Müzik

Uzaya gönderilen Voyager sondaları ile birlikte fırlatılan Voyager Altın Plağı'nın yivli yüzünde dünyanın dört bir yanından müzikler yer alıyor ⓘ

Müzik, ses düzenleme sanatıdır. Tüm insan toplumlarının evrensel kültürel yönlerinden biridir. Müzik, ritim, ses seviyesi ve perde gibi organize sesin ortak unsurlarını vurgulayan, vurgusunu azaltan veya ihmal eden stillerle tanımlanabilir. Ritim, bazen metre kullanılarak organize edilen ve genellikle perdenin çeşitliliğini ve yan yana gelişini koordine eden tempolarla belirlenebilir. Bireysel sesler, müziğin genel karakterine büyük ölçüde katkıda bulunan tınılara veya dokuya sahiptir. ⓘ

Türler arasındaki ilişkiler ve ayrımlar kesin değildir ve taksonomide olduğu gibi bazen hararetle tartışılır. Bir türün yalnızca varlığı veya meşruiyeti bile tartışma konusu olabilir. Müziği dönem, sahne, amaç veya sanatsal esine göre kategorize etmek bazen daha değerlidir. Müziğin münferit dönemleri parçalara ayrılır ve bu parçalar şarkılar, parçalar, senfoniler ya da benzerleri gibi çok sayıda geleneğe kategorize edilebilir. Parçalar, insan sesi de dahil olmak üzere çok çeşitli enstrümanlar kullanılarak bestelenebilir ve icra edilebilir. Yalnızca enstrümantal parçalar, yalnızca vokal parçalar, şarkı ve enstrümanları birleştiren parçalar, ses içermeyen parçalar, rastgele oluşturulmuş parçalar ve hatta başka bir ses organizasyonu olmadan yalnızca bir ortamı belirten parçalar vardır. ⓘ

Bazı müzikal bağlamlarda, bir performans veya beste bir dereceye kadar doğaçlama olabilir. Örneğin, Hindustani klasik müziğinde icracı kısmen tanımlanmış bir yapıyı takip ederken ve karakteristik motifleri kullanırken spontane bir şekilde çalar. Modal cazda icracılar değişen bir nota setini paylaşırken sırayla liderlik edebilir ve yanıt verebilir. Serbest caz bağlamında, her icracının kendi takdirine bağlı olarak hareket ettiği herhangi bir yapı olmayabilir. Müzik kasıtlı olarak icra edilemeyecek şekilde bestelenebilir veya birçok performanstan elektronik olarak toplanabilir. Müzik kamusal ve özel alanlarda çalınır, festivaller, rock konserleri ve orkestra performansı gibi etkinliklerde vurgulanır ve bir film, TV şovu, opera veya video oyununun müziğinin bir parçası olarak tesadüfen duyulur. Müzik çalma, MP3 çalar veya CD çaların birincil işlevidir ve radyoların ve akıllı telefonların evrensel bir özelliğidir. ⓘ

Müzik genellikle sosyal aktivitelerde (dans etmek, karaoke yapmak ve konserlere katılmak gibi), dini ritüellerde, geçiş törenlerinde, mezuniyet ve evlilik kutlamalarında ve topluluk koroları gibi kültürel aktivitelerde önemli bir rol oynar. Bir gençlik orkestrasında çello çalan bir genç veya partiler için kiralanan yerel bir funk grubu gibi bir hobi veya meslek olabilir. Müzik endüstrisi, şarkı yazarlarını, sanatçıları (orkestra, caz grubu ve rock grubu müzisyenleri, şarkıcılar ve şefler dahil), ses mühendislerini, yapımcıları, tur organizatörlerini, enstrüman, aksesuar ve nota dağıtıcılarını içerir. Besteler, performanslar ve kayıtlar müzik eleştirmenleri, müzik gazetecileri ve müzik akademisyenlerinin yanı sıra amatörler tarafından da değerlendirilir. Görsel sanatlar ve edebiyat gibi müzik de binlerce yıldır yaygın olarak yaratılmakta, takdir edilmekte, akademik olarak incelenmekte ve eleştirilmektedir. ⓘ

Trompet çalan bir müzisyen ⓘ

1. Nota kuyruğu
2. Nota bacağı
3. Nota yuvarlağı ⓘ

Müzik, insanın doğaya eklediği uyumlu seslerdir. Ses, bir doğa olayıdır. Müzik, bu doğal ve etkin olaydan bilinçli bir çalışma ve emek ile sanat yapıtı yaratmaktır, bilimsel temele oturtmaktır. Bütün müzik türleri için ana öğeler ritim, tonalite, dinamik ve ses rengi olarak belirtilir. Bu önemli elemanlardan anlaşılacağı gibi müzik yalnız insanın içinden yansıyan duygularla değil, bilgi ve anlayışla yaratılabilir. Müziğin bilgisine bakış, bir sanat olayını anlamamızı da sağlar. Ritim, tonalite, dinamik ve ses renginden hiçbiri, müzikte tek başına yer almaz ancak birlikte müziksel bir bütünlük yaratırlar. Değişik müzik türlerinde farklı oranlarda ağırlık taşıyabilirler. Müzik teorisi, müzik sanatını gerçekleştiren belirli kavram ve sistemlerin bir araya gelmesinden oluşur. ⓘ

Müzik, bütün insan topluluklarında öyle veya böyle bir şekilde mevcut olan bir sanattır. Günümüzde (modern) müzik, kimi güncel, kimi de geçmiş dönemlerden gelen inanılmaz çok sayıda stilin bir araya gelmesiyle oluşur. ⓘ

ⓘ

Etimoloji ve terminoloji

Yunan mitolojisinde dokuz ilham perisi, sanat da dahil olmak üzere pek çok yaratıcı çabaya ilham kaynağı olmuş ve nihayetinde özellikle müzikle yakından ilişkilendirilmiştir ⓘ

Modern İngilizce 'müzik' kelimesi 1630'larda kullanılmaya başlanmıştır. Birbirini izleyen uzun bir öncüller dizisinden türetilmiştir: 13. yüzyılın ortalarında Eski İngilizce 'musike'; 12. yüzyılda Eski Fransızca musique; ve Latince mūsica. Latince kelimenin kendisi Antik Yunanca mousiké (technē)-μουσική (τέχνη)-kelimenin tam anlamıyla "(sanat) Musaların" anlamına gelir. Musalar, Antik Yunan Mitolojisinde sanat ve bilimlere başkanlık eden dokuz tanrıdır. En eski Batılı yazarlar olan Homeros ve Hesiod tarafından masallara dahil edilmişler ve sonunda özellikle müzikle ilişkilendirilmişlerdir. Zamanla Polyhymnia, diğer ilham perilerinden daha belirgin bir şekilde müzik üzerinde ikamet edecekti. Latince musica kelimesi aynı zamanda hem İspanyolca música'nın hem de Fransızca musique'in yazım ve dilbilimsel uyarlama yoluyla kaynağıdır, ancak diğer Avrupa terimleri muhtemelen İtalyanca musica, Almanca musik, Hollandaca muziek, Norveççe musikk, Lehçe muzyka ve Rusça muzïka dahil olmak üzere alıntı kelimelerdir. ⓘ

Modern Batı dünyası genellikle müziği, çeşitli türleri, tarzları ve gelenekleri tanımlamak için eşit derecede kullanılan, her şeyi kapsayan bir terim olarak tanımlar. Dünya genelinde durum böyle değildir ve modern Endonezce (musik) ve Shona (musakazo) gibi diller, Batı kapsamına tam olarak uyan sözcüklere sahip olmadıkları için yakın zamanda bu evrensel anlayışı yansıtacak sözcükler benimsemiştir. Doğu Asya'da ne Japonya ne de Çin'de müziği geniş anlamda kapsayan tek bir kelime vardır, ancak kültürel olarak müziğe genellikle bu şekilde bakılır. Çince'de müzik anlamına gelen en yakın kelime olan yue, neşe anlamına gelen le ile aynı karakteri paylaşır ve anlamı daralmadan önce tüm sanatları ifade etmekteydi. Afrika kesin genellemeler yapmak için çok çeşitlidir, ancak müzikolog Joseph Hanson Kwabena Nketia Afrika müziğinin dans ve genel olarak konuşma ile genellikle ayrılmaz bağlantısını vurgulamıştır. Demokratik Kongo Cumhuriyeti'nin Songye halkı ve Nijerya'nın Tiv halkı gibi bazı Afrika kültürlerinde güçlü ve geniş bir 'müzik' anlayışı vardır ancak kendi dillerinde buna karşılık gelen bir kelime yoktur. Yaygın olarak 'müzik' olarak çevrilen diğer sözcükler, kendi kültürlerinde genellikle daha spesifik anlamlara sahiptir: Hintçe'de müzik için kullanılan sangita sözcüğü tam olarak sanat müziğine atıfta bulunurken, Amerika'nın birçok yerli dilinde müzik için özellikle şarkıya atıfta bulunan, ancak ne olursa olsun enstrümantal müziği tanımlayan sözcükler vardır. Arapça musiqi tüm müzikleri ifade edebilse de, genellikle enstrümantal ve metrik müzik için kullanılırken, khandan vokal ve doğaçlama müziği tanımlar. ⓘ

Türkçe kullanımıyla müzik kelimesi esasen antik Yunanca kökenlidir, ilk kullanımı musike şeklindedir. Latinceye musica olarak geçen kelime, latin kökenli neredeyse bütün dillerde benzer şekilde kullanılmaktadır (İng. music, Alm Muzik, Fr. musique gibi). Arapçaya yine Yunanca'dan mûsîkıy olarak geçen kelime, Türkçeye de buradan aktarılarak 10.yüzyıldan bu yana musiki şeklinde kullanılmaya başlanmıştır. ⓘ

Yunan mitolojisinde geçen ve esin perileri anlamına gelen muse sözcüğü, Türkçeye Musalar ya da Müz'ler olarak geçmiştir ve Türkçedeki müzik kelimesi de kökenini buradan alır (Müz'e ait, Müz'e yaraşır bir sanat anlamında). Mitolojiye göre Müz'lerin babası Zeus, annesi ise (hafıza-bellek anlamına da gelen) Mnemosyne'dir. Müz'ler, dans ederek ve şarkılar söyleyerek yaratıcı düşünceyi sunar, hastaları iyileştirir ve iç karartıcı düşünceleri uzaklaştırırlar. ⓘ

Müzikolog Ali Ufki Bey'in Nikrîz Peşrev notasyonu ⓘ

Tarihçe

Tarih Öncesi

Tarih öncesi müzik sadece paleolitik arkeoloji alanlarından elde edilen bulgulara dayanarak teorize edilebilir. Yanal delikler açılmış kemiklerden oyulmuş flütler sıklıkla keşfedilmiştir; bunların Japon shakuhachi'si gibi bir ucundan üflendiği düşünülmektedir. Bir mağara ayısı uyluk kemiğinden oyulmuş Divje Babe flütünün en az 40.000 yıllık olduğu düşünülmektedir, ancak bunun gerçekten bir müzik aleti mi yoksa hayvanlar tarafından oluşturulmuş bir nesne mi olduğu konusunda önemli tartışmalar vardır. Yedi delikli flüt gibi enstrümanlar ve Ravanahatha gibi çeşitli telli çalgılar İndus Vadisi uygarlığı arkeolojik alanlarından çıkarılmıştır. ⓘ

Hindistan dünyanın en eski müzik geleneklerinden birine sahiptir - Hindu geleneğinin eski kutsal metinleri olan Vedalarda Hint klasik müziğine (marga) atıfta bulunulmaktadır. En eski ve en büyük tarih öncesi müzik aletleri koleksiyonu Çin'de bulunmuştur ve M.Ö. 7000 ile 6600 yılları arasına tarihlenmektedir. Yaklaşık MÖ 1400'lere tarihlenen kil tabletler üzerinde bulunan "Nikkal'a Hurrice İlahi", günümüze ulaşan en eski notalı müzik eseridir. ⓘ

Antik Mısır

Amun Müzisyenleri, Naht Mezarı, 18. Hanedanlık, Batı Teb ⓘ

Mısır müzik enstrümanlarının en eski maddi ve temsili kanıtları Predynastic dönemine dayanır, ancak kanıtlar arpların, flütlerin ve çift klarnetlerin çalındığı Eski Krallık döneminde daha sağlam bir şekilde kanıtlanmıştır. Vurmalı çalgılar, lirler ve lavtalar Orta Krallık döneminde orkestralara eklenmiştir. Ziller, bugün hala Mısır'da olduğu gibi müzik ve dansa sıklıkla eşlik ediyordu. Geleneksel Sufi ritüelleri de dahil olmak üzere Mısır halk müziği, birçok özelliğini, ritmini ve enstrümanını koruyan eski Mısır müziğine en yakın çağdaş müzik türüdür. ⓘ

Asya kültürleri

Hindistan'ın farklı bölgelerinde popüler olan çeşitli müzik aletlerini çalan yöresel kıyafetler giymiş Hintli kadınlar ⓘ

Asya müziği, Arabistan, Orta Asya, Doğu Asya, Güney Asya ve Güneydoğu Asya ile ilgili makalelerde incelenen geniş bir müzik kültürünü kapsamaktadır. Bazılarının gelenekleri antik çağlara kadar uzanmaktadır. ⓘ

Hint klasik müziği dünyanın en eski müzik geleneklerinden biridir. İndus Vadisi uygarlığında dansı ve yedi delikli flüt gibi eski müzik aletlerini gösteren heykeller vardır. Sir Mortimer Wheeler tarafından yürütülen kazılarda Harappa ve Mohenjo Daro'dan çeşitli türlerde telli çalgılar ve davullar çıkarılmıştır. Rigveda, ölçüyü ve ilahi söyleme tarzını belirten bir müzik notasyonu ile günümüz Hint müziğinin unsurlarına sahiptir. Hint klasik müziği (marga) tek seslidir ve talalar aracılığıyla ritmik olarak düzenlenen tek bir melodi çizgisine veya raga'ya dayanır. Ilango Adigal'ın Silappadhikaram adlı eseri, toniğin mevcut bir gamdan modal olarak kaydırılmasıyla yeni gamların nasıl oluşturulabileceği hakkında bilgi vermektedir. Günümüz Hint müziği İran geleneksel müziğinden ve Afgan Babürlerinden etkilenmiştir. Güney eyaletlerinde popüler olan Karnatik müzik büyük ölçüde adanmıştır; şarkıların çoğu Hindu tanrılarına hitap eder. Aşk ve diğer sosyal konuları vurgulayan birçok şarkı da vardır. ⓘ

Endonezya gong çanının anavatanıdır, Endonezya genelinde, özellikle Java ve Bali'de birçok çeşidi vardır. ⓘ

Endonezya müziği, Bronz Çağı kültürünün MÖ 2. ila 3. yüzyıllarda Endonezya takımadalarına göç etmesinden bu yana oluşmuştur. Endonezya geleneksel müziğinde genellikle vurmalı çalgılar, özellikle de kendang ve gong kullanılır. Bazıları, Rote adasındaki sasando telli çalgısı, Sundanese angklung ve karmaşık ve sofistike Cava ve Bali gamelan orkestraları gibi ayrıntılı ve kendine özgü müzik aletleri geliştirmiştir. Endonezya gong çanının anavatanıdır, gong çanı bir dizi küçük, tiz pot gong için kullanılan genel bir terimdir. Gonglar genellikle nota sırasına göre yerleştirilir ve baş kısmı alçak ahşap bir çerçeve içinde tutulan bir ipin üzerindedir. Endonezya müziğinin en popüler ve ünlü formu muhtemelen metalofonlar, davullar, gonglar ve bambu suling ile birlikte çivili kemanları içeren akortlu vurmalı çalgılar topluluğu olan gamelan'dır. ⓘ

Çin'in geleneksel sanat veya saray müziği olan Çin klasik müziği, yaklaşık üç bin yıllık bir geçmişe sahiptir. Kendine özgü nota sistemlerinin yanı sıra müzikal akort ve perde, müzik aletleri ve stilleri veya müzik türleri vardır. Çin müziği pentatonik-diatoniktir ve Avrupa'dan etkilenen müzikte olduğu gibi bir oktavda on iki notadan oluşan bir ölçeğe sahiptir (5 + 7 = 12). ⓘ

