resim perspektif kullanımıyla bir iç mekân belirtisi verse de, kompozisyonun kenarları çoğunlukla gölgeyle örtülüdür ve bu da Son Akşam Yemeği'nin merkezi sahnesi için drama sağlar. Ayrıca Tintoretto, özellikle İsa'nın halesi ve masanın üzerindeki asılı meşale ile ışıkla spot ışığı efektlerini kullanır. Tintoretto'nun kullandığı üçüncü bir Maniyerist özellik, dumanla şekillendirilmiş ve kompozisyonun etrafında süzülen figürlerin atmosferik etkileridir. ⓘ
El Greco
El Greco dini duyguları abartılı özelliklerle ifade etmeye çalışmıştır. İnsan formunun gerçekçi tasvirinden ve Yüksek Rönesans'ta ulaşılan perspektif ustalığından sonra, bazı sanatçılar duygusal ve sanatsal etki için kasıtlı olarak orantıları kopuk, mantıksız bir alanda bozmaya başladılar. El Greco hala son derece özgün bir sanatçıdır. Modern akademisyenler tarafından hiçbir geleneksel ekole ait olmayacak kadar bireysel bir sanatçı olarak nitelendirilmiştir. El Greco'da Maniyerizm'in kilit yönleri arasında sarsıcı "asit" paleti, uzatılmış ve işkence edilmiş anatomi, mantıksız perspektif ve ışık ile belirsiz ve rahatsız edici ikonografi yer alır. El Greco'nun üslubu, Yunan mirasına ve İspanya ile İtalya'ya yaptığı seyahatlere dayanan benzersiz gelişmelerin bir sonucudur. ⓘ
El Greco'nun çalışmaları, Bizans unsurlarının yanı sıra Venedik renklendirmesine ek olarak Caravaggio ve Parmigianino'nun etkisini de içeren çok sayıda stili yansıtır. Önemli bir unsur da, resminin en önemli yönlerinden biri olarak gördüğü renge verdiği önemdir. Kariyeri boyunca El Greco'nun çalışmaları, Colegio de la Encarnación de Madrid gibi yerlerde önemli komisyonları tamamladığı için yüksek talep görmeye devam etti. ⓘ
_-_Laoco%C3%B6n_-_Google_Art_Project.jpg)
El Greco'nun kendine özgü resim tarzı ve Maniyerist karakteristiklerle bağlantısı özellikle Laocoön adlı eserinde belirgindir. 1610 yılında resmedilen eser, Yunanlıların tanrıça Minerva'ya barış sunusu olarak sundukları tahta atın tehlikesi konusunda Truvalıları uyaran Laocoön'ün mitolojik hikâyesini anlatır. Bunun sonucunda Minerva, Laocoön ve iki oğlunu öldürmeleri için yılanları çağırarak intikam alır. El Greco bu sahneyi Troya'nın arka planına yerleştirmek yerine, "hikayenin çağdaş dünyayla olan ilgisini ortaya çıkararak evrenselleştirmek" amacıyla İspanya'nın Toledo kenti yakınlarına yerleştirmiştir. ⓘ
El Greco'nun Laocoön'deki benzersiz üslubu birçok Maniyerist özelliği örneklemektedir. Kompozisyon boyunca insan formlarının birçoğunun, zarafet hissi veren yılankavi hareketleriyle birlikte uzatılması yaygındır. Maniyerist üslubun bir diğer unsuru da El Greco'nun arka planda puslu bir gökyüzü ve bulanık bir manzara yarattığı atmosferik efektlerdir. ⓘ
Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini 1540 yılında altın ve mineden Cellini Tuzluğu'nu yaratmış, Poseidon ve Amphitrite'yi (su ve toprak) rahatsız edici pozisyonlarda ve uzun oranlarda yerleştirmiştir. Maniyerist heykel sanatının bir başyapıtı olarak kabul edilir. ⓘ
.jpg)
Lavinia Fontana
Lavinia Fontana (1552-1614) Batı Avrupa'da kariyer sahibi ilk kadın sanatçı olarak kabul edilen Maniyerist bir portre sanatçısıydı. Vatikan'da Portre Sanatçısı olarak görevlendirilmiştir. Tarzı, Venedik Okulu'nun renkleriyle Carracci ressam ailesinden etkilenmiş olarak nitelendirilir. Soylu kadın portreleri ve dönemindeki bir kadın için alışılmadık olan çıplak figür tasvirleriyle tanınır. ⓘ
