Sanat
Sanat, en genel anlamıyla yaratıcılığın ve hayal gücünün ifadesi olarak anlaşılır. Tarih boyunca neyin sanat olarak adlandırılacağına dair fikirler sürekli değişmiş, bu geniş anlama zaman içinde değişik kısıtlamalar getirilip yeni tanımlar yaratılmıştır. Bu tanımlardan en yaygın kabul göreni sanatın edebiyat, resim, müzik, tiyatro, sinema, mimari ve heykel alt türlerinden oluştuğu görüşüdür. Bugün sanat terimi birçok kişi tarafından çok basit ve net gözüken bir kavram gibi kullanılabildiği gibi akademik çevrelerde sanatın ne şekilde tanımlanabileceği, hatta tanımlanabilir olup olmadığı bile hararetli bir tartışma konusudur. ⓘ
Sanat sözcüğü genelde görsel sanatlar anlamında kullanılır. Sözcüğün bugünkü kullanımı, Batı kültürünün etkisiyle, İngilizcedeki "art" sözcüğüne yakın olsa da halk arasında biraz daha geniş anlamda kullanılır. Gerek İngilizcedeki "art" (artificial = yapay), gerek Almancadaki "Kunst" (künstlich = yapay), gerekse Türkçedeki Arapça kökenli "sanat" (suni = yapay) sözcükleri içlerinde yapaylığa dair bir anlam barındırır. Sanat, bu geniş anlamından Rönesans zamanında sıyrılmaya başlamış, ancak yakın zamana kadar zanaat ve sanat sözcükleri dönüşümlü olarak kullanılmaya devam etmiştir. Buna ek olarak Sanayi Devrimi sonrasında tasarım ve sanat arasında da bir ayrım doğmuş, 1950 ve 1960'larda popüler kültür ve sanat arasında tartışma kaldıran bir üçüncü çizgi çekilmiştir. ⓘ
Sanat, teknik yeterlilik, güzellik, duygusal güç veya kavramsal fikirleri ifade eden yaratıcı veya yaratıcı yetenekleri içeren çeşitli insan faaliyetleri ve bunların sonucunda ortaya çıkan ürünlerdir. ⓘ
Sanatın doğası ve yaratıcılık ve yorumlama gibi ilgili kavramlar, estetik olarak bilinen bir felsefe dalında araştırılır. Ortaya çıkan sanat eserleri, sanat eleştirisi ve sanat tarihi gibi profesyonel alanlarda incelenir. ⓘ
Genel bakış
.jpg)
Sanat tarihi perspektifinden bakıldığında, sanatsal eserler neredeyse insanlık kadar uzun bir süredir varlığını sürdürmektedir: tarih öncesi sanattan çağdaş sanata kadar; ancak bazı teorisyenler tipik "sanatsal eser" kavramının modern Batı toplumlarının dışına pek uymadığını düşünmektedir. Sanat tanımının ilk anlamlarından biri, "zanaatkâr" gibi kelimelerle ilişkilendirildiği gibi kabaca "beceri" veya "zanaat" anlamına gelen eski Latince anlamıyla yakından ilgilidir. Bu anlamdan türetilen İngilizce sözcükler arasında artifact, artificial, artifice, medical arts ve military arts yer almaktadır. Bununla birlikte, kelimenin etimolojisiyle bir şekilde ilişkili olan başka birçok günlük kullanımı da vardır. ⓘ
Zaman içinde Platon, Aristoteles, Sokrates ve Kant gibi filozoflar sanatın anlamını sorgulamışlardır. Platon'daki çeşitli diyaloglar sanatla ilgili soruları ele alır: Sokrates şiirin ilham perilerinden esinlendiğini ve rasyonel olmadığını söyler. Phaedrus'ta (265a-c) bundan ve diğer ilahi delilik biçimlerinden (sarhoşluk, erotizm ve rüya görme) onaylayarak bahseder, ancak Cumhuriyet'te Homeros'un büyük şiirsel sanatını ve gülmeyi de yasaklamak ister. Ion'da Sokrates, Cumhuriyet'te ifade ettiği Homeros karşıtlığına dair hiçbir ipucu vermez. Ion diyaloğu, Homeros'un İlyada'sının antik Yunan dünyasında, bugün modern Hıristiyan dünyasında İncil'in gördüğü işlevi gördüğünü öne sürer: doğru yorumlandığı takdirde ahlaki rehberlik sağlayabilecek, ilahi esinli bir edebi sanat olarak. ⓘ