Antik Yunan

Antik Yunan'da müzik sosyal ve kültürel yaşamın önemli bir parçasıydı, hatta çocuklara öğretilen ana konulardan biriydi. Müzik eğitiminin bireyin ruhunun gelişimi için önemli olduğu düşünülürdü. Müzisyenler ve şarkıcılar Yunan tiyatrosunda önemli bir rol oynamış ve müzik eğitimi alanlar soylu ve mükemmel bir uyum içinde görülmüştür (Platon'un Cumhuriyet adlı eserinde okunabileceği gibi) Karma cinsiyetli korolar eğlence, kutlama ve ruhani törenler için sahne almıştır. Kutsal Antik Yunan müziği mükemmelliğin ve saflığın bir örneği olarak kabul edilir. Enstrümanlar arasında çift kamışlı ve koparılmış telli bir enstrüman olan lir, özellikle de lir adı verilen özel bir tür vardı. Müzik eğitimin önemli bir parçasıydı ve erkek çocuklara altı yaşından itibaren müzik öğretilirdi. Yunan müzik okuryazarlığı, müzik gelişiminde bir çiçeklenme yarattı. Yunan müzik teorisi, sonunda Batı dini ve klasik müziğinin temeli haline gelen Yunan müzik modlarını içeriyordu. Daha sonra Roma İmparatorluğu, Doğu Avrupa ve Bizans İmparatorluğu'ndan gelen etkiler Yunan müziğini değiştirmiştir. Seikilos'un kitabesi, dünyanın herhangi bir yerinden nota da dahil olmak üzere eksiksiz bir müzik bestesinin günümüze ulaşan en eski örneğidir. Müzik teorisi konusunda yazılmış günümüze ulaşan en eski eser Aristoxenus'un Harmonika Stoicheia'sıdır. ⓘ

Batı klasik

Orta Çağ

Bir Katolik Missalinden müzik notaları, yaklaşık 1310-1320 ⓘ

Ortaçağ'da (476 - 1400) tek sesli (tek melodik çizgi) ilahilerin Roma Katolik Kilisesi ayinlerine girmesiyle başlamıştır. Müzikal notasyon Antik Yunan kültüründen beri kullanılmaktaydı, ancak Ortaçağ'da notasyon ilk kez Katolik kilisesi tarafından ilahi melodilerinin yazılabilmesi ve tüm Katolik imparatorluğunda dini müzik için aynı melodilerin kullanılmasını kolaylaştırmak amacıyla kullanılmaya başlandı. Avrupa'da 800 yılından önce yazılı olarak bulunmuş tek Ortaçağ repertuarı, Roma Katolik Kilisesi'nin Gregoryen ilahisi olarak adlandırılan tek sesli litürjik plainsong ilahisidir. Bu kutsal ve kilise müziği geleneklerinin yanı sıra canlı bir seküler şarkı (din dışı şarkılar) geleneği de vardı. Bu dönemin bestecilerine örnek olarak Léonin, Pérotin, Guillaume de Machaut ve Walther von der Vogelweide verilebilir. ⓘ

Rönesans

Müzik Alegorisi, Filippino Lippi (yaklaşık 1650) ⓘ

Rönesans müziği (1400-1600 arası) daha çok saray aşkı gibi seküler (dini olmayan) temalara odaklanmıştır. Yaklaşık 1450'de matbaa icat edildi ve bu sayede basılı notalar çok daha ucuz ve kolay bir şekilde seri üretilebilir hale geldi (matbaanın icadından önce tüm notalı müzikler elle kopyalanıyordu). Notaların bulunabilirliğinin artması, müzik tarzlarının daha hızlı ve daha geniş bir alana yayılmasına yardımcı oldu. Müzisyenler ve şarkıcılar genellikle kilise, mahkemeler ve kasabalar için çalıştılar. Kilise koroları giderek büyüdü ve kilise müziğin önemli bir hamisi olmaya devam etti. 15'inci yüzyılın ortalarına gelindiğinde besteciler, farklı melodi dizilerinin aynı anda iç içe geçtiği zengin polifonik kutsal müzik yazdılar. Bu dönemin önde gelen bestecileri arasında Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley ve Orlande de Lassus sayılabilir. Müzik faaliyeti kiliseden aristokrat saraylara kaydıkça krallar, kraliçeler ve prensler en iyi besteciler için yarıştılar. Önde gelen birçok önemli besteci Hollanda, Belçika ve Kuzey Fransa'dan gelmiştir. Bunlara Franko-Flaman besteciler denir. Başta İtalya olmak üzere tüm Avrupa'da önemli mevkilerde bulundular. Müzikal faaliyetlerin canlı olduğu diğer ülkeler arasında Almanya, İngiltere ve İspanya da vardı. ⓘ

Barok

Müziğin Barok dönemi, Barok sanatsal tarzın Avrupa'da gelişmesiyle 1600'den 1750'ye kadar sürdü; ve bu süre zarfında müzik, çeşitliliği ve karmaşıklığı bakımından genişledi. Barok müzik, ilk operaların (orkestra eşliğinde dramatik solo vokal müzik) yazılmasıyla başlamıştır. Barok dönem boyunca, birden fazla, aynı anda bağımsız melodi çizgisinin kullanıldığı çok sesli kontrpuan müzik önemini korumuştur (Ortaçağ döneminin vokal müziğinde kontrpuan önemliydi). Alman Barok besteciler yaylılar, üflemeliler ve nefesliler gibi küçük toplulukların yanı sıra korolar ve borulu org, klavsen ve klavikord gibi klavyeli çalgılar için de yazmıştır. Bu dönemde, füg, icat, sonat ve konçerto da dahil olmak üzere, daha sonraki dönemlerde genişletilen ve geliştirilen birkaç ana müzik formu tanımlanmıştır. Geç Barok tarzı polifonik olarak karmaşık ve zengin süslemeliydi. Barok dönemin önemli bestecileri arasında Johann Sebastian Bach (Çello süitleri), George Frideric Handel (Messiah), Georg Philipp Telemann ve Antonio Lucio Vivaldi (The Four Seasons) sayılabilir. ⓘ

Klasisizm

Wolfgang Amadeus Mozart (klavyede oturan) piyano ve keman virtüözü bir dahi çocuktu. Ünlü bir besteci olmadan önce bile yetenekli bir icracı ve doğaçlamacı olarak tanınıyordu. ⓘ

Klasik dönem (1730-1820) müziği, Antik Yunan ve Roma sanat ve felsefesinin temel unsurları olarak görülen denge, orantı ve disiplinli ifade ideallerini taklit etmeyi amaçlamıştır. (Not: Klasik dönem müziği genel olarak Klasik müzikle karıştırılmamalıdır; bu terim 5. yüzyıldan 2000'li yıllara kadar olan Batı sanat müziğine atıfta bulunur ve Klasik dönemi bir dizi dönemden biri olarak içerir). Klasik dönem müziği, kendisinden önce gelen Barok müziğe göre daha hafif, daha net ve oldukça basit bir dokuya sahiptir. Ana stil, belirgin bir melodi ve ikincil bir akor eşlik bölümünün açıkça farklı olduğu homofoniydi. Klasik enstrümantal melodiler neredeyse ses benzeri ve söylenebilir olma eğilimindeydi. Yeni türler geliştirilmiş ve modern piyanonun öncüsü olan fortepiano, ana klavye enstrümanı olarak Barok dönem harpsikordunun ve borulu orgunun yerini almıştır (ancak borulu org ayinler gibi kutsal müziklerde kullanılmaya devam etmiştir). ⓘ

Enstrümantal müziğe önem verilmiştir. Barok dönemde tanımlanan sonat, konçerto ve senfoni gibi müzikal formların daha da geliştirilmesi hakim olmuştur. Diğer ana türler trio, string quartet, serenat ve divertimento idi. Sonat en önemli ve gelişmiş formdu. Barok besteciler de sonat yazmış olsa da, Klasik sonat tarzı tamamen farklıdır. Yaylı dörtlülerden senfonilere ve konçertolara kadar Klasik dönemin tüm ana enstrümantal formları sonatın yapısına dayanıyordu. Oda müziği ve orkestrada kullanılan enstrümanlar daha standart hale gelmiştir. Barok dönemin klavsen, org veya lavta ile grup liderinin takdirine bağlı olarak seçilen bir dizi bas enstrümandan (örneğin viyol, viyolonsel, teorbo, serpent) oluşan basso continuo grubu yerine, Klasik oda grupları belirli, standart enstrümanlar kullanmıştır (örneğin bir yaylı dörtlüsü iki keman, bir viyola ve bir viyolonsel tarafından icra edilir). Barok döneminin doğaçlama akor çalan kontrtenor klavyecisi ya da lavtacısı 1750 ile 1800 yılları arasında aşamalı olarak ortadan kaldırılmıştır. ⓘ

Klasik dönemde yapılan en önemli değişikliklerden biri de halka açık konserlerin gelişmesiydi. Aristokrasi konserlerin ve bestelerin sponsorluğunda hala önemli bir rol oynuyordu, ancak bestecilerin kraliçelerin veya prenslerin daimi çalışanları olmadan hayatta kalmaları artık mümkündü. Klasik müziğin artan popülaritesi, orkestraların sayısında ve türlerinde bir artışa yol açtı. Orkestra konserlerinin yaygınlaşması, büyük kamusal performans alanlarının inşa edilmesini gerektirdi. Senfonileri de içeren senfonik müzik, baleye eşlik eden müzik ve opera ve oratoryo gibi karışık vokal/enstrümantal türler daha popüler hale geldi. ⓘ

Klasisizmin en bilinen bestecileri Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven ve Franz Schubert'tir. Beethoven ve Schubert de Romantizme doğru ilerlemeye başlayan Klasik dönemin ilerleyen dönemlerindeki besteciler olarak kabul edilir. ⓘ

Romantizm

Piyano, 19. yüzyılda orta sınıf kentliler için sosyal aktivitenin merkeziydi (Moritz von Schwind, 1868). Piyanodaki adam besteci Franz Schubert. ⓘ

19. yüzyılın romantik müziği (1810-1900 arası), dönemin edebiyat ve resim alanındaki romantik üsluplarıyla birçok ortak unsura sahiptir. Sanatsal, edebi ve entelektüel bir akım olan romantizm, duygulara ve bireyselliğe yaptığı vurgunun yanı sıra tüm geçmişin ve doğanın yüceltilmesiyle karakterize edilir. Romantik müzik, Klasik dönemin katı stil ve formlarının ötesine geçerek daha tutkulu, dramatik ve etkileyici parçalara ve şarkılara dönüşmüştür. Wagner ve Brahms gibi romantik besteciler, daha derin gerçekleri veya insani duyguları anlatmak için müziklerinde duygusal ifadeyi ve gücü artırmaya çalıştılar. Senfonik ton şiirleri ile besteciler enstrümantal müzik kullanarak hikayeler anlatmaya ve imgeler ya da manzaralar uyandırmaya çalışmışlardır. Bazı besteciler, halk müziğinden esinlenen vatansever orkestra müziğiyle milliyetçi gururu desteklemiştir. Müziğin duygusal ve etkileyici nitelikleri geleneklerin önüne geçmeye başladı. ⓘ

Romantik besteciler kendilerine özgü bir şekilde büyüdüler ve müzikal bağlamda farklı sanat formlarını (edebiyat gibi), tarihi (tarihi figürler ve efsaneler) veya doğanın kendisini keşfetme senkretizminde daha da ileri gittiler. Romantik aşk veya özlem, bu dönemde bestelenen birçok eserde yaygın bir temaydı. Bazı durumlarda klasik dönemin biçimsel yapıları kullanılmaya devam edilmiş (örneğin yaylı çalgılar dörtlüleri ve senfonilerde kullanılan sonat formu), ancak bu formlar genişletilmiş ve değiştirilmiştir. Birçok durumda, mevcut türler, formlar ve işlevler için yeni yaklaşımlar keşfedilmiştir. Ayrıca, yeni konulara daha uygun olduğu düşünülen yeni formlar da yaratıldı. Besteciler yeni tarzlar ve temalar keşfederek opera ve bale müziği geliştirmeye devam ettiler. ⓘ

1800'den sonraki yıllarda, Ludwig van Beethoven ve Franz Schubert tarafından geliştirilen müzik daha dramatik, etkileyici bir tarz ortaya koydu. Beethoven'ın durumunda, organik olarak geliştirilen kısa motifler, en önemli kompozisyon birimi olarak melodinin yerini almıştır (Beşinci Senfoni'de kullanılan ayırt edici dört nota figürü buna bir örnektir). Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Antonín Dvořák ve Gustav Mahler gibi daha sonraki Romantik besteciler dramatik gerilim yaratmak için daha sıra dışı akorlar ve daha fazla uyumsuzluk kullandılar. Karmaşık ve genellikle çok daha uzun müzik eserleri ürettiler. Geç Romantik dönem boyunca besteciler, yeni ses "renkleri" yaratan genişletilmiş akorlar ve değiştirilmiş akorlar gibi tonalitenin dramatik kromatik değişimlerini keşfettiler. 19. yüzyılın sonlarında orkestranın boyutlarında dramatik bir genişleme görülmüş ve sanayi devrimi daha iyi enstrümanların yaratılmasına yardımcı olarak daha güçlü bir ses yaratmıştır. Halka açık konserler varlıklı kent toplumunun önemli bir parçası haline geldi. Ayrıca operet, müzikal komedi ve diğer müzikal tiyatro türleri de dahil olmak üzere tiyatro müziğinde yeni bir çeşitlilik görüldü. ⓘ

20. ve 21. yüzyıl

19. yüzyılda, yeni bestelerin halk tarafından tanınmasının en önemli yollarından biri, orta sınıftan amatör müzikseverlerin evlerinde piyano veya keman gibi diğer yaygın enstrümanlarla icra ettikleri notaların satışıydı. 20. yüzyıl müziğinde, radyo yayıncılığı gibi yeni elektrik teknolojilerinin icadı ve gramofon plaklarının kitlesel olarak piyasaya sürülmesi, dinleyiciler tarafından (radyoda veya pikaplarında) duyulan şarkı ve parçaların ses kayıtlarının yeni şarkı ve parçaları öğrenmenin ana yolu haline geldiği anlamına geliyordu. Radyo popülerlik kazandıkça ve fonograflar müziği yeniden çalmak ve dağıtmak için kullanıldıkça müzik dinlemede büyük bir artış oldu, çünkü 19. yüzyılda notalara odaklanmak yeni müziğe erişimi müzik okuyabilen, piyano ve enstrüman sahibi orta sınıf ve üst sınıf insanlarla sınırlarken, 20. yüzyılda radyosu veya plak çaları olan herkes operaları, senfonileri ve büyük grupları kendi oturma odasında dinleyebiliyordu. Bu durum, bir opera ya da senfoni konseri biletini asla karşılayamayacak olan düşük gelirli insanların bu müziği dinleyebilmelerine olanak sağladı. Bu aynı zamanda insanların ülkenin farklı yerlerinden, hatta dünyanın farklı yerlerinden müzikleri, bu yerlere seyahat etmeye güçleri yetmese bile dinleyebilmeleri anlamına geliyordu. Bu da müzik tarzlarının yayılmasına yardımcı oldu. ⓘ

Sanat müziğinin 20. yüzyıldaki odak noktası yeni ritimlerin, tarzların ve seslerin keşfedilmesiydi. Birinci Dünya Savaşı'nın dehşeti, müzik de dahil olmak üzere birçok sanatı etkiledi ve bazı besteciler daha karanlık, daha sert sesleri keşfetmeye başladı. Caz ve halk müziği gibi geleneksel müzik tarzları besteciler tarafından klasik müzik için bir fikir kaynağı olarak kullanıldı. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg ve John Cage 20. yüzyıl sanat müziğinde etkili bestecilerdir. Ses kaydının icadı ve müziği düzenleme yeteneği, elektronik kompozisyonun akusmatik ve Musique concrète ekolleri de dahil olmak üzere klasik müziğin yeni alt türlerinin ortaya çıkmasına neden oldu. Ses kaydı aynı zamanda popüler müzik türlerinin gelişiminde de önemli bir etkiye sahipti, çünkü şarkıların ve grupların kayıtlarının geniş çapta dağıtılmasını sağladı. Multitrack kayıt sisteminin kullanılmaya başlanması rock müzik üzerinde büyük bir etki yaratmıştır çünkü bu sistem bir grubun performansını kaydetmekten çok daha fazlasını yapabilmektedir. Bir grup ve müzik yapımcısı multitrack sistemi kullanarak birçok enstrüman ve vokal katmanını üst üste bindirebiliyor ve canlı performansta mümkün olmayan yeni sesler yaratabiliyordu. ⓘ