Taddeo Zuccaro (ya da Zuccari)
Taddeo Zuccaro, Urbino yakınlarındaki Sant'Angelo in Vado'da, neredeyse bilinmeyen bir ressam olan Ottaviano Zuccari'nin oğlu olarak dünyaya geldi. Yaklaşık 1540 doğumlu kardeşi Federico da ressam ve mimardı. ⓘ
Federico Zuccaro (ya da Zuccari)
Federico Zuccaro'nun belgelenmiş ressamlık kariyeri, ağabeyi Taddeo'nun yanında çalışmak üzere Roma'ya taşındığı 1550 yılında başladı. Pius IV için süslemeleri tamamlamaya devam etti ve Caprarola'daki Villa Farnese'deki fresk süslemelerinin tamamlanmasına yardımcı oldu. 1563 ve 1565 yılları arasında Venedik'te Santa Maria Formosa'nın Grimani ailesiyle birlikte çalıştı. Venedik dönemi boyunca Palladio ile birlikte Friuli'de seyahat etti. ⓘ
Joachim Wtewael
Joachim Wtewael (1566-1638) hayatının sonuna kadar Kuzey Maniyerist tarzda resim yapmaya devam etmiş, Barok sanatının gelişini görmezden gelmiş ve belki de halen çalışmakta olan son önemli Maniyerist sanatçı olmuştur. Konuları arasında Pieter Aertsen tarzında natürmort ve mitolojik sahneleri içeren büyük sahneler, bakır üzerine güzelce işlenmiş ve çoğu çıplaklık içeren birçok küçük dolap resmi vardı. ⓘ
Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo en çok natürmort ve portreyi bir araya getiren eserleriyle tanınır. Meyve ve sebzelerin kompozisyonunun çeşitli şekillerde -sağdan yukarı ve baş aşağı- tasvir edilebildiği asamblaj tarzı ile tarzı Maniyerist olarak görülür. Arcimboldo'nun eserleri, izleyicilere aktardığı mizah açısından da Maniyerizm'e başvurmuştur, çünkü Rönesans eserleriyle aynı ciddiyet derecesine sahip değildir. Biçimsel olarak Arcimboldo'nun resimleri doğaya gösterdikleri özen ve "canavarca görünüm" kavramıyla bilinir. ⓘ
Arcimboldo'nun çeşitli Maniyerist özellikler taşıyan resimlerinden biri Vertumnus'tur. Siyah bir fon üzerine resmedilmiş olan tabloda, vücudu çeşitli sebze, çiçek ve meyvelerden oluşan Rudolf II'nin portresi yer almaktadır. Resmin esprisi, İmparator Rudolf II'nin kamusal imajının ardında karanlık bir iç benlik sakladığı şeklindeki iktidar mizahını iletir. Öte yandan, resmin ciddi tonu, hükümdarlığı sırasında yaygın olacak iyi talihin habercisidir. ⓘ
Vertumnus, kompozisyonu ve mesajı açısından çeşitli Maniyerist unsurlar içerir. Bu unsurlardan biri, Arcimboldo'nun İmparator'un statüsünü ve kimliğini vurgulamanın yanı sıra saltanatının fantezisini vurgulamak için kullandığı düz, siyah arka plandır. Arcimboldo, Rudolf II'nin portresinde de Rönesans'ın natüralist temsilinden uzaklaşır ve onu meyveler, sebzeler, bitkiler ve çiçeklerden oluşan bir karmaşadan oluşturarak kompozisyonun inşasını keşfeder. Resimde Maniyerizm'in bir başka unsuru da şaka ve ciddi mesajın ikili anlatımıdır; Rönesans sanat eserlerinde mizah normalde kullanılmazdı. ⓘ
Jacopo Pontormo Yusuf Mısır'da, 1515-1518; Ahşap üzerine yağlıboya; 96 x 109 cm; National Gallery, Londra
Rosso Fiorentino, Francois I Galerisi, Fontainebleau Şatosu, Fransa
Juno niş içinde, Jacopo Caraglio'nun gravürü, muhtemelen Rosso Fiorentino'nun 1526 tarihli çiziminden
Giuseppe Arcimboldo, Kütüphaneci, 1562, Skokloster Kalesi.