Edebi sanatlar ve müzik sanatlarıyla ilgili olarak Aristoteles epik şiir, tragedya, komedya, Dithyrambic şiir ve müziği taklitçi ya da taklitçi sanatlar olarak değerlendirmiştir. Örneğin, müzik ritim ve armoni araçlarıyla taklit ederken, dans yalnızca ritimle, şiir ise dille taklit eder. Biçimler aynı zamanda taklit nesneleri bakımından da farklılık gösterir. Örneğin komedi, ortalamadan daha kötü insanların dramatik bir taklididir; oysa trajedi ortalamadan biraz daha iyi insanları taklit eder. Son olarak, biçimler taklit etme tarzları bakımından da farklılık gösterir - anlatı ya da karakter yoluyla, değişim yoluyla ya da değişimsiz, dram yoluyla ya da dramasız. Aristoteles taklidin insanoğlunun doğasında olduğuna ve insanoğlunun hayvanlara göre avantajlarından birini oluşturduğuna inanıyordu. ⓘ
Yaratıcı sanat ya da güzel sanatların kısaltması olarak sanat kelimesinin daha yeni ve özel anlamı 17. yüzyılın başlarında ortaya çıkmıştır. Güzel sanat, sanatçının yaratıcılığını ifade etmek ya da izleyicinin estetik duyarlılıklarını harekete geçirmek veya izleyiciyi daha rafine ya da daha ince sanat eserlerini düşünmeye sevk etmek için kullanılan bir beceriyi ifade eder. ⓘ
Bu ikinci anlamda, sanat kelimesi birkaç şeyi ifade edebilir: (i) yaratıcı bir becerinin incelenmesi, (ii) yaratıcı beceriyi kullanma süreci, (iii) yaratıcı becerinin bir ürünü veya (iv) izleyicinin yaratıcı beceri ile deneyimi. Yaratıcı sanatlar (disiplin olarak sanat), kişisel bir dürtü (etkinlik olarak sanat) tarafından zorlanan ve algılayanın yorumlaması için bir mesaj, ruh hali veya sembolizm ileten (deneyim olarak sanat) sanat eserleri (nesne olarak sanat) üreten bir disiplinler bütünüdür. Sanat, bireyin düşüncelerini, duygularını, inançlarını veya fikirlerini duyular yoluyla harekete geçiren bir şeydir. Sanat eserleri açıkça bu amaç için yapılmış olabilir ya da imgeler veya nesneler temelinde yorumlanabilir. Kant gibi bazı akademisyenler için bilimler ve sanatlar, bilimin bilgi alanını, sanatın ise sanatsal ifade özgürlüğü alanını temsil ettiği kabul edilerek birbirinden ayrılabilir. ⓘ
Genellikle, beceri yaygın veya pratik bir şekilde kullanılıyorsa, insanlar bunu sanat yerine bir zanaat olarak değerlendirecektir. Aynı şekilde, beceri ticari veya endüstriyel bir şekilde kullanılıyorsa, güzel sanatlar yerine ticari sanat olarak kabul edilebilir. Öte yandan, el sanatları ve tasarım bazen uygulamalı sanat olarak kabul edilir. Bazı sanat takipçileri, güzel sanatlar ile uygulamalı sanatlar arasındaki farkın, tanımsal bir farktan ziyade sanat hakkında verilen değer yargılarıyla ilgili olduğunu savunmuştur. Bununla birlikte, güzel sanatların bile çoğu zaman saf yaratıcılık ve kendini ifade etmenin ötesinde amaçları vardır. Sanat eserlerinin amacı, siyasi, manevi veya felsefi motivasyonlu sanatta olduğu gibi fikirleri iletmek; güzellik duygusu yaratmak (bkz. estetik); algının doğasını keşfetmek; zevk almak veya güçlü duygular yaratmak olabilir. Amaç, görünüşte varolmayan bir amaç da olabilir. ⓘ
Sanatın doğası filozof Richard Wollheim tarafından "insan kültürünün geleneksel sorunlarının en anlaşılması zor olanlarından biri" olarak tanımlanmıştır. Sanat, duyguların ve fikirlerin ifade edilmesi ya da iletilmesi için bir araç, biçimsel unsurların kendileri için keşfedilmesi ve takdir edilmesi için bir araç ve mimesis ya da temsil olarak tanımlanmıştır. Mimesis olarak sanatın Aristoteles felsefesinde derin kökleri vardır. Leo Tolstoy sanatı, bir kişiden diğerine iletişim kurmak için dolaylı araçların kullanımı olarak tanımlamıştır. Benedetto Croce ve R. G. Collingwood, sanatın duyguları ifade ettiği ve bu nedenle sanat eserinin esasen yaratıcısının zihninde var olduğu şeklindeki idealist görüşü ileri sürmüşlerdir. Biçim olarak sanat teorisinin kökleri Kant felsefesine dayanır ve 20. yüzyılın başlarında Roger Fry ve Clive