Caz, 20. yüzyıl boyunca gelişerek önemli bir müzik türü haline geldi ve aynı yüzyılın ikinci yarısında rock müzik de aynı şeyi yaptı. Caz, 20. yüzyılın başlarında Amerika Birleşik Devletleri'nin güneyindeki Afro-Amerikan topluluklarında Afrika ve Avrupa müzik geleneklerinin bir araya gelmesiyle ortaya çıkmış bir Amerikan müzik sanatıdır. Tarzın Batı Afrika soyağacı, mavi notalar, doğaçlama, poliritimler, senkop ve sallanan nota kullanımında belirgindir. ⓘ

Rock müzik, 1960'larda 1950'lerin rock and roll, rockabilly, blues ve country müziğinden gelişen bir popüler müzik türüdür. Rock müziğin sound'u genellikle elektro gitar veya akustik gitar etrafında döner ve bir ritim bölümü tarafından ortaya konan güçlü bir arka vuruş kullanır. Gitar veya klavyelerin yanı sıra saksafon ve blues tarzı armonika da solo enstrümanlar olarak kullanılır. "En saf haliyle", "üç akor, güçlü, ısrarcı bir arka vuruş ve akılda kalıcı bir melodiye sahiptir". Popüler müzik için geleneksel ritim bölümü ritim gitar, elektro bas gitar ve davuldur. Bazı gruplarda org, piyano ya da 1970'lerden beri analog synthesizer gibi klavyeli enstrümanlar da bulunmaktadır. 1980'lerde pop müzisyenleri DX-7 synthesizer gibi dijital synthesizer'lar, TR-808 gibi elektronik davul makineleri ve synth bas cihazları (TB-303 gibi) veya synth bas klavyeleri kullanmaya başladı. 1990'larda, giderek daha geniş bir yelpazede bilgisayarlı donanım müzik cihazları ve enstrümanları ve yazılımları (örneğin, dijital ses iş istasyonları) kullanıldı. 2020'lerde, yumuşak synth'ler ve bilgisayar müzik uygulamaları, yatak odası yapımcılarının kendi evlerinde elektronik dans müziği gibi bazı müzik türlerini yaratmalarını ve kaydetmelerini, örneklenmiş ve dijital enstrümanlar eklemelerini ve kaydı dijital olarak düzenlemelerini mümkün kılmıştır. 1990'larda nu metal gibi türlerdeki bazı gruplar gruplarına DJ'leri de dahil etmeye başladı. DJ'ler, bir DJ mikseri kullanarak plak çalarlarda veya CD çalarlarda kayıtlı müziği manipüle ederek müzik yaratırlar. ⓘ

Müzik teknolojisindeki yenilikler, izomorfik klavyelerin ve Dinamik Tonalitenin geliştirilmesi de dahil olmak üzere 21. yüzyılda da devam etmiştir. ⓘ

Sanat ve eğlence

Khatia Buniatishvili kuyruklu piyano çalıyor ⓘ

Müzik, estetik zevk, dini veya törensel amaçlar veya pazar için bir eğlence ürünü olarak birçok amaç için bestelenir ve icra edilir. Klasik ve Romantik dönemler gibi müziğin sadece notalarla icra edilebildiği dönemlerde, müzikseverler en sevdikleri parçaların ve şarkıların notalarını satın alarak bunları evde piyanoda icra edebilmekteydi. Fonografın ortaya çıkışıyla birlikte, notalar yerine popüler şarkıların plakları müzikseverlerin en sevdikleri şarkıların keyfini çıkarmalarının baskın yolu haline geldi. 1980'lerde ev tipi teyplerin ve 1990'larda dijital müziğin ortaya çıkmasıyla, müzikseverler en sevdikleri şarkılardan oluşan kasetler ya da çalma listeleri oluşturabilir ve bunları taşınabilir bir kasetçalar ya da MP3 çalar ile yanlarında taşıyabilirler. Bazı müzikseverler en sevdikleri şarkılardan oluşan karışık kasetler oluşturarak bunları "otoportre, bir dostluk jesti, ideal bir parti için reçete... [ve] yalnızca en ateşli şekilde sevilen şeylerden oluşan bir ortam" olarak işlev görmektedir. ⓘ

Amatör müzisyenler kendi zevkleri için beste yapabilir veya müzik icra edebilir ve gelirlerini başka bir yerden elde edebilirler. Profesyonel müzisyenler, silahlı kuvvetler (bandolar, konser grupları ve popüler müzik gruplarında), kiliseler ve sinagoglar, senfoni orkestraları, yayın veya film yapım şirketleri ve müzik okulları dahil olmak üzere bir dizi kurum ve kuruluş tarafından istihdam edilmektedir. Profesyonel müzisyenler bazen serbest ya da oturum müzisyeni olarak çalışmakta, çeşitli ortamlarda sözleşme ve görevler aramaktadır. Amatör ve profesyonel müzisyenler arasında genellikle birçok bağlantı vardır. Yeni başlayan amatör müzisyenler profesyonel müzisyenlerden ders alırlar. Topluluk ortamlarında, ileri düzey amatör müzisyenler, topluluk konser grupları ve topluluk orkestraları gibi çeşitli topluluklarda profesyonel müzisyenlerle birlikte performans sergiler. ⓘ

Canlı bir dinleyici kitlesi için icra edilen müzik ile kaydedilip müzik perakende sistemi veya yayın sistemi aracılığıyla dağıtılabilmesi için stüdyoda icra edilen müzik arasında genellikle bir ayrım yapılır. Ancak, seyirci önünde gerçekleştirilen canlı performansların da kaydedilip dağıtıldığı pek çok durum vardır. Canlı konser kayıtları hem klasik müzikte hem de rock gibi popüler müzik türlerinde popülerdir; yasadışı olarak kaydedilen canlı konserler müzikseverler tarafından çok beğenilmektedir. Jam band sahnesinde canlı, doğaçlama jam session'lar stüdyo kayıtlarına tercih edilir. ⓘ

Kompozisyon

Elektronik klavyeler ve bilgisayarlar kullanarak 2013 yılında müzik besteleyen insanlar. ⓘ

Fransız Barok müzik bestecisi Michel Richard Delalande (1657-1726), elinde kalem. ⓘ

"Beste" bir şarkı, enstrümantal bir müzik parçası, hem şarkılı hem de enstrümanlı bir eser veya başka bir müzik türü yaratma eylemi veya uygulamasıdır. Batı klasik müziği de dahil olmak üzere pek çok kültürde besteleme eylemi, nota gibi müzik notalarının oluşturulmasını da içerir ve bu notalar daha sonra besteci ya da diğer şarkıcılar veya müzisyenler tarafından icra edilir. Popüler müzik ve geleneksel müzikte, tipik olarak şarkı yazarlığı olarak adlandırılan besteleme eylemi, melodiyi, sözleri ve akor ilerleyişini belirleyen lead sheet adı verilen şarkının temel bir taslağının oluşturulmasını içerebilir. Klasik müzikte, besteci genellikle kendi bestelerini düzenler, ancak müzikal tiyatroda ve pop müzikte, şarkı yazarları orkestrasyonu yapması için bir aranjör tutabilir. Bazı durumlarda, bir şarkı yazarı hiç nota kullanmayabilir ve bunun yerine şarkıyı zihninde besteleyip daha sonra hafızasından çalabilir veya kaydedebilir. Caz ve popüler müzikte, etkili sanatçıların kayda değer kayıtlarına klasik müzikte yazılı notalara verilen ağırlık verilir. ⓘ

Klasik müzikte olduğu gibi müzik nispeten kesin bir şekilde notaya döküldüğünde bile, nota müziğin tüm unsurlarını tam olarak belirtmediği için icracının vermesi gereken pek çok karar vardır. Önceden bestelenmiş ve notaya alınmış bir müziğin nasıl icra edileceğine karar verme süreci "yorumlama" olarak adlandırılır. Farklı icracıların aynı müzik eserine ilişkin yorumları, seçilen tempo ve melodilerin çalınış veya söyleniş tarzı ya da ifade biçimi açısından büyük farklılıklar gösterebilir. Kendi müziklerini sunan besteciler ve söz yazarları, başkalarının müziklerini icra edenler kadar kendi şarkılarını yorumlamaktadır. Belirli bir zamanda ve belirli bir yerde mevcut olan standart seçimler ve teknikler bütünü performans pratiği olarak adlandırılırken, yorumlama genellikle bir icracının bireysel seçimleri anlamında kullanılır. ⓘ

Bir müzik bestesi genellikle müzik notası kullansa ve tek bir yazara sahip olsa da, bu her zaman böyle değildir. Bir müzik eserinin birden fazla bestecisi olabilir; bu durum genellikle popüler müzikte bir grubun bir şarkıyı yazmak için işbirliği yapması veya müzikal tiyatroda bir kişinin melodileri yazması, ikinci bir kişinin şarkı sözlerini yazması ve üçüncü bir kişinin şarkıları orkestrasyona tabi tutması şeklinde ortaya çıkar. Blues gibi bazı müzik türlerinde, bir besteci/söz yazarı yeni şarkıları ya da parçaları notaya dökmeden yaratabilir, icra edebilir ve kaydedebilir. Bir müzik parçası, şarkıcı veya müzisyenin müzikal sesleri nasıl yaratması gerektiğini açıklayan veya notaya döken kelimeler, resimler veya bilgisayar programları ile de bestelenebilir. Örnekler, grafik notasyonu kullanan avangart müzikten Aus den sieben Tagen gibi metin kompozisyonlarına ve müzik parçaları için sesleri seçen bilgisayar programlarına kadar uzanır. Rastgelelik ve şansı yoğun olarak kullanan müzik aleatorik müzik olarak adlandırılır ve John Cage, Morton Feldman ve Witold Lutosławski gibi 20. yüzyılda aktif olan çağdaş bestecilerle ilişkilendirilir. Şansa dayalı müziğin daha yaygın olarak bilinen bir örneği, bir esintide çınlayan rüzgar çanlarının sesidir. ⓘ

Kompozisyon çalışmaları geleneksel olarak Batı klasik müziğinin yöntem ve uygulamalarının incelenmesi üzerine yoğunlaşmıştır, ancak kompozisyonun tanımı popüler müzik ve geleneksel müzik şarkıları ve enstrümantal parçaların yanı sıra serbest caz sanatçıları ve Ewe davulcuları gibi Afrikalı perküsyoncular gibi kendiliğinden doğaçlama eserlerin yaratılmasını da içerecek kadar geniştir. ⓘ

Notasyon

Nota, müziğin yazılı bir temsilidir. Geleneksel "Adeste Fideles "in karışık sesler için standart iki kadro formatında homoritmik (yani ilahi tarzı) düzenlemesi.

2000'li yıllarda, müzik notasyonu tipik olarak notaların ve ritimlerin semboller kullanılarak kağıt üzerinde yazılı olarak ifade edilmesi anlamına gelmektedir. Müzik yazıldığında, bir melodinin notaları gibi müziğin perdeleri ve ritmi notaya alınır. Müzik notaları genellikle müziğin nasıl icra edileceğine dair talimatlar da verir. Örneğin, bir şarkının notalarında şarkının "slow blues" veya "fast swing" olduğu belirtilebilir, bu da tempoyu ve türü gösterir. Nota okumak için, bir kişinin müzik teorisi, armoni ve belirli bir şarkı veya parçanın türüyle ilişkili performans pratiği hakkında bir anlayışa sahip olması gerekir. ⓘ

Yazılı notasyon müziğin tarzına ve dönemine göre değişir. 2000'li yıllarda notalı müzik, nota olarak ya da bilgisayar nota programlarına sahip kişiler için bilgisayar ekranında bir görüntü olarak üretilmektedir. Eski zamanlarda notalar taş ya da kil tabletler üzerine yazılırdı. Bir şarkıcı ya da enstrümantalist, notasyondan müzik icra edebilmek için sembollerde yer alan ritmik ve perde unsurlarını ve bir müzik parçası ya da bir türle ilişkilendirilen icra pratiğini anlamalıdır. Müzikal doğaçlama gerektiren türlerde, icracı genellikle yalnızca akor değişikliklerinin ve şarkının formunun yazılı olduğu müzikten çalar ve icracının müziğin yapısı, armonisi ve belirli bir türün stilleri (örneğin, caz veya country müzik) hakkında büyük bir anlayışa sahip olmasını gerektirir. ⓘ

Batı sanat müziğinde, yazılı notasyonun en yaygın türleri, bir topluluk parçasının tüm müzik parçalarını içeren partisyonlar ve bireysel icracılar veya şarkıcılar için müzik notasyonu olan parçalardır. Popüler müzik, caz ve blues'da standart müzik notası, melodiyi, akorları, sözleri (eğer vokal bir parça ise) ve müziğin yapısını notaya döken lead sheet'tir. Fake book'lar cazda da kullanılır; lead sheet'lerden ya da sadece akor şemalarından oluşabilir ve ritim bölümü üyelerinin caz şarkılarına doğaçlama eşlik etmesine olanak tanır. Notalar ve parçalar popüler müzikte ve cazda, özellikle de caz "big band "leri gibi büyük topluluklarda da kullanılır. Popüler müzikte gitaristler ve elektro basçılar genellikle gitar veya bas klavyesinin bir diyagramını kullanarak enstrüman üzerinde çalınacak notaların yerini gösteren tablatürde (genellikle "tab" olarak kısaltılır) notalanmış müziği okurlar. Tablatür ayrıca Barok döneminde telli, perdeli bir enstrüman olan lute için nota yazımında da kullanılmıştır. ⓘ

Doğaçlama

Doğaçlama cazda merkezi bir rol oynar; müzisyenler gam ve akor tonlarını kullanarak ilerlemeleri öğrenirler (Resimde Johnny Hodges) ⓘ

Müzikal doğaçlama, genellikle önceden var olan bir armonik çerçeve veya akor ilerleyişi içinde (veya buna dayalı olarak) spontane müzik yaratılmasıdır. Doğaçlamacılar akor notalarını, her bir akorla ilişkili çeşitli gamları ve akor tonları veya bir akorla ilişkili tipik gamlardan olmayan kromatik süslemeleri ve geçiş tonlarını kullanırlar. Müzikal doğaçlama hazırlıkla veya hazırlıksız olarak yapılabilir. Doğaçlama, blues, caz ve caz füzyon gibi bazı müzik türlerinin önemli bir parçasıdır; bu türlerde enstrümantal sanatçılar soloları, melodi çizgilerini ve eşlik parçalarını doğaçlar. ⓘ

Batı sanat müziği geleneğinde doğaçlama, Barok dönemi ve Klasik dönem boyunca önemli bir beceriydi. Barok dönemde, icracılar süslemeleri doğaçlar ve basso continuo klavyecileri figürlü bas notasyonuna dayalı akor seslerini doğaçlarlardı. Bunun yanı sıra, en iyi solistlerin prelüd gibi parçaları doğaçlayabilmeleri beklenirdi. Klasik dönemde solo icracılar ve şarkıcılar konserler sırasında virtüöz kadansları doğaçlarlardı. ⓘ

Ancak 20. yüzyılda ve 21. yüzyılın başlarında, Batı sanat müziği performansı senfoni orkestralarında, opera evlerinde ve balelerde "yaygın uygulama" olarak kurumsallaştıkça, müzisyenlerin çalması için giderek daha fazla müzik notaya ve parçaya döküldüğünden, doğaçlama daha küçük bir rol oynamıştır. Aynı zamanda, bazı 20. ve 21. yüzyıl sanat müziği bestecileri yaratıcı çalışmalarına doğaçlamayı giderek daha fazla dahil etmişlerdir. Hint klasik müziğinde doğaçlama, performansların temel bir bileşeni ve önemli bir kriteridir. ⓘ