Giuseppe Arcimboldo, Sonbahar, 1573, tuval üzerine yağlıboya, Louvre Müzesi, Paris
Giuseppe Arcimboldo, Mevsimler Tanrısı Vertumnus, 1591, Skokloster Kalesi
Bronzino, Bia de' Medici'nin Portresi, 1545 civarı
Alessandro Allori, Susanna ve Yaşlılar, 1561
El Greco, Vaftiz, 1614 civarı ⓘ
Maniyerist mimari
Maniyerist mimari, Rönesans normlarına meydan okuyan görsel hileler ve beklenmedik unsurlarla karakterize edilmiştir. Birçoğu İtalya'ya seyahat etmiş ve oradaki Maniyerist gelişmelerden etkilenmiş olan Flaman sanatçılar, Maniyerist eğilimlerin mimarlık alanı da dahil olmak üzere Alpler'in kuzeyindeki Avrupa'ya yayılmasından sorumluydu. Bu dönemde mimarlar, katı ve mekânsal ilişkileri vurgulamak için mimari formları kullanmayı denediler. Rönesans'ın uyum ideali yerini daha özgür ve yaratıcı ritimlere bıraktı. Maniyerist tarzla ilişkilendirilen en tanınmış mimar ve Laurentian Kütüphanesi'nin öncülerinden biri Michelangelo'dur (1475-1564). Bir cephenin en altından en üstüne kadar uzanan büyük bir pilaster olan dev düzeni icat etmesiyle tanınır. Bunu Roma'daki Piazza del Campidoglio için yaptığı tasarımda kullanmıştır. Herrerian mimari tarzı (İspanyolca: estilo herreriano veya arquitectura herreriana) İspanya'da 16. yüzyılın son üçte birinde Philip II (1556-1598) döneminde geliştirilmiş ve 17. yüzyılda da yürürlükte kalmış, ancak dönemin Barok tarzı tarafından dönüştürülmüştür. İspanyol Rönesans mimarisinin üçüncü ve son aşamasına tekabül eder; bu aşama, başlangıçtaki Plateresk'ten 16. yüzyılın ikinci üçte birlik dönemindeki klasik Pürizm'e ve Herrerian tarzını ortaya çıkaran tamamen çıplak dekoratifliğe kadar ilerleyen bir saflaştırma süslemesine dönüşmüştür. ⓘ
20. yüzyıldan önce Maniyerizm terimi olumsuz çağrışımlara sahipti, ancak artık tarihsel dönemi daha genel, yargılayıcı olmayan terimlerle tanımlamak için kullanılmaktadır. Maniyerist mimari, 1960'lar ve 1970'lerde modernist mimarinin normlarını kırarken aynı zamanda varlıklarını da kabul eden bir eğilimi tanımlamak için de kullanılmıştır. Bu bağlamda Maniyerizmi tanımlayan mimar ve yazar Robert Venturi şöyle yazmıştır: "Özgün ifadeden ziyade geleneksel düzeni kabul eden, ancak karmaşıklık ve çelişkiyi barındırmak için geleneksel düzeni bozan ve böylece belirsizliği açık bir şekilde ele alan zamanımızın mimarisi için Maniyerizm." ⓘ
Rönesans örnekleri
Maniyerist mimarinin bir örneği, Roma'nın dışındaki engebeli kırsal kesimde bulunan Caprarola'daki Villa Farnese'dir. Gravürcülerin 16. yüzyılda çoğalması, Maniyerist üslupları önceki üsluplardan daha hızlı bir şekilde yaymıştır. ⓘ
Colditz Kalesi'ndeki "Roma" detaylarının yoğun bir şekilde işlendiği giriş kapısı, gösterişsiz yerel duvarlara karşı izole bir "set parçası" olarak karakteristik bir şekilde uygulanan kuzey stilini örneklemektedir. ⓘ
1560'ların sonlarından itibaren Malta'nın yeni başkenti Valletta'daki birçok bina mimar Girolamo Cassar tarafından Maniyerist tarzda tasarlanmıştır. Bu binalar arasında Aziz John Katedrali, Büyük Usta Sarayı ve yedi orijinal auberges yer almaktadır. Cassar'ın binalarının birçoğu yıllar içinde, özellikle de Barok dönemde değişikliğe uğramıştır. Ancak, Auberge d'Aragon ve Aziz John Katedrali'nin dış cephesi gibi birkaç bina, Cassar'ın orijinal Maniyerist tasarımının çoğunu hala korumaktadır. ⓘ
Maniyerist mimarinin en iyi örneklerinden biri: Giulio Romano tarafından tasarlanan Mantova'daki Palazzo Te
Giulio Romano, Mantova'daki Pallazo Ducale
Giulio Romano'nun Mantova'daki kendi evi
Baldassare Peruzzi, Roma'daki Palazzo Massimo alle Colonne
Michelangelo, Laurentian Kütüphanesi giriş holü
John's Co-Cathedral in Valletta, Malta
UNESCO Dünya Mirası Listesi'nde yer alan ve 1657 ile 1746 yılları arasında inşa edilen Salvador, Brezilya Katedral Bazilikası.