Bell tarafından geliştirilmiştir. Daha yakın zamanlarda Martin Heidegger'den etkilenen düşünürler sanatı, bir topluluğun kendini ifade etmek ve yorumlamak için bir araç geliştirmesi olarak yorumlamıştır. George Dickie, bir sanat eserini, genellikle "sanat dünyası" olarak adlandırılan sosyal kurum adına hareket eden nitelikli bir kişi veya kişilerin "takdir edilmeye aday statüsü" verdiği herhangi bir eser olarak tanımlayan kurumsal bir sanat teorisi sunmuştur. Larry Shiner güzel sanatı "bir öz ya da kader değil, bizim yaptığımız bir şey" olarak tanımlamıştır. Genel olarak anladığımız şekliyle sanat, ancak iki yüz yıllık bir Avrupa icadıdır." ⓘ
Sanat, mimesis (gerçekliğin temsili), anlatı (hikaye anlatımı), ifade, duygu iletişimi veya diğer nitelikler açısından karakterize edilebilir. Romantik dönemde sanat, "insan zihninin din ve bilimle birlikte sınıflandırılacak özel bir yetisi" olarak görülmeye başlanmıştır. ⓘ
Tarih
Homo erectus tarafından oyulmuş bir deniz kabuğunun 430.000 ila 540.000 yıllık olduğu belirlenmiştir. 130.000 yıllık sekiz beyaz kuyruklu kartal pençesinden oluşan bir set, muhtemelen mücevher olarak kullanılmak üzere neandertaller tarafından manipüle edildiğini gösteren kesik izleri ve aşınmalar taşımaktadır. Güney Afrika'daki bir mağarada yaklaşık 75.000 yıllık bir dizi küçük, delikli salyangoz kabuğu keşfedildi. Boyaları tutmak için kullanılmış olabilecek kaplar 100.000 yıl öncesine kadar uzanan bir geçmişte bulunmuştur. ⓘ
Yaklaşık 40.000 yıl öncesine tarihlenen Üst Paleolitik döneme ait heykeller, mağara resimleri, kaya resimleri ve petroglifler bulunmuştur, ancak bu sanatın kesin anlamı genellikle tartışmalıdır çünkü bunları üreten kültürler hakkında çok az şey bilinmektedir. ⓘ
Sanattaki pek çok büyük geleneğin temeli, büyük antik uygarlıklardan birinin sanatına dayanır: Antik Mısır, Mezopotamya, İran, Hindistan, Çin, Antik Yunan, Roma, İnka, Maya ve Olmek. Bu erken uygarlık merkezlerinin her biri sanatlarında benzersiz ve karakteristik bir üslup geliştirmiştir. Bu uygarlıkların büyüklükleri ve süreleri nedeniyle, sanat eserlerinin daha fazlası günümüze ulaşmış ve etkilerinin daha fazlası diğer kültürlere ve daha sonraki zamanlara aktarılmıştır. Bazıları sanatçıların nasıl çalıştığına dair ilk kayıtları da sağlamıştır. Örneğin, Yunan sanatının bu döneminde insan fiziksel formuna saygı duyulmuş ve kas yapısı, duruş, güzellik ve anatomik olarak doğru oranları göstermek için eşdeğer beceriler geliştirilmiştir. ⓘ
Batı Ortaçağ'ın Bizans ve Ortaçağ sanatında, sanatın çoğu İncil ve dini kültürle ilgili konuların ifadesine odaklanmış ve resimlerin arka planında altın kullanımı ya da mozaiklerde veya pencerelerde cam kullanımı gibi cennetsel bir dünyanın daha yüksek ihtişamını gösteren üsluplar kullanmış, ayrıca figürleri idealize edilmiş, desenli (düz) formlarda sunmuştur. Bununla birlikte, küçük Bizans eserlerinde klasik gerçekçi gelenek devam etmiş ve Katolik Avrupa sanatında gerçekçilik giderek artmıştır. ⓘ
Rönesans sanatında, maddi dünyanın ve insanın bu dünyadaki yerinin gerçekçi bir şekilde tasvir edilmesine, insan bedeninin cismaniliğine ve üç boyutlu bir resim alanında durgunluğu tasvir etmek için sistematik bir grafik perspektif yönteminin geliştirilmesine yapılan vurgu büyük ölçüde artmıştır. ⓘ