Teori

Müzik teorisi, müziğin doğasını ve mekaniğini kapsar. Genellikle bestecilerin tekniklerini yöneten kalıpları tanımlamayı ve müziğin dilini ve notasyonunu incelemeyi içerir. Büyük anlamda müzik teorisi, müziğin parametrelerini veya unsurlarını - ritim, armoni (armonik işlev), melodi, yapı, biçim ve doku - damıtır ve analiz eder. Geniş anlamda müzik teorisi, müziğe dair ya da müzikle ilgili her türlü ifade, inanç ya da anlayışı içerebilir. Bu özellikleri inceleyen kişiler müzik teorisyenleri olarak bilinir ve genellikle kolejlerde, üniversitelerde ve müzik konservatuarlarında profesör olarak çalışırlar. Bazıları müziğin nasıl ve neden algılandığını açıklamak için akustik, insan fizyolojisi ve psikolojiyi uygulamıştır. Müzik teorisyenleri araştırmalarını müzik teorisi dergilerinde ve üniversite basım kitaplarında yayınlarlar. ⓘ

Elementler

Müziğin birçok farklı temeli veya unsuru vardır. Kullanılan "unsur" tanımına bağlı olarak bunlar arasında perde, vuruş veya nabız, tempo, ritim, melodi, armoni, doku, stil, seslerin dağılımı, tını veya renk, dinamikler, ifade, artikülasyon, biçim ve yapı sayılabilir. Müziğin unsurları Avustralya, Birleşik Krallık ve ABD müzik müfredatlarında belirgin bir şekilde yer almaktadır. Her üç müfredat da perde, dinamikler, tını ve dokuyu unsurlar olarak tanımlar, ancak müziğin tanımlanan diğer unsurları evrensel olarak kabul edilmekten uzaktır. Aşağıda "müziğin unsurları "nın üç resmi versiyonunun bir listesi yer almaktadır:

• Avustralya: perde, tını, doku, dinamikler ve ifade, ritim, biçim ve yapı.
• İngiltere: perde, tını, doku, dinamikler, süre, tempo, yapı.
• ABD: perde, tını, doku, dinamikler, ritim, biçim, armoni, stil/artikülasyon. ⓘ

Birleşik Krallık müfredatı ile ilgili olarak, 2013 yılında "uygun müzik notaları" terimi unsurlar listesine eklenmiş ve listenin başlığı "müziğin unsurları" yerine "müziğin birbiriyle ilişkili boyutları" olarak değiştirilmiştir. Müziğin birbiriyle ilişkili boyutları şu şekilde sıralanmıştır: perde, süre, dinamikler, tempo, tını, doku, yapı ve uygun müzik notaları. ⓘ

"Müziğin unsurları" ifadesi bir dizi farklı bağlamda kullanılmaktadır. En yaygın iki bağlam, "müziğin temel unsurları" ve "müziğin algısal unsurları" olarak tanımlanarak ayırt edilebilir. ⓘ

İlkel

1800'lerde "müziğin unsurları" ve "müziğin temelleri" ifadeleri birbirlerinin yerine kullanılıyordu. Bu belgelerde tanımlanan unsurlar, müzisyen olmak için müziğin ihtiyaç duyulan yönlerine atıfta bulunmaktadır, Espie Estrella gibi son dönem yazarları da "müziğin unsurları" ifadesini benzer bir şekilde kullanıyor gibi görünmektedir. Bu kullanımı en doğru şekilde yansıtan tanım şudur: "bir sanatın, bilimin vb. temel ilkeleri: dilbilgisinin unsurları." Birleşik Krallık müfredatının "müziğin birbiriyle ilişkili boyutlarına" geçişi, müziğin temel unsurlarının kullanımına geri dönüş gibi görünmektedir. ⓘ

Algısal

1930'larda psikoakustik çalışmalarının ortaya çıkmasından bu yana, müziğin unsurlarına ilişkin listelerin çoğu, müziği nasıl çalmayı öğrendiğimiz ya da üzerinde nasıl çalıştığımızdan ziyade müziği nasıl duyduğumuzla ilgilidir. C.E. Seashore, Psychology of Music (Müzik Psikolojisi) adlı kitabında dört "sesin psikolojik niteliği" tanımlamıştır. Bunlar: "perde, ses yüksekliği, zaman ve tını" (s. 3). Bunları "müziğin unsurları" olarak değil, "temel bileşenler" olarak adlandırmıştır (s. 2). Bununla birlikte, bu temel bileşenler en yaygın müzikal unsurlardan dördü ile tam olarak bağlantılıdır: "Perde" ve "tını" tam olarak eşleşir, "ses yüksekliği" dinamiklerle bağlantılıdır ve "zaman" ritim, süre ve temponun zamana dayalı unsurlarıyla bağlantılıdır. "Müziğin unsurları" ifadesinin bu kullanımı, Webster's New 20th Century Dictionary'nin bir unsuru şu şekilde tanımlamasıyla daha yakından ilişkilidir: "Bilinen yöntemlerle daha basit bir forma bölünemeyen bir madde" ve eğitim kurumlarının element listeleri de genellikle bu tanımla uyumludur. ⓘ

Her ne kadar "müziğin temel unsurları" listelerini hazırlayanlar kişisel (veya kurumsal) önceliklerine göre listelerini değiştirebilseler de, müziğin algısal unsurları, amaçlanan müzikal etkiyi elde etmek için bağımsız olarak manipüle edilebilen ayrık unsurların yerleşik (veya kanıtlanmış) bir listesinden oluşmalıdır. Bu aşamada, bu alanda hala yapılması gereken araştırmalar olduğu görülmektedir. ⓘ

Müziğin unsurlarının tanımlanmasına yaklaşmanın biraz farklı bir yolu, "sesin unsurlarını" şu şekilde tanımlamaktır: perde, süre, ses yüksekliği, tını, sonik doku ve uzamsal konum ve ardından "müziğin unsurlarını" şu şekilde tanımlamaktır: ses, yapı ve sanatsal niyet. ⓘ

Tanımlar

Perde ve melodi

Perde, bir müzikal sesin, notanın veya tonun başka bir müzikal sesten, notadan veya tondan "daha yüksek" veya "daha alçak" olup olmadığını yansıtan, duyabildiğimiz bir ses yönüdür. Perdenin yüksekliğinden veya alçaklığından daha genel anlamda bahsedebiliriz, örneğin bir dinleyicinin delici derecede yüksek bir pikolo notasını veya ıslık sesini bas davulun derin gümbürtüsünden daha yüksek bir perde olarak duyması gibi. Ayrıca müzikal melodiler, bas hatları ve akorlarla ilişkili kesin anlamda perde hakkında da konuşuyoruz. Kesin perde sadece gürültüden ayırt edilebilecek kadar net ve kararlı bir frekansa sahip seslerde belirlenebilir. Örneğin, dinleyiciler için piyanoda çalınan tek bir notanın perdesini ayırt etmek, vurulan bir zilin perdesini ayırt etmeye çalışmaktan çok daha kolaydır. ⓘ

Geleneksel "Pop Goes the Weasel" şarkısının melodisi

Bir melodi ("ezgi" olarak da adlandırılır), genellikle yükselen ve alçalan bir düzende art arda (birbiri ardına) ses çıkaran bir dizi perdedir (nota). Bir melodinin notaları tipik olarak gamlar veya modlar gibi perde sistemleri kullanılarak oluşturulur. Melodiler genellikle şarkıda kullanılan akorların notalarını da içerir. Basit halk şarkıları ve geleneksel şarkılardaki melodiler yalnızca tek bir dizinin notalarını, belirli bir şarkının tonik notası veya anahtarı ile ilişkili diziyi kullanabilir. Örneğin, Do anahtarındaki (Do majör olarak da adlandırılır) bir halk şarkısı, yalnızca Do majör ölçeğinin notalarını (C, D, E, F, G, A, B ve C notaları; bunlar piyano klavyesindeki "beyaz notalardır") kullanan bir melodiye sahip olabilir. Öte yandan, 1940'lardan Bebop dönemi cazı ve 20. ve 21. yüzyıllardan çağdaş müzik, birçok kromatik nota içeren melodiler kullanabilir (örn, Piyanoda kromatik bir gam, "beyaz notalar" ve "siyah notalar" ve tam ton gamı gibi alışılmadık gamlar da dahil olmak üzere klavyedeki tüm notaları içerir (C anahtarındaki bir tam ton gamı C, D, E, F♯, G♯ ve A♯ notalarını içerir). Kontrbas, elektrik bas veya tuba gibi bas enstrümanlar tarafından çalınan alçak, derin müzikal çizgiye bas çizgisi denir. ⓘ

Armoni ve akorlar

Müzisyenler üç veya daha fazla farklı notayı aynı anda çaldıklarında, bu bir akor oluşturur. Klasik müzik, pop müzik, rock müzik ve ilgili birçok stil dahil olmak üzere Batı müziğinde en yaygın akorlar triadlardır - genellikle aynı anda çalınan üç nota. En yaygın kullanılan akorlar majör akor ve minör akordur. Majör akora örnek olarak C, E ve G olmak üzere üç perde verilebilir. Minör akora örnek olarak ise A, C ve E olmak üzere üç perde verilebilir (Resimde gitarda akor çalan bir gitarist görülmektedir). ⓘ

Armoni, müzikteki perdelerin "dikey" seslerini ifade eder; bu da bir akor oluşturmak için aynı anda birlikte çalınan veya söylenen perdeler anlamına gelir. Genellikle bu, notaların aynı anda çalındığı anlamına gelir, ancak armoni, armonik bir yapıyı özetleyen bir melodi ile de ima edilebilir (yani, bir akorun notalarını özetleyen, birbiri ardına çalınan melodi notaları kullanılarak). 1600-1900 yılları arasında yazılmış çoğu klasik müziği ve çoğu Batı pop, rock ve geleneksel müziğini içeren majör-minör tonalite sistemi ("anahtarlar") kullanılarak yazılmış müzikte, bir parçanın anahtarı, parçanın genellikle çözüldüğü "ana notayı" veya toniği ve kullanılan ölçeğin karakterini (örneğin majör veya minör) belirler. Basit klasik parçalar ve birçok pop ve geleneksel müzik şarkısı, tüm müzik tek bir anahtarda olacak şekilde yazılır. Daha karmaşık klasik, pop ve geleneksel müzik şarkıları ve parçalarında iki anahtar (ve bazı durumlarda üç veya daha fazla anahtar) olabilir. Romantik dönem klasik müziği (yaklaşık 1820-1900 yılları arasında yazılmıştır), cazda, özellikle de 1940'lardan itibaren Bebop cazda olduğu gibi, bir şarkının anahtarının veya "ana notasının" her dört ölçü veya hatta her iki ölçüde bir değişebileceği gibi, genellikle birden fazla anahtar içerir. ⓘ

Ritim

Ritim, seslerin ve sessizliklerin zaman içinde düzenlenmesidir. Ölçü, Batı klasik, popüler ve geleneksel müziğinde notaları genellikle ikili (örneğin 2/4'lük zaman), üçlü (örneğin 3/4'lük zaman, Vals zamanı veya 3/8'lik zaman olarak da bilinir) veya dörtlü (örneğin 4/4'lük zaman) kümeler halinde gruplayan ölçü veya ölçü adı verilen düzenli nabız gruplarında zamanı canlandırır. Ölçülerin duyulması daha kolaydır çünkü şarkılar ve parçalar genellikle (ancak her zaman değil) her gruplamanın ilk vuruşuna vurgu yapar. Dört vuruştan oluşan bir ölçü (4/4'lük zaman veya ortak zaman olarak adlandırılır) kullanan bir şarkının iki ve dördüncü vuruşlarında vurguların olacağı ve bu vurguların tipik olarak davulcu tarafından yüksek sesli ve ayırt edici bir vurmalı çalgı olan trampet ile yapıldığı Batı pop ve rock'ında kullanılan arka vuruş gibi önemli istisnalar mevcuttur. Pop ve rock'ta bir şarkının ritim bölümleri, akor çalan enstrümanlar (örneğin elektro gitar, akustik gitar, piyano veya diğer klavyeli enstrümanlar), bir bas enstrümanı (tipik olarak elektro bas veya caz ve bluegrass gibi bazı tarzlar için kontrbas) ve bir davul setini içeren ritim bölümü tarafından çalınır. ⓘ

Doku

Müzikal doku, bir müzik parçasının veya şarkının genel sesidir. Bir parçanın veya şarkının dokusu, melodik, ritmik ve armonik malzemelerin bir kompozisyonda nasıl birleştirildiğine göre belirlenir ve böylece bir parçadaki sesin genel doğasını belirler. Doku genellikle en düşük ve en yüksek perdeler arasındaki yoğunluk veya kalınlık ve aralık veya genişlik açısından göreceli olarak tanımlanır ve daha spesifik olarak seslerin veya parçaların sayısına ve bu sesler arasındaki ilişkiye göre ayırt edilir (aşağıdaki yaygın türlere bakınız). Örneğin, kalın bir doku birçok enstrüman 'katmanı' içerir. Bu katmanlardan biri yaylı çalgılar bölümü ya da başka bir üflemeli çalgı olabilir. Kalınlık ayrıca enstrümanların miktarı ve zenginliğinden de etkilenir. Doku genellikle müziğin bölümlerinin veya satırlarının sayısına ve aralarındaki ilişkiye göre tanımlanır:

• monofoni: ne enstrümantal eşlik ne de armoni kısmı olan tek bir melodi (veya "melodi"). Bir annenin bebeğine ninni söylemesi buna bir örnektir.
• heterofoni: iki veya daha fazla enstrüman veya şarkıcının aynı melodiyi çalması/söylemesi, ancak her bir icracının melodinin ritmini veya hızını biraz değiştirmesi veya melodiye farklı süslemeler eklemesi. Aynı geleneksel keman ezgisini birlikte çalan iki bluegrass kemancısının her biri tipik olarak melodiyi bir dereceye kadar değiştirecek ve her biri farklı süslemeler ekleyecektir.
• polifoni: aynı anda söylenen veya çalınan, iç içe geçmiş birden fazla bağımsız melodi çizgisi. Rönesans müziği döneminde yazılan koro müziği tipik olarak bu tarzda yazılmıştır. Farklı şarkıcı gruplarının farklı zamanlarda söylemeye başladığı "Row, Row, Row Your Boat" gibi bir şarkı olan bir round, bir polifoni örneğidir.
• homofoni: akor eşliği ile desteklenen net bir melodi. Batı popüler müzik şarkılarının çoğu 19. yüzyıldan itibaren bu dokuda yazılmıştır. ⓘ

Çok sayıda bağımsız bölüm içeren müziğin (örneğin, 100 orkestra enstrümanının eşlik ettiği ve birçok melodik çizginin iç içe geçtiği bir ikili konçerto) genellikle az sayıda bölüm içeren bir esere göre (örneğin, tek bir viyolonselin eşlik ettiği solo bir flüt melodisi) "daha kalın" veya "daha yoğun" bir dokuya sahip olduğu söylenir. ⓘ

Tını veya "ton rengi"

Bazen "renk" veya "ton rengi" olarak da adlandırılan tını, bir sesin veya enstrümanın kalitesi veya sesidir. Tını, aynı perde ve ses yüksekliğine sahip olsalar bile belirli bir müzikal sesi diğerinden farklı kılan şeydir. Örneğin, 440 Hz'lik bir La notası obua, piyano, keman veya elektro gitar ile çalındığında farklı tınlar. Aynı enstrümanın farklı icracıları aynı notayı çalsalar bile, enstrüman tekniğindeki farklılıklar (örneğin, farklı obualar), farklı aksesuar türleri (örneğin, pirinç çalanlar için ağızlıklar, obua ve fagot çalanlar için kamışlar) veya yaylı çalanlar için farklı malzemelerden yapılmış teller (örneğin, bağırsak tellere karşı çelik teller) nedeniyle notaları farklı duyulabilir. Aynı enstrümanda aynı notayı çalan iki enstrümanist bile (birbiri ardına) enstrümanı farklı çalma biçimleri nedeniyle farklı sesler çıkarabilir (örneğin, iki yaylı çalgıcı yayı farklı şekilde tutabilir). ⓘ