Ekvador'un Quito kentinde 1535-1650 yılları arasında inşa edilen büyük San Francisco Bazilikası. ⓘ
.JPG){kind=small}
Edebiyat ve müzikte Maniyerizm
İngiliz edebiyatında Maniyerizm, genellikle en ünlüsü John Donne olan "Metafizik" şairlerin nitelikleriyle özdeşleştirilir. Barok bir yazar olan John Dryden'ın bir önceki kuşakta Donne'ın şiirlerine karşı nükteli çıkışı, sanatta Barok ve Maniyerist amaçlar arasında özlü bir karşıtlık sağlar:
Donne sadece hicivlerinde değil, aşk şiirlerinde de doğanın hüküm sürmesi gereken yerde metafiziği etkiler; ve güzel cinsin aklını, kalplerini meşgul etmesi ve onları aşkın yumuşaklığıyla eğlendirmesi gerekirken, felsefenin hoş spekülasyonlarıyla karıştırır. (italikler eklenmiştir) ⓘ
Tim Carter tarafından tartışıldığı üzere, 16. yüzyılın sonları ve 17. yüzyılın başlarında şiirdeki zengin müzikal olanaklar, İtalyan müzik kültüründe en önde gelen müzik formu olarak hızla öne çıkan madrigal için cazip bir temel sağlamıştır:
Madrigal, özellikle de aristokrat kisvesi altında, Maniyerizm'in 'şık tarzı' için açıkça bir araçtı; şairler ve müzisyenler, uzmanları memnun etmek için esprili kibirlerden ve diğer görsel, sözlü ve müzikal hilelerden zevk alıyordu. ⓘ
Maniyerizm kelimesi, 14. yüzyılın sonlarında Fransa'da yapılan son derece süslü ve kontrpuan açısından karmaşık çok sesli müzik tarzını tanımlamak için de kullanılmıştır. Bu dönem artık genellikle ars subtilior olarak anılmaktadır. ⓘ
Maniyerizm ve tiyatro
Erken Dönem Commedia dell'Arte (1550-1621): Paul Castagno'nun The Mannerist Context adlı çalışması, Maniyerizmin çağdaş profesyonel tiyatro üzerindeki etkisini tartışmaktadır. Castagno'nun çalışması, comici dell'arte'nin tipleştirilmesi, abartılması ve effetto meraviglioso'sunu tartışmak için Maniyerizm ve maniera sözcüklerini kullanarak bir tiyatro formunu Maniyerist olarak tanımlayan ilk çalışmadır. Commedia dell'arte'deki Maniyerist özelliklerin tam bir tartışması için yukarıdaki kitabın II. bölümüne bakınız. Çalışma büyük ölçüde ikonografiktir ve commedia imgelerini resmeden ya da basan sanatçıların çoğunun aslında günün atölyelerinden gelen ve maniera geleneğine sıkı sıkıya bağlı sanatçılar olduğuna dair resimsel bir kanıt sunar. ⓘ
Jacques Callot'nun küçük gravürlerindeki incelik, çok daha büyük bir eylem ölçeğini yalanlıyor gibi görünüyor. Callot'nun Balli di Sfessania'sı (kelimenin tam anlamıyla, kalçaların dansı), çıkıntılı falluslar, komik bir ream beklentisiyle poz verilmiş mızraklar ve hayvani olanı insani olanla karıştıran fena halde abartılı maskelerle commedia'nın bariz erotizmini kutlar. Göğüslerin açıkta bırakılması ya da aşırı örtünme de dahil olmak üzere innamorate (aşıklar) erotizmi, Fontainebleau'nun ikinci okuluna ait resim ve gravürlerde, özellikle de Franko-Flaman etkisi tespit edilenlerde oldukça revaçtaydı. Castagno, tür resmi ile commedia dell'arte figürleri arasındaki ikonografik bağlantıları ortaya koyarak, bu teatral formun geç cinquecento döneminin kültürel gelenekleri içinde nasıl yer aldığını göstermektedir. ⓘ
Commedia dell'arte, disegno interno ve discordia concors