Doğuda, İslam sanatının ikonografiyi reddetmesi geometrik desenlere, kaligrafiye ve mimariye vurgu yapılmasına yol açmıştır. Daha doğuda da din, sanatsal stil ve formlara hükmetmiştir. Hindistan ve Tibet'te boyalı heykellere ve dansa ağırlık verilirken, dini resim heykelden pek çok geleneği ödünç almış ve ana hatlara vurgu yaparak parlak kontrast renklere yönelmiştir. Çin'de yeşim taşı oymacılığı, bronz işçiliği, çömlekçilik (İmparator Qin'in göz alıcı terakota ordusu dahil), şiir, kaligrafi, müzik, resim, drama, kurgu gibi pek çok sanat formu gelişmiştir. Çin stilleri dönemden döneme büyük farklılıklar gösterir ve her biri geleneksel olarak hüküm süren hanedanın adıyla anılır. Örneğin, Tang hanedanı resimleri tek renkli ve seyrek olup idealize edilmiş manzaraları vurgularken, Ming hanedanı resimleri yoğun ve renklidir ve ortam ve kompozisyon yoluyla hikayeler anlatmaya odaklanır. Japonya da üsluplarına imparatorluk hanedanlarının isimlerini vermiş ve kaligrafi ile resim üslupları arasında çok fazla etkileşim görmüştür. Ağaç baskı 17. yüzyıldan sonra Japonya'da önem kazanmıştır. ⓘ
Batı'nın 18. yüzyıldaki Aydınlanma Çağı, saat gibi işleyen evrenin fiziksel ve rasyonel kesinliklerinin sanatsal tasvirlerinin yanı sıra, Blake'in Newton'u ilahi bir coğrafyacı olarak tasvir etmesi veya David'in propagandacı resimleri gibi monarşi sonrası bir dünyanın siyasi açıdan devrimci vizyonlarına da tanıklık etmiştir. Bu durum, Goethe'nin romanlarında örneklendiği üzere, Romantiklerin insanların duygusal yönlerini ve bireyselliklerini resmetmeyi reddetmesine yol açmıştır. 19. yüzyılın sonlarında akademik sanat, Sembolizm, empresyonizm ve fauvizm gibi bir dizi sanatsal hareket ortaya çıkmıştır. ⓘ
20. yüzyıl sanat tarihi, her biri bir sonraki tarafından yıkılan sonsuz olasılıkların ve yeni standart arayışlarının bir anlatısıdır. Bu nedenle Empresyonizm, Ekspresyonizm, Fovizm, Kübizm, Dadaizm, Sürrealizm vb. parametreler, icat edildikleri zamanın ötesinde çok fazla korunamaz. Bu dönemde artan küresel etkileşim, diğer kültürlerin Batı sanatına eşdeğer bir etkisine tanık oldu. Böylece, Japon tahta baskıları (kendileri de Batı Rönesans ressamlığından etkilenmiştir) empresyonizm ve sonraki gelişim üzerinde muazzam bir etkiye sahip olmuştur. Daha sonra, Afrika heykelleri Picasso ve bir dereceye kadar Matisse tarafından ele alınmıştır. Benzer şekilde, 19. ve 20. yüzyıllarda Batı'nın Doğu sanatı üzerinde büyük etkileri olmuş, Komünizm ve Post-Modernizm gibi özgün Batılı fikirler güçlü bir etki yaratmıştır. ⓘ
İdealist hakikat arayışı olan modernizm, 20. yüzyılın ikinci yarısında yerini ulaşılamaz olduğunun farkına varılmasına bırakmıştır. Theodor W. Adorno 1970'te şöyle demiştir: "Artık sanatı ilgilendiren hiçbir şey kesin olarak kabul edilemez: ne sanatın kendisi, ne bütünle ilişkisi içinde sanat, ne de sanatın var olma hakkı." Görecelik kaçınılmaz bir gerçek olarak kabul edildi ve bu da çağdaş sanat ve postmodern eleştiri dönemine yol açtı; bu dönemde dünya ve tarih kültürleri, sadece şüphecilik ve ironi ile takdir edilebilecek ve yararlanılabilecek değişen formlar olarak görüldü. Dahası, kültürler arasındaki ayrım giderek bulanıklaşmakta ve bazıları artık bölgesel kültürler yerine küresel bir kültür açısından düşünmenin daha uygun olduğunu savunmaktadır. ⓘ
Alman filozof ve ufuk açıcı bir düşünür olan Martin Heidegger, Sanat Eserinin Kökeni adlı eserinde sanatın özünü varlık ve hakikat kavramlarıyla açıklar. Sanatın yalnızca bir kültürdeki hakikat unsurunu ifade etmenin bir yolu değil, aynı zamanda onu yaratmanın ve "olanın" ortaya çıkarılabileceği bir sıçrama tahtası sağlamanın bir aracı olduğunu savunur. Sanat eserleri yalnızca şeylerin nasıl olduğunun temsili değildir, aslında bir topluluğun ortak anlayışını üretir. Herhangi bir kültüre her yeni sanat eseri eklendiğinde, var olmanın ne anlama geldiği de doğal olarak değişir. ⓘ