Tını algısını belirleyen sesin fiziksel özellikleri, bir notanın veya müzikal sesin spektrumunu, zarfını ve üst tonlarını içerir. Elektro gitar, elektro bas ve elektro piyano gibi 20. yüzyılda geliştirilen elektrikli enstrümanlar için icracı, ekolayzır kontrollerini, enstrüman üzerindeki ton kontrollerini ayarlayarak ve distorsiyon pedalları gibi elektronik efekt ünitelerini kullanarak da tonu değiştirebilir. Elektrikli Hammond orgunun tonu çeki çubuklarının ayarlanmasıyla kontrol edilir. ⓘ

İfade

Şarkıcılar, şarkı söyleme tonlarını değiştirmek, belirli notalara vibrato eklemek ve şarkı sözlerindeki önemli kelimeleri vurgulamak gibi birçok yöntem kullanarak söyledikleri melodilere ifade katarlar. ⓘ

İfade edici nitelikler, müzikte ana perdeleri değiştirmeden veya melodinin ve eşliğin ritimlerini büyük ölçüde değiştirmeden müzikte değişiklik yaratan unsurlardır. Şarkıcılar ve enstrümancılar da dahil olmak üzere icracılar, bir şarkıya veya parçaya ifade ekleyerek, vibrato (ses ve gitar, keman, üflemeli çalgılar ve nefesli çalgılar gibi bazı enstrümanlarla), dinamikler (parçanın veya bir bölümünün yüksekliği veya yumuşaklığı), tempo dalgalanmaları (örn, ritardando veya accelerando, yani sırasıyla tempoyu yavaşlatma ve hızlandırma), bir kadansa duraklamalar veya fermatalar ekleyerek ve notaların artikülasyonunu değiştirerek (örneğin, notaları daha belirgin veya vurgulu hale getirerek, notaları daha legato, yani yumuşak bir şekilde bağlayarak veya notaları kısaltarak). ⓘ

İfade, perde (çekim, vibrato, kaymalar vb.), ses (dinamikler, vurgu, tremolo vb.), süre (tempo dalgalanmaları, ritmik değişiklikler, legato ve staccato gibi nota süresinin değiştirilmesi vb.), tını (örneğin vokal tınısının hafif bir sesten rezonanslı bir sese değiştirilmesi) ve hatta bazen doku (örneğin bir piyano parçasında daha zengin bir etki için bas notanın iki katına çıkarılması) manipülasyonu yoluyla elde edilir. Bu nedenle ifade, "ruh hali, ruh, karakter vb. bir gösterge" iletmek için tüm unsurların manipülasyonu olarak görülebilir ve bu nedenle müziğin önemli bir temel unsuru olarak kabul edilse de müziğin benzersiz bir algısal unsuru olarak dahil edilemez. ⓘ

Müzik türü ya da stili (genre), belirli bir şekil, ifade ve tekniğe göre gelişen müzik eserleri topluluğunu temsil eder. Müzik tarzı, müzik çeşidi ve benzeri birçok terim ile aynı olduğu düşünülse de müzik türü ya da stili daha geniş ve net bir terminoloji olarak karşımıza çıkmaktadır.

• Blues (soul blues, blues rock, teksas blues vb.)
• Caz (ragtime, soul caz vb.)
• Country (swing, amerikana vb.)
• Elektronik (ambient, elektro, house vb.)
• Hafif Dinletiler (lounge vb.)
• Halk (Türk halk müziği vb.)
• Hip Hop (trap, drill vb.)
• Karayip Tarzı (reggae vb.)
• Latin (bolero, flamenko, mango vb.)
• Pop (J-pop, K-pop, Türkçe Pop vb.)
• R&B (funk, disko, soul vb.)
• Rock (punk, heavy metal vb.)
• Klasik Müzik ⓘ

Form

Noel şarkısı "Jingle Bells "in nakaratı için nota yazımı

Müzikte form, bir şarkının veya müzik parçasının genel yapısını veya planını tanımlar ve bir kompozisyonun bölümlere ayrılmış düzenini tanımlar. 20. yüzyılın başlarında, Tin Pan Alley şarkıları ve Broadway müzikal şarkıları genellikle AABA 32 bar formundaydı; A bölümleri aynı sekiz barlık melodiyi (varyasyonla) tekrarlıyor ve B bölümü sekiz bar için zıt bir melodi veya armoni sağlıyordu. 1960'lardan itibaren, Batı pop ve rock şarkıları genellikle mısra-koro formundadır; bu form, mısra ve nakarat ("nakarat") bölümlerinden oluşan bir diziden oluşur, çoğu mısra için yeni sözler ve nakaratlar için tekrar eden sözler vardır. Popüler müzik, bazen on iki bar blues ile birlikte strofik formu sıklıkla kullanır. ⓘ

The Oxford Companion to Music'in onuncu baskısında Percy Scholes, müzikal formu "rahatlatılmamış tekrar ve rahatlatılmamış değişimin zıt uçları arasında başarılı bir ortalama bulmak için tasarlanmış bir dizi strateji" olarak tanımlar. Batı müziğinin yaygın formlarına örnek olarak füg, buluş, sonat-allegro, kanon, strofik, tema ve varyasyonlar ve rondo verilebilir. ⓘ

Scholes, Avrupa klasik müziğinin yalnızca altı bağımsız biçime sahip olduğunu belirtir: basit ikili, basit üçlü, bileşik ikili, rondo, varyasyonlu hava ve füg (müzikolog Alfred Mann, fügün öncelikle bazen belirli yapısal gelenekleri üstlenen bir kompozisyon yöntemi olduğunu vurgulamasına rağmen). ⓘ

Bir eserin kolaylıkla bölümlere ayrılamadığı durumlarda (bir şiirden, öyküden ya da programdan bazı biçimler ödünç alsa da), eserin baştan sona bestelenmiş olduğu söylenir. Fantazi, prelüd, rapsodi, etüt (ya da çalışma), senfonik şiir, Bagatelle, doğaçlama, vb. genellikle böyledir. Profesör Charles Keil formları ve biçimsel detayları "bölümsel, gelişimsel veya varyasyonel" olarak sınıflandırmıştır. ⓘ

Stillerin analizi

Funk en çok ritim ve groove'a vurgu yapar, tüm şarkılar tek bir akor üzerindeki vampirlere dayanır. Resimde 2006 yılında etkili funk müzisyenleri George Clinton ve Parliament-Funkadelic görülüyor. ⓘ

Bazı müzik tarzları bu temel unsurlardan bazılarına vurgu yaparken, diğerleri bazı unsurlara daha az vurgu yapar. Bir örnek vermek gerekirse, Bebop dönemi cazı, değiştirilmiş dominantlar ve zorlu akor ilerlemeleri de dahil olmak üzere çok karmaşık akorlar kullanırken, akorlar her barda iki veya daha fazla kez değişir ve bir melodi içinde birkaç kez anahtarlar değişirken, funk vurgusunun çoğunu ritim ve groove üzerine yapar ve tüm şarkılar tek bir akor üzerindeki bir vampire dayanır. 1800'lerin ortalarından sonlarına kadar Romantik dönem klasik müziği, fısıldayan pianissimo bölümlerinden gök gürültülü fortissimo bölümlerine kadar dramatik dinamik değişikliklerini büyük ölçüde kullanırken, 1700'lerin başlarından itibaren klavsen için bazı Barok dans süitleri tek bir dinamik kullanabilir. Başka bir örnek vermek gerekirse, senfoniler gibi bazı sanat müziği parçaları çok uzunken, bazı pop şarkıları sadece birkaç dakika uzunluğundadır. ⓘ

Performans

Çinli Naxi müzisyenleri ⓘ

Binlerce yıllık geçmişe sahip enstrümanlar olan zurna ve davul çalan Süryaniler. ⓘ

Performans, bir şarkı söylendiğinde veya bir piyano parçası, elektro gitar melodisi, senfoni, davul ritmi veya başka bir müzik parçası müzisyenler tarafından çalındığında ortaya çıkan müziğin fiziksel ifadesidir. Klasik müzikte, bir müzik eseri bir besteci tarafından nota ile yazılır ve besteci yapısından ve enstrümantasyonundan memnun kaldığında icra edilir. Ancak, icra edildikçe, bir şarkının veya parçanın yorumu gelişebilir ve değişebilir. Klasik müzikte, enstrüman icracıları, şarkıcılar veya orkestra şefleri bir parçanın cümlesinde veya temposunda kademeli olarak değişiklikler yapabilirler. Popüler ve geleneksel müzikte, sanatçılar bir şarkı veya parçanın formunda değişiklik yapma konusunda çok daha fazla özgürlüğe sahiptir. Bu nedenle, popüler ve geleneksel müzik tarzlarında, bir grup cover bir şarkı çaldığında bile, bir gitar solosu eklemek veya bir giriş eklemek gibi değişiklikler yapabilirler. ⓘ

Bir performans ya planlanmış ve prova edilmiş (çalışılmış) olabilir - ki bu klasik müzikte, caz büyük gruplarında ve birçok popüler müzik tarzında normdur - ya da küçük caz ve blues gruplarında norm olan bir akor ilerlemesi (bir dizi akor) üzerinde doğaçlama yapılabilir. Orkestraların, konser gruplarının ve koroların provaları bir şef tarafından yönetilir. Rock, blues ve caz grupları genellikle grup lideri tarafından yönetilir. Prova, bir şarkı veya parçanın doğru şekilde söylenene veya çalınana kadar ve birden fazla müzisyen için bir şarkı veya parça ise, parçalar ritmik ve akort açısından bir araya gelene kadar sanatçılar tarafından yapılandırılmış bir şekilde tekrarlanmasıdır. Doğaçlama, genellikle gamlara veya önceden var olan melodik rifflere dayalı olarak, yerinde yaratılan bir müzikal fikrin (melodi veya başka bir müzikal çizgi) oluşturulmasıdır. ⓘ

Hint klasik müziği ve Batı sanat müziği geleneğinde olduğu gibi birçok kültürde güçlü solo performans (tek bir şarkıcı veya enstrümancının performans sergilediği) gelenekleri vardır. Bali'de olduğu gibi diğer kültürlerde de güçlü grup performansı gelenekleri vardır. Tüm kültürler her ikisinin bir karışımını içerir ve performans doğaçlama solo çalmadan modern klasik konser, dini alaylar, klasik müzik festivalleri veya müzik yarışmaları gibi son derece planlı ve organize performanslara kadar çeşitlilik gösterebilir. Her tür enstrümandan yalnızca birkaçının yer aldığı küçük bir topluluk için müzik olan oda müziği, genellikle büyük senfonik eserlerden daha samimi olarak görülür. ⓘ

Sözlü ve işitsel gelenek

Geleneksel blues ve halk müziği gibi birçok müzik türü notalara dökülmemiştir; bunun yerine başlangıçta icracıların hafızasında korunmuş ve şarkılar sözlü olarak, bir müzisyen veya şarkıcıdan diğerine veya bir icracının bir şarkıyı "kulaktan" öğrendiği işitsel olarak aktarılmıştır. Bir şarkı ya da parçanın bestecisi artık bilinmediğinde, bu müzik genellikle "geleneksel" ya da "halk şarkısı" olarak sınıflandırılır. Farklı müzik gelenekleri, orijinal kaynak materyal üzerinde nasıl ve nerede değişiklik yapılacağı konusunda, oldukça katı olanlardan doğaçlama veya müzikte değişiklik talep edenlere kadar farklı tutumlara sahiptir. Bir kültürün tarihi ve hikayeleri de şarkılar aracılığıyla kulaktan kulağa aktarılabilir. ⓘ

Süsleme

Tril işareti - iki nota arasında hızlı bir değişim.

Müzikte süsleme, bir melodiye, bas çizgisine veya başka bir müzik parçasına dekorasyon sağlayan ek notalardan oluşur. Müzik notasyonuna açıkça dahil edilen detay, türler ve tarihsel dönemler arasında değişiklik gösterir. Genel olarak, 17. yüzyıldan 19. yüzyıla kadar sanat müziği notasyonu, icracıların icra stilleri hakkında büyük ölçüde bağlamsal bilgiye sahip olmalarını gerektirmiştir. Örneğin, 17. ve 18. yüzyıllarda solo icracılar için notaya alınan müzik tipik olarak basit, süssüz bir melodiyi gösterirdi. İcracıların, müziğe ilgi katmak için triller ve dönüşler gibi stilistik olarak uygun süslemeleri nasıl ekleyeceklerini bilmeleri beklenirdi. Farklı müzik tarzları farklı süslemeler kullanır. Bir Barok flüt sanatçısı, ana melodi notasından önce, ana melodi notasının üstünde veya altında çalınan kısa notalar olan mordentler ekleyebilir. Elektro gitar çalan bir blues gitaristi ifade katmak için tel bükme kullanabilir; bir heavy metal gitaristi ise hammer-ons ve pull-off kullanabilir. ⓘ

19. yüzyılda, solo icracılar için sanat müziği, icracının bunu nasıl yapması gerektiğini ayrıntılı olarak açıklamadan, müziği etkileyici bir şekilde icra etmek gibi genel bir talimat verebilir. İcracının bu "etkileyici" icra tarzını elde etmek için tempo değişikliklerini, vurguları ve duraklamaları (diğer araçların yanı sıra) nasıl kullanacağını bilmesi beklenirdi. 20. yüzyılda, sanat müziği notasyonu genellikle daha açık hale geldi ve icracılara parçayı nasıl çalmaları veya söylemeleri gerektiğini belirtmek için bir dizi işaret ve açıklama kullandı. Popüler müzik ve geleneksel müzik tarzlarında, icracıların belirli bir şarkı veya parça için hangi tür süslemelerin stilistik olarak uygun olduğunu bilmeleri beklenir ve icracılar bunları genellikle doğaçlama bir şekilde ekler. Bunun bir istisnası, bazı icracıların gitar solosu gibi bir solonun ünlü bir versiyonunu tam olarak yeniden yarattıkları nota nota sololardır. ⓘ

Felsefe ve estetik

Giovanni Boldini'den Kırmızılı Kadın ⓘ

Müzik felsefesi, felsefenin bir alt alanıdır. Müzik felsefesi, müzikle ilgili temel soruların incelenmesidir. Müziğin felsefi olarak incelenmesinin metafizik ve estetik alanındaki felsefi sorularla birçok bağlantısı vardır. Müzik felsefesindeki bazı temel sorular şunlardır:

• Müziğin tanımı nedir? (Bir şeyi müzik olarak sınıflandırmak için gerekli ve yeterli koşullar nelerdir?)
• Müzik ve zihin arasındaki ilişki nedir?
• Müzik tarihi bize dünya hakkında ne gösterir?
• Müzik ve duygular arasındaki bağlantı nedir?
• Müzikle ilişkili olarak anlam nedir? ⓘ

Antik Yunan'da olduğu gibi eski zamanlarda müzik estetiği, ritmik ve armonik organizasyonun matematiksel ve kozmolojik boyutlarını araştırmıştır. 18. yüzyılda odak noktası müziği duyma deneyimine ve dolayısıyla müziğin güzelliği ve insanın müzikten aldığı zevk (plaisir ve jouissance) hakkındaki sorulara kaymıştır. Bu felsefi değişimin kökeni bazen 18. yüzyılda Alexander Gottlieb Baumgarten'a, ardından da Immanuel Kant'a dayandırılır. Onların yazıları aracılığıyla, duyusal algı anlamına gelen eski 'estetik' terimi günümüzdeki anlamını kazanmıştır. 2000'li yıllarda, filozoflar güzellik ve zevk dışındaki konuları da vurgulama eğiliminde olmuşlardır. Örneğin, müziğin duyguları ifade etme kapasitesi merkezi bir konu olmuştur. ⓘ