Maniyerist resimde disegno esterno'nun (dış tasarım) yerini alan disegno interno arasında önemli bağıntılar vardır. Doğanın ya da yerleşik ilkelerin (örneğin perspektif) yerini alan derinlemesine öznel bir görüşün yansıtılması fikri, özünde vurguyu nesneden öznesine kaydırarak artık icrayı, virtüözlük gösterilerini ya da benzersiz teknikleri öne çıkarmaktadır. Bu içsel vizyon, komedya performansının kalbinde yer alır. Örneğin, doğaçlama anında oyuncu virtüözitesini biçimsel sınırlara, adaba, bütünlüğe ya da metne aldırmadan ifade eder. Arlecchino, tavırcı discordia concors'un (karşıtların birliği) simgesi haline geldi; bir anda nazik ve kibar olurken, bir anda savaşını şiddetle sürdüren bir hırsıza dönüşebiliyordu. Arlecchino hareket ederken zarif olabilir, ancak bir sonraki vuruşta beceriksizce ayağı takılabilir. Dış kurallardan kurtulan oyuncu, anın geçiciliğini kutluyordu; tıpkı Benvenuto Cellini'nin heykellerini örterek, ışık efektleri ve harikulade bir hisle ortaya çıkararak müşterilerinin gözlerini kamaştırması gibi. Nesnenin sunumu, nesnenin kendisi kadar önemli hale geldi. ⓘ
Neo-Maniyerizm
20. yüzyılda Neo-Mannerizm'in yükselişi sanatçı Ernie Barnes'tan kaynaklandı. Bu tarz hem Yahudi Cemaatinden hem de Afro-Amerikan Cemaatinden büyük ölçüde etkilenmiş ve 1972-1979 yılları arasında "Gettonun Güzelliği" sergisine yol açmıştır. Sergi Amerika'nın büyük şehirlerini gezdi ve devlet adamları, profesyonel sporcular ve ünlüler tarafından ağırlandı. Sergi 1974 yılında Washington DC'deki Afrika Sanatı Müzesi'nde sergilendiğinde, Temsilci John Conyers Kongre Tutanağı'nda serginin önemli olumlu mesajını vurguladı. ⓘ
Barnes tarafından geliştirilen Neo-Mannerizm tarzı, abartılı hareketlerin yanı sıra uzun uzuvlara ve bedenlere sahip konuları içerir. Bir başka ortak tema da, "birbirimizin insanlığına karşı ne kadar kör olduğumuzun" görsel bir temsili olarak öznelerin kapalı gözleriydi. "Birbirimize bakıyoruz ve hemen karar veriyoruz: Bu kişi siyah, o halde ... olmalı. Bu kişi yoksulluk içinde yaşıyor, o halde ... olmalı". ⓘ
Neo-Maniyerizm ve Tiyatro & Sinema
Film yönetmeni Peter Greenaway bir röportajında, imgelerin veritabanı formu ile onları sinemasal olarak yapılandıran çeşitli analog ve dijital arayüzler arasındaki çözülmez gerilimle oynadığı kapsamlı ve kendine referanslı oyununun iki ana ilham kaynağı olarak Federico Fellini ve Bill Viola'dan bahseder. Bu oyun tam da (neo-)baroktan ayrıldığı ölçüde neo-mannerist olarak adlandırılabilir: "Roma Katolikliğinin size cennet ve cenneti sunması gibi, Batı sinemasıyla ilişkilendirilen tüm kapitalist etki tarafından çok büyük ölçüde sunulan eşdeğer bir ticari cennet var. Bu benim multimedyanın politik bir silah olarak kullanılmasına ilişkin politik analojim. Bir anlamda, büyük barok Karşı-Reform'u, onun kültürel faaliyetini, sinemanın, ağırlıklı olarak Amerikan sinemasının son yetmiş yılda yaptığı şeyle bir tutuyorum." ⓘ
Eleştiri
Sanat eleştirmeni Jerry Saltz'a göre "Neo-Mannerizm" (yeni Maniyerizm) "sanat dünyasının canına okuyan" birkaç klişeden biridir. Neo-Maniyerizm, akademik öğretmenleri tarafından "hoşa gidecek şekilde uysal, taklitçi ve sıradan olmaları için korkutulan" öğrenciler tarafından ortaya çıkarılan 21. yüzyıl sanatını tanımlıyor. ⓘ