Tarihsel olarak, sanat ve sanatsal beceriler ve fikirler genellikle ticaret yoluyla yayılmıştır. Bunun bir örneği Helenistik, İran, Hint ve Çin etkilerinin karışabildiği İpek Yolu'dur. Greko Budist sanatı bu etkileşimin en canlı örneklerinden biridir. Farklı kültürlerin ve dünya görüşlerinin buluşması sanatsal yaratımı da etkilemiştir. James Joyce'un Orta Avrupa'dan yazarlarla tanıştığı 20. yüzyılın başındaki çok kültürlü liman metropolü Trieste ve kültürel bir erime potası olarak New York'un sanatsal gelişimi bunun bir örneğidir. ⓘ
Formlar, türler, medya ve stiller
Yaratıcı sanatlar genellikle medya, tür, stil ve biçim gibi algısal olarak ayırt edilebilir kategorilere göre daha spesifik kategorilere ayrılır. Sanat biçimi, sanatın yorumundan veya öneminden bağımsız olan unsurlarını ifade eder. Sanatçı tarafından benimsenen yöntemleri ve sanat eserinin fiziksel kompozisyonunu, özellikle de eserin renk, kontur, boyut, ortam, melodi, boşluk, doku ve değer gibi anlamsal olmayan yönlerini (yani figürleri) kapsar. Biçim aynı zamanda düzenleme, denge, kontrast, vurgu, uyum, oran, yakınlık ve ritim gibi görsel tasarım ilkelerini de içerebilir. ⓘ
Genel olarak sanatla ilgili, sırasıyla biçim, içerik ve bağlama odaklanan üç felsefe okulu vardır. Aşırı Biçimcilik, sanatın tüm estetik özelliklerinin biçimsel (yani sanat formunun bir parçası) olduğu görüşüdür. Filozoflar neredeyse evrensel olarak bu görüşü reddeder ve sanatın özelliklerinin ve estetiğinin malzeme, teknik ve biçimin ötesine uzandığını savunur. Ne yazık ki, bu gayri resmi özellikler için terminoloji konusunda çok az fikir birliği vardır. Bazı yazarlar konu ve içeriğe - yani anlam ve çağrışımlara - atıfta bulunurken, diğerleri anlam ve önem gibi terimleri tercih etmektedir. ⓘ
Aşırı Niyetçilik, yazarın niyetinin bir sanat eserinin anlamında belirleyici bir rol oynadığını, içeriği veya temel ana fikri ilettiğini, diğer tüm yorumların ise göz ardı edilebileceğini savunur. Konuyu temsil edilen kişiler veya fikirler, içeriği ise sanatçının bu konudaki deneyimi olarak tanımlar. Örneğin, Napolyon I'in İmparatorluk Tahtı'ndaki kompozisyonu kısmen Olympia'daki Zeus Heykeli'nden ödünç alınmıştır. Başlıktan da anlaşılacağı üzere, konu Napolyon'dur ve içerik Ingres'in Napolyon'u "zamanın ve mekanın ötesindeki İmparator-Tanrı" olarak temsil etmesidir. Aşırı biçimciliğe benzer şekilde, filozoflar tipik olarak aşırı niyetçiliği reddederler, çünkü sanatın birden fazla belirsiz anlamı olabilir ve yazarın niyeti bilinemez ve dolayısıyla ilgisiz olabilir. Kısıtlayıcı yorumu "sosyal açıdan sağlıksız, felsefi açıdan gerçek dışı ve siyasi açıdan akılsızcadır". ⓘ
Son olarak, gelişmekte olan post-yapısalcılık teorisi, sanatın bir eser tarafından harekete geçirilen fikirler, duygular ve tepkiler gibi kültürel bir bağlamdaki önemini inceler. Kültürel bağlam genellikle sanatçının tekniklerine ve niyetlerine indirgenir; bu durumda analiz, biçimcilik ve niyetçiliğe benzer çizgide ilerler. Ancak diğer durumlarda, dini ve felsefi inançlar, sosyopolitik ve ekonomik yapılar, hatta iklim ve coğrafya gibi tarihsel ve maddi koşullar baskın olabilir. Sanat eleştirisi, sanatla birlikte büyümeye ve gelişmeye devam etmektedir. ⓘ
Beceri ve zanaat
Sanat, eğitimli bir yetenek veya bir araçta ustalık duygusunu çağrıştırabilir. Sanat aynı zamanda basitçe, anlamı dolaysız veya derin bir şekilde iletmek için bir dilin gelişmiş ve etkili kullanımına da atıfta bulunabilir. Sanat, duygu, düşünce ve gözlemleri ifade etme eylemi olarak tanımlanabilir. ⓘ