20. yüzyılda Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton ve Stephen Davies önemli katkılarda bulunmuştur. Bununla birlikte, birçok müzisyen, müzik eleştirmeni ve filozof olmayan diğer kişiler de müzik estetiğine katkıda bulunmuştur. 19. yüzyılda, bir müzik eleştirmeni ve müzikolog olan Eduard Hanslick ile besteci Richard Wagner arasında müziğin anlam ifade edip edemeyeceği konusunda önemli bir tartışma ortaya çıkmıştır. Harry Partch ve Kyle Gann gibi diğer bazı müzikologlar mikrotonal müzik ve alternatif müzik dizilerinin kullanımı üzerine çalışmış ve bunları yaygınlaştırmaya çalışmışlardır. Ayrıca La Monte Young, Rhys Chatham ve Glenn Branca gibi birçok modern besteci just intonation adı verilen bir ölçeğe çok önem vermiştir. ⓘ

Genellikle müziğin duygularımızı, aklımızı ve psikolojimizi etkileme yeteneğine sahip olduğu düşünülür; yalnızlığımızı yatıştırabilir veya tutkularımızı kışkırtabilir. Filozof Platon, Cumhuriyet adlı eserinde müziğin ruh üzerinde doğrudan bir etkisi olduğunu öne sürer. Bu nedenle, ideal rejimde müziğin devlet tarafından yakından düzenlenmesini önerir (Kitap VII). Antik Çin'de filozof Konfüçyüs, müziğin ve ritüellerin ya da ayinlerin birbiriyle bağlantılı ve doğayla uyumlu olduğuna inanmış; müziğin cennet ve yeryüzünün uyumlulaştırılması olduğunu, ayinlerin ise düzeni sağladığını ve toplumda son derece önemli işlevleri olduğunu belirtmiştir. ⓘ

Müzik estetiğinde kompozisyonel yapının büyük önemini vurgulama yönünde güçlü bir eğilim olmuştur; ancak müzik estetiğine ilişkin diğer konular arasında lirizm, armoni, hipnotizm, duygusallık, zamansal dinamikler, rezonans, oyunculuk ve renk yer alır (ayrıca bkz. müzikal gelişim). ⓘ

Psikoloji

Modern müzik psikolojisi, müzikal davranış ve deneyimi açıklamayı ve anlamayı amaçlar. Bu alandaki ve alt alanlarındaki araştırmalar öncelikle ampiriktir; bilgileri, insan katılımcıların sistematik gözlemi ve onlarla etkileşim yoluyla toplanan verilerin yorumlarına dayanarak ilerleme eğilimindedir. Müzik psikolojisi, temel algılara ve bilişsel süreçlere odaklanmasının yanı sıra, müzik performansı, bestecilik, eğitim, eleştiri ve terapinin yanı sıra insan yeteneği, becerisi, zekası, yaratıcılığı ve sosyal davranışının incelenmesi gibi birçok alan için pratik önemi olan bir araştırma alanıdır. ⓘ

Sinirbilim

Birincil işitsel korteks, üstün perde çözünürlüğü ile ilişkili ana alanlardan biridir. ⓘ

Müziğin bilişsel sinirbilimi, müziğin altında yatan bilişsel süreçlerde yer alan beyin temelli mekanizmaların bilimsel olarak incelenmesidir. Bu davranışlar müzik dinleme, icra etme, besteleme, okuma, yazma ve yardımcı faaliyetleri içerir. Ayrıca müzik estetiği ve müzikal duygunun beyin temelleri ile de giderek daha fazla ilgilenmektedir. Bu alan, fonksiyonel manyetik rezonans görüntüleme (fMRI), transkraniyal manyetik stimülasyon (TMS), manyetoensefalografi (MEG), elektroensefalografi (EEG) ve pozitron emisyon tomografisi (PET) gibi teknikleri kullanarak beynin doğrudan gözlemlenmesine dayanmasıyla ayırt edilir. ⓘ

Bilişsel müzikoloji

Bilişsel müzikoloji, hem müziği hem de bilişi anlamak amacıyla müzikal bilginin hesaplamalı olarak modellenmesiyle ilgilenen bir bilişsel bilim dalıdır. Bilgisayar modellerinin kullanımı, teorileri formüle etmek ve test etmek için titiz, etkileşimli bir ortam sağlar ve kökleri yapay zeka ve bilişsel bilime dayanır. ⓘ

Bu disiplinler arası alan, beyindeki dil ve müzik arasındaki paralellikler gibi konuları araştırmaktadır. Sinir ağları ve evrimsel programlar gibi biyolojik olarak esinlenilmiş hesaplama modelleri sıklıkla araştırmalara dahil edilir. Bu alan, müzik bilgisinin nasıl temsil edildiğini, depolandığını, algılandığını, icra edildiğini ve üretildiğini modellemeyi amaçlamaktadır. İyi yapılandırılmış bir bilgisayar ortamı kullanılarak, bu bilişsel olguların sistematik yapıları araştırılabilir. ⓘ

Psikoakustik

Psikoakustik, ses algısının bilimsel olarak incelenmesidir. Daha spesifik olarak, sesle (konuşma ve müzik dahil) ilişkili psikolojik ve fizyolojik tepkileri inceleyen bilim dalıdır. Psikofiziğin bir dalı olarak da kategorize edilebilir. ⓘ

Evrimsel müzikoloji

Evrimsel müzikoloji, "müziğin kökenleri, hayvan şarkısı sorunu, müzik evriminin altında yatan seçilim baskıları" ve "müzik evrimi ve insan evrimi" ile ilgilenir. Müzik algısını ve etkinliğini evrim teorisi bağlamında anlamaya çalışır. Charles Darwin, müziğin adaptif bir avantaja sahip olabileceğini ve bir protolanguage olarak işlev görebileceğini speküle etmiştir; bu görüş, müziğin evrimine ilişkin çeşitli rakip teorilerin ortaya çıkmasına neden olmuştur. Alternatif bir görüş ise müziği dilsel evrimin bir yan ürünü olarak görür; herhangi bir adaptif işlev sağlamadan duyuları memnun eden bir tür "işitsel cheesecake". Bu görüşe çok sayıda müzik araştırmacısı tarafından doğrudan karşı çıkılmıştır. ⓘ

Kültürel etkiler

Bir bireyin kültürü veya etnik kökeni, tercihleri, duygusal tepkileri ve müzikal hafızası da dahil olmak üzere müzik bilişinde rol oynar. Müzik tercihleri bebeklikten itibaren kültürel olarak tanıdık müzik geleneklerine doğru yönelir ve yetişkinlerin bir müzik parçasının duygusunu sınıflandırması hem kültüre özgü hem de evrensel yapısal özelliklere bağlıdır. Buna ek olarak, bireylerin müzikal hafıza yetenekleri kültürel olarak tanıdık müzikler için kültürel olarak tanıdık olmayan müziklerden daha fazladır. ⓘ

Sosyolojik yönler

Song Hanedanlığı (960-1279) tablosu, Han Xizai'nin Gece Eğlenceleri, Çinli müzisyenleri 10. yüzyılda bir evde verilen partide konukları eğlendirirken gösteriyor ⓘ

Birçok etnografik çalışma müziğin katılımcı, topluluk temelli bir etkinlik olduğunu göstermektedir. Müzik, bireyler tarafından yalnız olmaktan büyük bir konsere katılmaya kadar uzanan bir dizi sosyal ortamda deneyimlenir ve bireysel irade veya tesadüfün bir fonksiyonu olarak anlaşılamayacak bir müzik topluluğu oluşturur; paylaşılan bir dizi ortak değere sahip hem ticari hem de ticari olmayan katılımcıları içerir. Müzik performansları farklı kültürlerde ve sosyoekonomik çevrelerde farklı biçimler alır. Avrupa ve Kuzey Amerika'da, hangi müzik türlerinin "yüksek kültür" ve "düşük kültür" olarak görüldüğü arasında genellikle bir ayrım vardır. "Yüksek kültür" müzik türleri tipik olarak Barok, Klasik, Romantik ve modern dönem senfonileri, konçertolar ve solo eserler gibi Batı sanat müziğini içerir ve tipik olarak konser salonları ve kiliselerdeki resmi konserlerde dinleyicilerin sessizce oturduğu koltuklarda duyulur. ⓘ

Caz, blues, soul ve country dahil ancak bunlarla sınırlı olmamak üzere diğer müzik türleri genellikle barlarda, gece kulüplerinde ve tiyatrolarda icra edilir; burada seyirciler içki içebilir, dans edebilir ve tezahürat yaparak kendilerini ifade edebilirler. 20. yüzyılın sonlarına kadar, "yüksek" ve "düşük" müzik formları arasındaki ayrım, daha kaliteli, daha gelişmiş "sanat müziğini" barlarda ve dans salonlarında duyulan popüler müzik tarzlarından ayıran geçerli bir ayrım olarak yaygın bir şekilde kabul edildi. ⓘ

Ancak 1980'lerde ve 1990'larda, "yüksek" ve "düşük" müzik türleri arasındaki bu algılanan ayrımı inceleyen müzikologlar, bu ayrımın farklı müzik türlerinin müzikal değerine veya kalitesine dayanmadığını savundular. Daha ziyade, bu ayrımın büyük ölçüde farklı müzik türlerinin icracılarının veya dinleyicilerinin sosyoekonomik durumlarına veya sosyal sınıflarına dayandığını ileri sürmüşlerdir. Örneğin, Klasik senfoni konserlerinin dinleyicileri tipik olarak ortalamanın üzerinde gelire sahipken, şehir merkezindeki bir rap konserinin dinleyicileri ortalamanın altında gelire sahip olabilir. "Sanat" dışı müziğin icra edildiği sanatçılar, dinleyiciler veya mekan daha düşük sosyoekonomik statüye sahip olsa da, icra edilen blues, rap, punk, funk veya ska gibi müzikler çok karmaşık ve sofistike olabilir. ⓘ

Besteciler alışılagelmişin dışına çıkan müzik tarzları ortaya koyduklarında, akademik müzik uzmanları ve popüler kültür tarafından güçlü bir dirençle karşılaşabilirler. Geç dönem Beethoven yaylı çalgılar dörtlüleri, Stravinsky bale partisyonları, serializm, bebop dönemi cazı, hip hop, punk rock ve electronica ilk ortaya çıktıklarında bazı eleştirmenler tarafından müzik dışı olarak değerlendirilmiştir. Bu tür temalar müzik sosyolojisinde incelenmektedir. Bazen sosyomüzikoloji olarak da adlandırılan müziğin sosyolojik incelemesi genellikle sosyoloji, medya çalışmaları veya müzik bölümlerinde yürütülür ve etnomüzikoloji alanıyla yakından ilişkilidir. ⓘ

Kadınların rolü

19. yüzyıl bestecisi ve piyanisti Clara Schumann ⓘ

Navneet Aditya Waiba- Nepal Halk Şarkıcısı. Otantik/orijinal halk enstrümanlarını kullanan ve otantik, katıksız Nepal Halk şarkılarını söyleyen tek şarkıcı. ⓘ

Kadınlar tarih boyunca besteci, söz yazarı, enstrüman icracısı, şarkıcı, orkestra şefi, müzik akademisyeni, müzik eğitimcisi, müzik eleştirmeni/müzik gazetecisi ve diğer müzik meslekleri ile müzikte önemli bir rol oynamıştır. Aynı zamanda, kadınlar, kadın sorunları ve feminizmle ilgili müzik hareketleri, olayları ve türlerini de tanımlar. 2010'lu yıllarda, kadınlar popüler müzik ve klasik müzik şarkıcılarının önemli bir bölümünü ve şarkı yazarlarının önemli bir bölümünü (çoğu şarkıcı-söz yazarı) oluştururken, az sayıda kadın plak yapımcısı, rock eleştirmeni ve rock enstrümantalisti bulunmaktadır. Ortaçağdan günümüze kadar klasik müzikte çok sayıda kadın besteci olmasına rağmen, kadın besteciler yaygın olarak icra edilen klasik müzik repertuarında, müzik tarihi ders kitaplarında ve müzik ansiklopedilerinde önemli ölçüde az temsil edilmektedir; örneğin Concise Oxford History of Music'te Clara Schumann adı geçen az sayıdaki kadın besteciden biridir. ⓘ

Kadınlar klasik müzikteki enstrümantal solistlerin önemli bir bölümünü oluşturmaktadır ve orkestralarda kadınların oranı giderek artmaktadır. Ancak 2015 yılında Kanada'nın büyük orkestralarındaki konçerto solistlerine ilişkin bir makale, Orchestre Symphonique de Montreal'deki solistlerin %84'ünün erkek olduğunu göstermiştir. Kadınlar 2012'de hala en üst düzey Viyana Filarmoni orkestrasının sadece %6'sını oluşturuyordu. Kadınlar rock ve heavy metal gibi popüler müzik türlerinde enstrüman çalanlar olarak daha az yaygındır, ancak bir dizi önemli kadın enstrümanist ve tamamı kadınlardan oluşan gruplar olmuştur. Kadınlar özellikle ekstrem metal türlerinde yeterince temsil edilmemektedir. 1960'ların pop-müzik sahnesinde, "...müzik sektörünün pek çok alanında olduğu gibi, [1960'larda] şarkı sözü yazarlığı da erkek egemen bir alandı. Radyoda çok sayıda kadın şarkıcı olmasına rağmen, kadınlar ... öncelikle tüketici olarak görülüyordu: ... Şarkı söylemek bazen bir kız için kabul edilebilir bir eğlenceydi, ancak bir enstrüman çalmak, şarkı yazmak veya plak yapmak yapılmıyordu." Genç kadınlar "...kendilerini [müzik] yaratan insanlar olarak görmek üzere sosyalleştirilmemişlerdir." ⓘ

Kadınlar orkestra şefliği, müzik eleştirmenliği/müzik gazeteciliği, müzik prodüktörlüğü ve ses mühendisliği alanlarında da yeterince temsil edilmemektedir. Kadınlar 19. yüzyılda beste yapmaktan caydırılmışken ve çok az sayıda kadın müzikolog varken, kadınlar müzik eğitimine "...öyle bir derecede dahil oldular ki, kadınlar 19. yüzyılın son yarısında ve 20. yüzyıla kadar [bu alana] hakim oldular." ⓘ

Londra'da yayımlanan The Independent gazetesinin müzik yazarı Jessica Duchen'e göre, klasik müzik alanında çalışan kadın müzisyenler "...sıklıkla yeteneklerinden ziyade dış görünüşleriyle değerlendiriliyor" ve "...sahnede ve fotoğraflarda seksi görünme" baskısıyla karşı karşıya kalıyorlar. Duchen, "görünüşleriyle oynamayı reddeden kadın müzisyenler olsa da... bunu yapanların maddi açıdan daha başarılı olma eğiliminde olduklarını" belirtiyor. İngiliz Radio 3 editörü Edwina Wolstencroft'a göre, müzik endüstrisi uzun zamandır kadınların performans ya da eğlence rollerinde yer almasına açıktır, ancak kadınların orkestra şefliği gibi otorite pozisyonlarında yer alma olasılığı çok daha düşüktür. Popüler müzikte, şarkı kaydeden pek çok kadın şarkıcı olsa da, ses konsolunun arkasında müzik yapımcısı olarak görev yapan, kayıt sürecini yöneten ve yönlendiren çok az kadın vardır. En çok şarkı kaydeden sanatçılardan biri, Hint sinemasında playback şarkıcısı olarak tanınan Hintli şarkıcı Asha Bhosle'dir. ⓘ

Medya ve teknoloji

2000'li yıllarda elektronik klavye ve çoklu monitör kurulumuna sahip bir dijital ses iş istasyonu (DAW) kullanarak müzik üretimi ⓘ

Bestecilerin ve söz yazarlarının yaptıkları müzikler çeşitli ortamlarda dinlenebilir; en geleneksel yol, müzisyenlerin huzurunda (veya müzisyenlerden biri olarak), amfitiyatro, konser salonu, kabare odası, tiyatro, bar veya kahvehane gibi açık veya kapalı bir alanda canlı olarak dinlemektir. 20. yüzyıldan bu yana canlı müzik radyo, televizyon veya internet üzerinden de yayınlanabilmekte veya kaydedilerek CD çalar veya Mp3 çalar üzerinden dinlenebilmektedir. ⓘ