Malzemeyle uğraşmanın bir sonucu olarak ulaşılan ve kişinin düşünce süreçlerini kolaylaştıran bir anlayış vardır. Yaygın bir görüşe göre "sanat" sıfatı, özellikle de yüksek anlamıyla, sanatçının belirli bir düzeyde yaratıcı uzmanlığını gerektirir; bu ister teknik becerinin gösterilmesi, ister üslup yaklaşımında özgünlük ya da bu ikisinin bir bileşimi olsun. Geleneksel olarak icra becerisi sanatın ayrılmaz ve dolayısıyla başarısı için gerekli bir nitelik olarak görülmüştür; Leonardo da Vinci için sanat, diğer uğraşlarından ne daha fazla ne de daha az, becerinin bir tezahürüdür. Rembrandt'ın şimdi geçici erdemleri nedeniyle övülen çalışmaları, çağdaşları tarafından en çok virtüözitesi nedeniyle takdir ediliyordu. Yirminci yüzyılın başında, John Singer Sargent'ın ustalıklı performansları, el becerilerindeki akıcılık nedeniyle hem hayranlık hem de şüpheyle karşılanırken, neredeyse aynı dönemde, dönemin en tanınmış ve gezgin ikonoklastı olacak sanatçı Pablo Picasso, mükemmel olduğu geleneksel bir akademik eğitimi tamamlıyordu. ⓘ
Bazı modern sanat eserlerine yönelik yaygın bir çağdaş eleştiri, sanatsal nesnenin üretiminde gerekli olan beceri veya yeteneğin görünürdeki eksikliğine itiraz etme çizgisinde ortaya çıkmaktadır. Kavramsal sanatta, Marcel Duchamp'ın "Çeşme "si, sanatçının buluntu nesneleri ("hazır yapım") kullandığı ve geleneksel olarak tanınan hiçbir beceri setini kullanmadığı eserlerin ilk örnekleri arasındadır. Tracey Emin'in Yatağım ya da Damien Hirst'ün Yaşayan Birinin Zihninde Ölümün Fiziksel İmkânsızlığı bu örneği takip eder ve aynı zamanda kitle iletişim araçlarını manipüle eder. Emin yatağında uyumuş (ve başka faaliyetlerde bulunmuş), ardından da ortaya çıkan sonucu bir sanat eseri olarak bir galeriye yerleştirmiştir. Hirst, sanat eserinin kavramsal tasarımını ortaya atmış, ancak birçok eserin nihai yaratımının çoğunu istihdam edilen zanaatkârlara bırakmıştır. Hirst'ün şöhreti tamamen şok edici konseptler üretme becerisine dayanıyor. Birçok kavramsal ve çağdaş sanat eserinde asıl üretim, buluntu nesnelerin bir araya getirilmesinden ibarettir. Bununla birlikte, çizim ve boyama becerilerinde ve uygulamalı sanat eserleri yaratmada başarılı olmaya devam eden çok sayıda modernist ve çağdaş sanatçı vardır. ⓘ
Amaç
Sanat, tarihi boyunca çok sayıda farklı işleve sahip olmuştur, bu da amacının tek bir kavramla soyutlanmasını veya ölçülmesini zorlaştırmaktadır. Bu, Sanatın amacının "belirsiz" olduğu anlamına gelmez, ancak yaratılmak için birçok benzersiz, farklı nedene sahip olduğu anlamına gelir. Sanatın bu işlevlerinden bazıları aşağıdaki taslakta verilmiştir. Sanatın farklı amaçları, güdülenmemiş olanlar ve güdülenmiş olanlar olarak gruplandırılabilir (Lévi-Strauss). ⓘ
Motive olmayan işlevler
Sanatın güdülenmemiş amaçları, insan olmanın ayrılmaz bir parçası olan, bireyi aşan veya belirli bir dış amacı yerine getirmeyen amaçlardır. Bu anlamda sanat, yaratıcılık olarak, insanın doğası gereği yapması gereken bir şeydir (yani, başka hiçbir tür sanat yaratmaz) ve bu nedenle faydadan ötedir.
- Uyum, denge ve ritim için temel insan içgüdüsü. Bu düzeyde sanat bir eylem ya da nesne değil, denge ve uyumun (güzelliğin) içsel bir takdiridir ve bu nedenle insan olmanın faydadan öte bir yönüdür.
O halde taklit, doğamızın bir içgüdüsüdür. Bunun yanında, 'uyum' ve ritim içgüdüsü de vardır; metreler açıkça ritmin bölümleridir. Bu nedenle insanlar, bu doğal yetenekle başlayarak, kaba doğaçlamaları şiiri doğurana kadar özel yeteneklerini derece derece geliştirdiler. - Aristoteles
- Gizemli olanın deneyimi. Sanat, kişinin kendisini evrenle ilişki içinde deneyimlemesinin bir yolunu sunar. Bu deneyim, kişi sanatı, müziği veya şiiri takdir ederken çoğu zaman motivasyonsuz olarak ortaya çıkabilir.