Bazı müzik tarzları canlı performans için şarkı ve parça üretmeye odaklanırken, diğerleri hiç "canlı" çalınmamış sesleri bir araya getiren bir kayıt üretmeye odaklanır. Rock gibi esasen canlı olan tarzlarda bile, kayıt mühendisleri genellikle canlı performanstan "daha iyi" olarak kabul edilebilecek kayıtlar üretmek için düzenleme, ekleme ve karıştırma yeteneğini kullanır. Örneğin, bazı şarkıcılar bir melodiyi söylerken kendilerini kaydeder ve daha sonra overdubbing kullanarak birden fazla armoni parçası kaydederek canlı olarak yapılması imkansız bir ses yaratır. ⓘ

Teknoloji, mağara insanlarının 41.000 yıl önce kemik flütlere delik açmak için basit aletler kullandığı tarih öncesi çağlardan beri müzik üzerinde etkili olmuştur. Teknoloji müzik tarihi boyunca müziği etkilemeye devam etmiş, yeni enstrümanların ve nota çoğaltma sistemlerinin kullanılmasını sağlamıştır. 1400'lerde matbaanın icadı müzik notalarının artık elle kopyalanmasına gerek kalmadığı anlamına geliyordu. 19. yüzyılda müzik teknolojisi daha güçlü, daha yüksek sesli bir piyanonun geliştirilmesine ve yeni valfli pirinç enstrümanların geliştirilmesine yol açtı. ⓘ

20. yüzyılın başlarında (1920'lerin sonlarında), önceden kaydedilmiş müzik parçalarıyla konuşan filmler ortaya çıktıkça, giderek artan sayıda sinema orkestrası müzisyeni kendilerini işsiz buldu. 1920'lerde orkestralar, piyanistler ve tiyatro orgcuları tarafından canlı müzik performansları ilk gösterim sinemalarında yaygındı. Konuşan sinema filmlerinin ortaya çıkmasıyla birlikte bu performanslar büyük ölçüde ortadan kalktı. Amerikan Müzisyenler Federasyonu (AFM) canlı müzisyenlerin yerini mekanik çalma cihazlarının almasını protesto eden gazete ilanları yayınladı. Pittsburgh Press'te 1929 yılında yayınlanan bir ilanda "Konserve Müzik / Büyük Gürültü Markası / Hiçbir Entelektüel ya da Duygusal Tepki Üretmeyeceği Garantili" etiketli bir kutu resmi yer almaktadır. ⓘ

Amerika Birleşik Devletleri'nde 1992 tarihli Evde Ses Kaydı Yasası ve Birleşik Krallık'ta 1979 tarihli Edebi ve Sanatsal Eserlerin Korunmasına ilişkin revize edilmiş Bern Sözleşmesi de dahil olmak üzere, icracıların, bestecilerin, yayıncıların ve yapımcıların korunmasına yardımcı olmak için çıkarılan yasalardan bu yana, kayıtlar ve canlı performanslar, genellikle İsteğe Bağlı Müzik olarak bilinen bir biçimde bilgisayarlar, cihazlar ve İnternet aracılığıyla daha erişilebilir hale gelmiştir. ⓘ

Birçok kültürde, müzik icra etmek ve dinlemek arasında daha az ayrım vardır, çünkü neredeyse herkes, genellikle toplumsal bir ortamda, bir tür müzik faaliyetine katılmaktadır. Sanayileşmiş ülkelerde, müziği plak ya da radyo gibi kaydedilmiş bir form aracılığıyla dinlemek, kabaca 20. yüzyılın ortalarında canlı performans deneyimlemekten daha yaygın hale gelmiştir. 1980'lere gelindiğinde, müzik videolarını izlemek hem müzik dinlemenin hem de sanatçıları görmenin popüler bir yoluydu. ⓘ

Bazen canlı performanslar önceden kaydedilmiş sesleri de içerir. Örneğin, bir disk jokeyi scratching için disk kayıtları kullanır ve bazı 20. yüzyıl eserlerinde bir kasete önceden kaydedilmiş müzikle birlikte icra edilen bir enstrüman veya ses için bir solo vardır. Bazı pop grupları kaydedilmiş altyapılar kullanmaktadır. Bilgisayarlar ve birçok klavye, Müzik Enstrümanı Dijital Arayüzü (MIDI) müziği üretmek ve çalmak üzere programlanabilir. İzleyiciler ayrıca, tanınmış şarkıların sesleri silinmiş versiyonlarını çalan bir cihaza odaklanan Japon kökenli bir etkinlik olan karaokeye katılarak sanatçı olabilirler. Çoğu karaoke makinesinde, çalınan şarkıların sözlerini gösteren video ekranları da vardır; sanatçılar enstrümantal parçalar üzerinde şarkı söylerken sözleri takip edebilirler. ⓘ

İnternet

İnternetin ortaya çıkışı ve yüksek hızlı geniş bant erişiminin yaygınlaşması, kısmen video akışı yoluyla müzik kayıtlarına erişimin kolaylaşması ve tüketiciler için müzik seçeneklerinin büyük ölçüde artması yoluyla müzik deneyimini dönüştürmüştür. Chris Anderson, The Long Tail: Why the Future of Business Is Selling Less of More adlı kitabında, geleneksel arz ve talep ekonomik modelinin kıtlığı tanımlarken, internet perakende modelinin bolluğa dayandığını öne sürmektedir. Dijital depolama maliyetleri düşüktür, bu nedenle bir şirket tüm kayıt envanterini çevrimiçi olarak sunabilir ve müşterilere mümkün olduğunca çok seçenek sunabilir. Böylece çok az kişinin ilgilendiği müzik kayıtlarını sunmak ekonomik olarak uygun hale gelmiştir. Tüketicilerin artan seçeneklerine ilişkin artan farkındalıkları, dinleme zevkleri ile sosyal kimlik arasında daha yakın bir ilişki kurulmasına ve binlerce niş pazarın oluşmasına neden olmaktadır. ⓘ

İnternetin bir başka etkisi de YouTube ve Facebook gibi çevrimiçi topluluklar ve sosyal medya siteleri ile ortaya çıkmıştır. Bu siteler, hevesli şarkıcıların ve amatör grupların şarkılarının videolarını dağıtmalarını, diğer müzisyenlerle bağlantı kurmalarını ve dinleyicilerin ilgisini çekmelerini kolaylaştırmaktadır. Profesyonel müzisyenler de YouTube'u ücretsiz bir tanıtım malzemesi yayıncısı olarak kullanıyor. Örneğin YouTube kullanıcıları artık sadece MP3 indirip dinlemekle kalmıyor, aynı zamanda aktif olarak kendi MP3'lerini de yaratıyor. Don Tapscott ve Anthony D. Williams'a göre, Wikinomics adlı kitaplarında, geleneksel tüketici rolünden "prosumer" olarak adlandırdıkları, hem içerik yaratan hem de tüketen tüketici rolüne doğru bir kayma olmuştur. Bunun müzikteki tezahürleri arasında hayranlar tarafından mash'lerin, remix'lerin ve müzik videolarının üretilmesi yer almaktadır. ⓘ

İş dünyası

Çeşitli single ve albümlerin satıldığı müzik mağazası ⓘ

Müzik endüstrisi, müziğin yaratılması ve satışı ile bağlantılı işletmeleri ifade eder. Yeni şarkılar ve müzik parçaları yaratan söz yazarları ve besteciler, şarkıları ve parçaları kaydeden müzik yapımcıları ve ses mühendisleri, kayıtlı müzik ürünlerini ve notaları uluslararası olarak dağıtan ve genellikle bu ürünlerin haklarını kontrol eden plak şirketleri ve yayıncılardan oluşur. Bazı müzik şirketleri "bağımsız" iken, diğerleri daha büyük kurumsal varlıkların veya uluslararası medya gruplarının yan kuruluşlarıdır. 2000'li yıllarda, müziğin MP3 çalarlarda, iPod'larda veya bilgisayarlarda dijital müzik dosyaları olarak dinlenmesinin ve dosya paylaşım web sitelerinde müzik ticareti yapılmasının veya dijital dosyalar şeklinde çevrimiçi olarak satın alınmasının artan popülaritesi, geleneksel müzik sektörü üzerinde büyük bir etki yaratmıştır. Müzik alıcıları CD alımlarını azalttığı için birçok küçük bağımsız CD mağazası iflas etti ve birçok plak şirketinin CD satışları düştü. Ancak bazı şirketler dijital formata geçişte başarılı oldu, örneğin Apple'ın iTunes'u, internet üzerinden şarkıların dijital dosyalarını satan bir çevrimiçi müzik mağazası. ⓘ

Fikri mülkiyet yasaları

Bazı uluslararası telif hakkı anlaşmalarına rağmen, hangi müziğin kamu malı olduğunu belirlemek, uygulanabilecek çeşitli ulusal telif hakkı yasaları nedeniyle karmaşıktır. ABD telif hakkı yasası daha önce 1923'ten sonra yayınlanan basılı müziği 28 yıl boyunca ve 28 yıl daha yenileme ile koruyordu, ancak 1976 Telif Hakkı Yasası yenilemeyi otomatik hale getirdi ve Dijital Milenyum Telif Hakkı Yasası telif hakkı süresinin hesaplanmasını yaratıcının ölümünden sonra 70 yıl olarak değiştirdi. Kaydedilen ses, genellikle eyalet yasalarının kafa karıştırıcı bir yamalı bohçası tarafından kapsanan mekanik lisanslama kapsamına girer; çoğu kapak versiyonu Harry Fox Ajansı aracılığıyla lisanslanır. Performans hakları sanatçılar ya da performans mekanı tarafından elde edilebilir; lisanslama için iki ana kuruluş BMI ve ASCAP'tır. Kamu malı müzikler için iki çevrimiçi kaynak IMSLP (International Music Score Library Project) ve Choral Public Domain Library (CPDL)'dir. ⓘ

Eğitim

Kurumsal olmayan

Farklı yaşlardaki öğrencilerle bir Suzuki keman resitali ⓘ

Kuzey Amerika ve Avrupa'da okul öncesinden ortaöğretim sonrasına kadar genel eğitime bir miktar müzik veya şarkı söyleme eğitiminin dahil edilmesi yaygındır. Müzik çalma ve söylemeye katılımın konsantrasyon, sayma, dinleme ve işbirliği gibi temel becerileri öğretirken aynı zamanda dili anlamayı teşvik ettiği, bilgiyi hatırlama yeteneğini geliştirdiği ve diğer alanlarda öğrenmeye daha elverişli bir ortam yarattığı düşünülmektedir. İlkokullarda çocuklar genellikle flüt gibi enstrümanları çalmayı, küçük korolarda şarkı söylemeyi ve Batı sanat müziği ile geleneksel müziğin tarihi hakkında bilgi edinmeyi öğrenirler. Bazı ilkokul çocukları popüler müzik tarzlarını da öğrenir. Dini okullarda çocuklar ilahiler ve diğer dini müzikleri söylerler. Ortaokullarda (ve daha az yaygın olarak ilkokullarda), öğrenciler korolar (bir grup şarkıcı), bandolar, konser grupları, caz grupları veya orkestralar gibi bazı müzik topluluklarında performans sergileme fırsatına sahip olabilirler. Bazı okul sistemlerinde, enstrümanların nasıl çalınacağına dair müzik dersleri verilebilir. Bazı öğrenciler de okuldan sonra bir şan öğretmeni veya enstrüman öğretmeninden özel müzik dersleri alır. Amatör müzisyenler tipik olarak temel müzikal esasları (örneğin, müzikal gamlar ve ritimler için nota yazımını öğrenmek) ve başlangıç ila orta seviye şarkı söyleme veya enstrüman çalma tekniklerini öğrenirler. ⓘ

Üniversite düzeyinde, çoğu sanat ve beşeri bilimler programındaki öğrenciler, genellikle müzik tarihine genel bir bakış dersi veya müzik dinlemeye ve farklı müzik tarzlarını öğrenmeye odaklanan bir müzik takdiri dersi şeklinde olan birkaç müzik dersi alarak kredi alabilirler. Buna ek olarak, çoğu Kuzey Amerika ve Avrupa üniversitesinde sanat ve beşeri bilimler öğrencilerinin katılabileceği korolar, bandolar, konser grupları veya orkestralar gibi bazı müzik toplulukları vardır. Endonezya'nın Yogyakarta kentindeki Endonezya Sanat Enstitüsü ya da Güney Kore, Japonya ve Çin gibi Asya ülkelerinde mevcut olan klasik müzik programları gibi Batı sanat müziği eğitimi Kuzey Amerika ve Avrupa dışında da giderek yaygınlaşmaktadır. Aynı zamanda, Batılı üniversiteler ve kolejler müfredatlarını Afrika veya Bali müziği (örneğin Gamelan müziği) gibi Batı dışı kültürlerin müziklerini de kapsayacak şekilde genişletmektedir. ⓘ

Kurumsal

Manhattan Müzik Okulu profesörü ve profesyonel kontrbas sanatçısı Timothy Cobb 2000'lerin sonunda bir bas dersi verirken. Onun basının pes Do uzantısı ve uzantıdaki perdeleri çalmak için düğmeleri olan metal bir "makinesi" vardır. ⓘ

Profesyonel müzisyenler, şarkıcılar, besteciler, söz yazarları, müzik öğretmenleri ve müzik tarihi profesörleri, ses mühendisleri gibi müzikle ilgili diğer mesleklerin uygulayıcıları olmayı hedefleyen kişiler, kolejler, üniversiteler ve müzik konservatuarları tarafından sunulan özel lise sonrası programlarda eğitim görürler. Müzik kariyerleri için bireyleri eğiten bazı kurumlar, müzik performansı (şarkı söyleme ve enstrüman çalma dahil), müzik tarihi, müzik teorisi, müzik kompozisyonu, müzik eğitimi (ilkokul veya lise müzik öğretmeni olmayı hedefleyen bireyler için) ve bazı durumlarda şeflik dereceleri sunan en iyi ABD üniversitelerinin çoğunda olduğu gibi çok çeşitli mesleklerde eğitim sunmaktadır. Öte yandan, bazı küçük kolejler yalnızca tek bir meslek dalında (örneğin, ses kaydı) eğitim verebilir. ⓘ

Çoğu üniversite ve konservatuar müzik programı öğrencileri klasik müzik alanında eğitmeye odaklanırken, caz veya popüler müzik müzisyenleri ve bestecileri olarak kariyer yapmak üzere müzisyen yetiştiren, Manhattan School of Music ve Berklee College of Music gibi önemli ABD örnekleri olan bir dizi üniversite ve kolej de bulunmaktadır. Kanada'da profesyonel caz eğitimi veren iki önemli okul McGill Üniversitesi ve Humber College'dır. Heavy metal müzik, country müzik ya da blues gibi bazı müzik türlerinde kariyer hedefleyen kişilerin kolej ya da üniversitelerde derece ya da diploma alarak profesyonel olma olasılığı daha düşüktür. Bunun yerine, genellikle birçok grupta şarkı söyleyerek veya çalarak (genellikle amatör gruplarda, cover gruplarında ve tribute gruplarında başlayarak), CD, DVD ve internette bulunan kayıtları inceleyerek ve gayri resmi danışmanlık veya düzenli müzik dersleri yoluyla kendi müzik tarzlarında zaten yerleşik profesyonellerle çalışarak kendi müzik tarzları hakkında bilgi edinirler. 2000'lerden bu yana, internet forumlarının ve YouTube "nasıl yapılır" videolarının artan popülaritesi ve erişilebilirliği, metal, blues ve benzeri türlerden birçok şarkıcı ve müzisyenin becerilerini geliştirmesini sağlamıştır. Birçok pop, rock ve country şarkıcısı vokal koçları ve şan öğretmenleri ile gayri resmi olarak eğitim almaktadır. ⓘ

Akademik çalışma

Müzikoloji

Müzik konusunun akademik çalışması olan müzikoloji, üniversitelerde ve müzik konservatuarlarında incelenmektedir. Müzikolojinin 19. yüzyıldaki ilk tanımlarında üç alt disiplin tanımlanmıştır: sistematik müzikoloji, tarihsel müzikoloji ve karşılaştırmalı müzikoloji ya da etnomüzikoloji. 2010 dönemi akademik çalışmalarında, disiplinin müzik teorisi, müzik tarihi ve etnomüzikoloji olarak bölünmesiyle karşılaşmak daha olasıdır. Müzikoloji alanındaki araştırmalar, örneğin psikoakustik alanında olduğu gibi, disiplinler arası çalışmalarla zenginleştirilmiştir. Batılı olmayan kültürlerin müziklerinin incelenmesi ve müziğin kültürel olarak incelenmesi etnomüzikoloji olarak adlandırılır. Öğrenciler müzikoloji, etnomüzikoloji, müzik tarihi ve müzik teorisi lisans eğitimlerini lisans, yüksek lisans ve doktora dereceleri de dahil olmak üzere çeşitli derecelerle sürdürebilirler. ⓘ