Deneyimleyebileceğimiz en güzel şey gizemli olandır. Tüm gerçek sanat ve bilimin kaynağı budur. - Albert Einstein
- Hayal gücünün ifade edilmesi. Sanat, hayal gücünü sözlü veya yazılı dilin resmiyetine bağlı olmayan, gramatik olmayan yollarla ifade etmek için bir araç sağlar. Diziler halinde gelen ve her birinin belirli bir anlamı olan sözcüklerin aksine sanat, anlamları değiştirilebilen bir dizi biçim, sembol ve fikir sunar.
Jüpiter'in kartalı [bir sanat örneği olarak], bir nesnenin mantıksal (estetik) nitelikleri gibi, yaratılışın yüceliği ve görkemi kavramı değil, daha ziyade başka bir şeydir - hayal gücüne, kelimelerle belirlenen bir kavramın ifade edebileceğinden daha fazla düşünceyi kışkırtan bir dizi benzer temsil üzerinde uçuşunu yaymaya teşvik eden bir şey. Bunlar, yukarıdaki rasyonel fikre mantıksal sunumun yerine geçecek şekilde hizmet eden estetik bir fikir sunarlar; ancak bu fikir, zihnin ötesine uzanan benzer temsiller alanına bir perspektif açarak onu canlandırmak gibi uygun bir işleve sahiptir. - Immanuel Kant
- Ritüelistik ve sembolik işlevler. Birçok kültürde sanat, ritüellerde, performanslarda ve danslarda bir dekorasyon veya sembol olarak kullanılır. Bunların çoğu zaman belirli bir faydacı (motive edici) amacı olmasa da, antropologlar genellikle belirli bir kültürde anlam düzeyinde bir amaca hizmet ettiklerini bilirler. Bu anlam tek bir birey tarafından verilmez, ancak genellikle birçok neslin değişiminin ve kültür içindeki kozmolojik bir ilişkinin sonucudur.
Kaya resimleri ya da tarihöncesi bağlamlardan çıkarılan, faydacı terimlerle açıklanamayan ve bu nedenle dekoratif, ritüel ya da sembolik olarak kategorize edilen nesnelerle ilgilenen çoğu akademisyen, 'sanat' teriminin yarattığı tuzağın farkındadır. - Silva Tomaskova ⓘ
Motive edilmiş fonksiyonlar
Sanatın güdülenmiş amaçları, sanatçıların veya yaratıcının kasıtlı, bilinçli eylemlerini ifade eder. Bunlar siyasi değişim yaratmak, toplumun bir yönü hakkında yorum yapmak, belirli bir duyguyu veya ruh halini aktarmak, kişisel psikolojiye hitap etmek, başka bir disiplini örneklemek, (ticari sanatlarda) bir ürünü satmak veya sadece bir iletişim biçimi olabilir.
- İletişim. Sanat en basit haliyle bir iletişim biçimidir. Çoğu iletişim biçiminin başka bir bireye yönelik bir niyeti ya da hedefi olduğu gibi, bu da güdülenmiş bir amaçtır. Bilimsel illüstrasyon gibi açıklayıcı sanatlar, iletişim olarak sanatın bir biçimidir. Haritalar da bir başka örnektir. Ancak, içeriğin bilimsel olması gerekmez. Duygular, ruh halleri ve hisler de sanat yoluyla iletilir.
[Sanat, bir iletişim aracı olarak sembolik anlamlar taşıyan eserler ya da imgeler bütünüdür. - Steve Mithen
- Eğlence olarak sanat. Sanat, izleyiciyi rahatlatmak veya eğlendirmek amacıyla belirli bir duyguyu veya ruh halini ortaya çıkarmaya çalışabilir. Bu genellikle Sinema Filmleri ve Video Oyunlarının sanat endüstrilerinin işlevidir.
- Avant-Garde. Politik değişim için sanat. Erken 20. yüzyıl sanatının belirleyici işlevlerinden biri, görsel imgeleri siyasi değişim yaratmak için kullanmak olmuştur. Bu amacı güden sanat akımları -Dadaizm, Sürrealizm, Rus Konstrüktivizmi ve Soyut Dışavurumculuk gibi- topluca avangart sanatlar olarak anılmaktadır.