Müzik tarihi, müziği kronolojik açıdan inceleyen müzikoloji ve tarihin ayrı bir alt alanıdır. ⓘ

Müzik teorisi

Müzik teorisi, müziğin genellikle diğer disiplinlerin dışında son derece teknik bir şekilde incelenmesidir. Daha geniş anlamda, genellikle bir şekilde bestecilikle ilgili olan ve matematik, fizik ve antropolojiyi de içerebilen herhangi bir müzik çalışmasını ifade eder. Başlangıç müzik teorisi derslerinde en yaygın olarak öğretilen şey, ortak uygulama dönemi veya tonal müzik tarzında yazma yönergeleridir. Teori, ortak uygulama döneminin müziği de dahil olmak üzere, birçok farklı biçim alabilir. Müzikal küme teorisi, matematiksel küme teorisinin müziğe uygulanmasıdır ve ilk olarak atonal müziğe uygulanmıştır. Analitik müzik teorisinin aksine spekülatif müzik teorisi, müzik materyallerinin, örneğin akort sistemlerinin, genellikle kompozisyona hazırlık olarak analiz ve sentezine adanmıştır. ⓘ

Zoomüzikoloji

Zoomüzikoloji, insan olmayan hayvanların müziğinin veya insan olmayan hayvanlar tarafından üretilen seslerin müzikal yönlerinin incelenmesidir. George Herzog'un (1941) sorduğu gibi, "hayvanların müziği var mıdır?" François-Bernard Mâche'ın Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983) adlı çalışması, Nicolas Ruwet'in Langage, musique, poésie (1972) paradigmatik segmentasyon analizi tekniğini kullanan bir "ornito-müzikoloji" çalışmasıdır ve kuş şarkılarının bir tekrar-dönüşüm ilkesine göre düzenlendiğini göstermektedir. Jean-Jacques Nattiez (1990), "son tahlilde, ses insan kaynaklı olmasa bile neyin müzikal olup olmadığına karar veren insandır. Sesin sadece üreticisi tarafından değil, onu algılayan zihin tarafından düzenlendiğini ve kavramsallaştırıldığını (yani müzik haline getirildiğini) kabul edersek, müzik benzersiz bir şekilde insana özgüdür." ⓘ

Etnomüzikoloji

Etnomüzikolog Frances Densmore, Amerikan Etnoloji Bürosu için Blackfoot şefi Mountain Chief'i kaydediyor (1916) ⓘ

Batı'da öğretilen müzik tarihinin büyük bir kısmı, klasik müzik olarak bilinen Batı medeniyetinin sanat müziği ile ilgilidir. Batılı olmayan kültürlerdeki müziğin tarihi ("dünya müziği" veya "etnomüzikoloji" alanı) de Batı üniversitelerinde öğretilmektedir. Bu, Batı Avrupa'nın etkisi dışındaki Asya ülkelerinin belgelenmiş klasik geleneklerinin yanı sıra çeşitli diğer kültürlerin halk veya yerli müziklerini de içerir. Batılı olmayan ülkelerdeki popüler ya da halk müziği tarzları kültürden kültüre ve dönemden döneme büyük farklılıklar göstermiştir. Farklı kültürler farklı enstrümanları, teknikleri, şarkı söyleme tarzlarını ve müziğin kullanım alanlarını vurgulamıştır. Müzik eğlence, törenler, ritüeller, dini amaçlar ve pratik ve sanatsal iletişim için kullanılmıştır. Kültür Devrimi sırasında Çin operasında olduğu gibi, Batılı olmayan müzikler de propaganda amacıyla kullanılmıştır. ⓘ

Batılı olmayan müzikler için, çoğu müziğin tanımı konusundaki tartışmalara takılan bir dizi müzik sınıflandırması vardır. Bunların en büyükleri arasında klasik müzik (veya "sanat" müziği) ve popüler müzik (veya ticari müzik - Batı dışı rock, country ve pop müzikle ilgili tarzlar dahil) arasındaki ayrım yer almaktadır. Bazı türler bu "iki büyük" sınıflandırmadan birine tam olarak uymaz (halk müziği, dünya müziği veya caz ile ilgili müzik gibi). ⓘ

Dünya kültürleri daha fazla küresel temas içine girdikçe, yerel müzik tarzları genellikle diğer tarzlarla birleşerek yeni tarzlar üretmiştir. Örneğin, Amerika Birleşik Devletleri bluegrass tarzı, Amerika Birleşik Devletleri'nin çok etnikli "erime potası" toplumunda kaynaşabilen Anglo-İrlanda, İskoç, İrlanda, Alman ve Afrika enstrümantal ve vokal geleneklerinden unsurlar içerir. Bazı dünya müziği türleri, Batılı olmayan yerel tarzlar ile Batılı pop müzik unsurlarının bir karışımını içerir. Müzik türleri, gerçek müzik kadar gelenek ve sunum tarafından da belirlenir. George Gershwin'in Rhapsody in Blue'su gibi bazı eserler hem caz hem de klasik müzik tarafından sahiplenilirken, Gershwin'in Porgy and Bess'i ve Leonard Bernstein'ın West Side Story'si hem opera hem de Broadway müzik geleneği tarafından sahiplenilmektedir. Batı dışı müziğe yönelik birçok güncel müzik festivali, dünya müziği gibi belirli bir müzik türünden grup ve şarkıcıları içermektedir. ⓘ

Örneğin Hint müziği, yaşayan en eski ve en uzun müzik türlerinden biridir ve halen Güney Asya'da ve uluslararası alanda (özellikle 1960'lardan bu yana) yaygın olarak duyulmakta ve icra edilmektedir. Hint müziğinin başlıca üç klasik müzik formu vardır: Hindustani, Carnatic ve Dhrupad stilleri. Ayrıca, Güney Hindistan'da ünlü talavadya performansları gibi sadece vurmalı müzik içeren geniş bir stil repertuarına sahiptir. ⓘ

Terapi

"Blues in the Schools" programından bir müzik terapisti, Donanma Terapi Merkezi'nde bir ABD Donanması denizcisiyle mızıka çalıyor. ⓘ

Müzik terapisi, eğitimli bir terapistin müziği ve müziğin tüm yönlerini - fiziksel, duygusal, zihinsel, sosyal, estetik ve ruhsal - danışanların sağlıklarını iyileştirmelerine veya korumalarına yardımcı olmak için kullandığı kişilerarası bir süreçtir. Bazı durumlarda, danışanın ihtiyaçları doğrudan müzik yoluyla ele alınırken, bazı durumlarda ise danışan ve terapist arasında gelişen ilişkiler yoluyla ele alınır. Müzik terapisi, psikiyatrik bozukluklar, tıbbi sorunlar, fiziksel engeller, duyusal bozukluklar, gelişimsel engeller, madde bağımlılığı sorunları, iletişim bozuklukları, kişilerarası sorunlar ve yaşlanma dahil olmak üzere her yaştan ve çeşitli koşullara sahip bireylerle kullanılır. Ayrıca öğrenmeyi geliştirmek, özgüven oluşturmak, stresi azaltmak, fiziksel egzersizi desteklemek ve sağlıkla ilgili bir dizi başka faaliyeti kolaylaştırmak için de kullanılır. Müzik terapistleri danışanlarını şarkı söylemeye, enstrüman çalmaya, şarkı yaratmaya veya diğer müzikal aktiviteleri yapmaya teşvik edebilir. ⓘ

10. yüzyılda filozof Al-Farabi, vokal müziğin dinleyicilerin duygularını ve ruhlarını nasıl harekete geçirebileceğini anlatmıştır. Müzik, insanların duygularıyla başa çıkmalarına yardımcı olmak için uzun zamandır kullanılmaktadır. 17. yüzyılda akademisyen Robert Burton'ın Melankolinin Anatomisi adlı kitabı, müzik ve dansın akıl hastalıklarının, özellikle de melankolinin tedavisinde kritik öneme sahip olduğunu savunmuştur. Müziğin "diğer pek çok hastalığı kovmak için ... mükemmel bir güce" sahip olduğunu belirtmiş ve onu "umutsuzluk ve melankoliye karşı egemen bir ilaç" olarak adlandırmıştır. Antik Çağ'da Rodoslu bir kemancı olan Canus'un müziği "melankolik bir adamı neşelendirmek, ... bir aşığı daha aşık, dindar bir adamı daha dindar yapmak" için kullandığına dikkat çekmiştir. Osmanlı İmparatorluğu'nda akıl hastalıkları müzikle tedavi edilirdi. Kasım 2006'da Dr. Michael J. Crawford ve meslektaşları da müzik terapisinin şizofreni hastalarına yardımcı olduğunu bulmuşlardır. ⓘ

Albert Einstein yaşamı boyunca müziği (özellikle Bach ve Mozart'ın eserlerini) sevmiş, bir keresinde müziksiz bir yaşamın kendisi için düşünülemez olduğunu belirtmiştir. Hatta bazı röportajlarında Einstein bilimsel sezgilerinin çoğunu müziğe bağlamış, oğlu Hans "ne zaman yolun sonuna geldiğini ya da işinde zor bir duruma düştüğünü hissetse müziğe sığınırdı ve bu genellikle tüm zorluklarını çözerdi" diye anlatmıştır. Psychology Today'de Michele ve Robert Root-Bernstein'a göre müzikteki bir şey "düşüncelerini yeni ve yaratıcı yönlere yönlendirirdi." Einstein'ın Mozart'ın müziğini, Einstein'ın evrende var olduğuna inandığı evrensel bir uyumu ortaya koyduğunu düşündüğü söylenmiştir, "sanki büyük Wolfgang Amadeus güzel ve berrak müziğini hiç 'yaratmamış', sadece zaten yapılmış olduğunu keşfetmiştir. Bu bakış açısı, Einstein'ın doğanın nihai basitliği ve bunun esasen basit matematiksel ifadelerle açıklanması ve ifade edilmesine ilişkin görüşleriyle dikkat çekici bir şekilde paralellik göstermektedir." Bir inceleme, müziğin uykusuzluk semptomları olan yetişkinlerde öznel uyku kalitesini iyileştirmede etkili olabileceğini öne sürmektedir. Müzik aynı zamanda bilişsel ve motor bozuklukların klinik rehabilitasyonunda da kullanılmaktadır. ⓘ

Tanım

Müziğin tanımına dair çok çeşitli görüşler bulunmaktadır. Türk Dil Kurumu, Güncel Türkçe Sözlük'te müziği "Birtakım duygu ve düşünceleri belli kurallar çerçevesinde uyumlu seslerle anlatma sanatı" olarak tanımlamıştır. ⓘ

Otto Karolyi, müziğin hem bir sanat hem de bir bilim olduğunu, duygusal olarak algılanışının yanı sıra akıl ile de kavranabileceğini belirtmiştir. Bu özelliği ile bireyin ve toplumun duyuş ve biliş açısından durumunu belirlediği gibi, gelişim ve değişimini de sağlayan organik bir yapıdır. Sesin en güzel şekli müzik ile dile gelir. Resim, renklerin birleşmesinden; şiir, kelimelerin kaynaşmasından nasıl oluşuyorsa; müzik de seslerin, duygu, düşünce ve heyecanımızı anlatmak üzere belli bir estetik anlayışına göre seçilip işlenmesinden oluşmaktadır. ⓘ

Yılmaz Öztuna, Büyük Türk Musikisi Ansiklopedisi'nde, Musiki maddesinde, müziğin ses üzerinde kurulmuş bir sanat olduğunu belirtir. ⓘ

Ali Uçan, müziği "duygu, düşünce, izlenim ve tasarımları ve başka gerçeklerin de katkısıyla belli durum, olgu ve olayları, belli bir amaç ve yöntemle, belirli bir güzellik anlayışına göre birleştirerek, biçimlendirilmiş seslerle işleyerek anlatan estetik bir bütündür. Herkesin anlayabildiği ve anlayabileceği yegane dildir. Müzik dil ve ırk fark etmeksizin direkt olarak duygulara hitap eden, etki eden bir sanat dalıdır" diyerek tanımlar. ⓘ

Müzik, insanoğlunun binlerce yıldır doğayı taklit ederek, duygularını anlatma yollarından birisidir. Müziğin içerisinde doğanın kendisi, hayatın özü bulunur. Dünyanın dönüşü ve buna bağlı olarak oluşan “ritm”; bu ritme bağlı olarak duyduğumuz “ses”ler müziğin özüdür, farklı yansımasıdır. Yani müzik eşittir ses ve ritm. Ancak bu ses ritim birlikteliği matematiksel bileşenlerdir. Bunların üzerine duygu, düşünce, ifade, anlatım gibi araçlar da eklendiği zaman, müzik sanat boyutuna geçer. ⓘ

Yunanlar müzik için, perilerin(mus) konuştuğu dil(ike-ika), yani “perice” (musika) olarak isimlendirdiler. Bugün dünya üzerinde bu isimlendirmeye yakın şekillerde ifade ediliyor.

Bir klasik müzik orkestrası ⓘ

Unsurları

Ludwig van Beethoven ⓘ

ⓘ ⓘ

Müziğin çok çeşitli temel unsurları, öğeleri bulunmaktadır, bunlar çeşitli yazarlar tarafından farklı şekilde ele alınmışlardır. Mesela Otto Karolyi, müziğin üç temel öğesini ritim, ezgi ve armoni olarak belirtmektedir. Besteci Aaron Copland'a göre ise müzik dört temel unsurdan oluşur: Ritim, ezgi (melodi), armoni ve tını (ses rengi). Günümüzde müziğin bu dört temel unsuru dışında başka unsurları da olduğu belirtilmektedir. ⓘ

Müzik ve Teknoloji

Teknolojinin günümüze çok katkısı vardır. Birçok müzisyen bu değişimden etkilenmiştir ve teknoloji müziğe çok büyük derecede katkı sağlamıştır. ⓘ

Müzik kayıt sistemleri

Son yıllarda müzik kaydı için oluşturulan stüdyolarda büyük değişimler yaşandı. İlk müzik kayıt aleti olan "phonautograph"ın patenti, 25 Mart 1857 yılında Parisli Édouard-Léon Scott de Martinville tarafından alındı. Alexander Graham Bell, 1874'te kendi "phonautograph"ı ile çıkageldi. Bu makine insan kulağının sesleri duyma yönteminin taklit edilmesiyle yapılmıştı. 1877'nin sonuna doğru, Edison, fonografı icat etti. 1886'daysa Charles Sumner Tainter ve Chichester Bell, Edison'un fonografını geliştirerek gramafonu ortaya çıkardılar. 1924'te, insanlar mekanik kayıt araçları yerine Western Electric Company'nin yeni teknolojisini kullanarak yeni kayıt cihazları yaptılar. Bunlar, sesi daha gür ve cızırtısız kaydedebiliyorlardı. Bugünlerde kullanılan manyetik kayıt, 1890'da Valdemar Pousen tarafından ortaya çıkarıldı. Telgraphone da bu yeni sistemin ilk çocuğuydu. 1930'ların sonuna doğru, çok uzun kayıtlar yapabilen ve çoğu koşulda çalışabilen "magnetophone", kayıt aletleri piyasasını etkilemiştir. ⓘ

Ses depolama ortamları

İlk ortaya çıkan ses depoları, analog depolama aygıtlarıydı. İlk başta Fonograf olarak ortaya çıkmışlar ve sonra manyetik kullanılarak üretilmişlerdir. Sonra ortaya sayısal (dijital) depolar çıkmıştır. Sayısal depolama aygıtları da iki şekilde çalışıyordu: Optik ve manyetik. Bu yeni ses depoları, sadece boy küçülterek kullanım kolaylığı sağlamamış, aynı zamanda müziğin paylaşımına yardımcı olmuştur. ⓘ