Buna karşılık, Aziz Thomas Aquinas'tan Anatole France'a kadar pozitivizmden esinlenen gerçekçi tutum, bana açıkça herhangi bir entelektüel veya ahlaki ilerlemeye düşman gibi görünüyor. Ondan nefret ediyorum, çünkü sıradanlık, nefret ve donuk bir kibirden oluşuyor. Bugün bu gülünç kitapları, bu aşağılayıcı oyunları doğuran bu tutumdur. Sürekli olarak gazetelerden beslenmekte ve onlardan güç almakta ve en düşük zevkleri titizlikle pohpohlayarak hem bilimi hem de sanatı boğmaktadır; aptallığın sınırında bir açıklık, bir köpeğin hayatı. - André Breton (Sürrealizm)
- Toplumsal sansürün etkisinden uzak bir "serbest bölge" olarak sanat. Yeni evrensel değerler üretmek için kültürel farklılıkları silmek isteyen avangard hareketlerin aksine, çağdaş sanat kültürel farklılıklara karşı hoşgörüsünü ve eleştirel ve özgürleştirici işlevlerini (sosyal sorgulama, aktivizm, yıkım, yapıbozum...) geliştirerek araştırma ve deney için daha açık bir yer haline gelmiştir.
- Sosyal sorgulama, yıkım veya anarşi için sanat. Politik değişim için sanata benzemekle birlikte, yıkıcı veya yapıbozumcu sanat, belirli bir politik hedef olmaksızın toplumun yönlerini sorgulamaya çalışabilir. Bu durumda, sanatın işlevi sadece toplumun bazı yönlerini eleştirmek olabilir. Grafiti sanatı ve diğer sokak sanatı türleri, genellikle izin alınmadan kamuya açık duvarlara, binalara, otobüslere, trenlere ve köprülere sprey boyayla veya şablonla çizilen grafikler ve görüntülerdir. Grafiti gibi belirli sanat biçimleri, yasaları ihlal ettiklerinde (bu durumda vandalizm) yasadışı da olabilir.
- Sosyal amaçlar için sanat. Sanat, çok çeşitli amaçlar için farkındalık yaratmak amacıyla kullanılabilir. Bir dizi sanat etkinliği otizm, kanser, insan kaçakçılığı ve okyanusların korunması, Darfur'daki insan hakları, öldürülen ve kaybolan Aborjin kadınlar, yaşlı istismarı ve kirlilik gibi çeşitli konularda farkındalık yaratmayı amaçlamıştır. Marina DeBris gibi sanatçılar tarafından uygulanan ve moda yapmak için çöplerin kullanıldığı Trashion, kirlilik konusunda farkındalık yaratmak için sanatın kullanılmasına bir örnektir.
- Psikolojik ve iyileştirme amaçlı sanat. Sanat, sanat terapistleri, psikoterapistler ve klinik psikologlar tarafından sanat terapisi olarak da kullanılmaktadır. Örneğin Teşhis Çizim Serisi, bir hastanın kişiliğini ve duygusal işleyişini belirlemek için kullanılır. Bu durumda nihai ürün temel amaç değildir, daha ziyade yaratıcı eylemler yoluyla bir iyileşme süreci aranır. Ortaya çıkan sanat eseri, kişinin yaşadığı sıkıntılara dair bir içgörü sunabilir ve daha geleneksel psikiyatrik terapi biçimlerinde kullanılmak üzere uygun yaklaşımlar önerebilir.
- Propaganda veya ticarileştirme için sanat. Sanat genellikle bir propaganda biçimi olarak kullanılır ve böylece popüler anlayışları veya ruh halini incelikle etkilemek için kullanılabilir. Benzer bir şekilde, bir ürünü satmaya çalışan sanat da ruh halini ve duyguları etkiler. Her iki durumda da sanatın amacı, izleyiciyi belirli bir fikre veya nesneye karşı belirli bir duygusal veya psikolojik tepkiye yönlendirmektir.
- Bir uygunluk göstergesi olarak sanat. İnsan beyninin yeteneklerinin, atalarının ortamında hayatta kalmak için gerekli olanın çok ötesinde olduğu ileri sürülmüştür. Bunun evrimsel psikoloji açısından bir açıklaması, insan beyninin ve buna bağlı özelliklerin (sanatsal yetenek ve yaratıcılık gibi) tavus kuşunun kuyruğuna eşdeğer olduğudur. Erkek tavus kuşunun abartılı kuyruğunun amacının dişileri cezbetmek olduğu ileri sürülmüştür (ayrıca bkz. Fisherian kaçışı ve handikap ilkesi). Bu teoriye göre sanatın üstün icrası evrimsel olarak önemliydi çünkü eşleri cezbediyordu. ⓘ
Sanatın yukarıda tanımlanan işlevleri birbirini dışlamaz, zira birçoğu birbiriyle örtüşebilir. Örneğin, eğlence amaçlı sanat aynı zamanda bir ürün, yani film veya video oyunu satmayı da amaçlayabilir. ⓘ
Kamusal erişim
.jpg)
Antik çağlardan bu yana, en iyi sanat eserlerinin çoğu, genellikle büyük ölçekli ve pahalı malzemeler kullanılarak elde edilen kasıtlı bir zenginlik veya güç gösterisini temsil etmiştir. Sanat eserlerinin çoğu siyasi yöneticiler ya da dini kurumlar tarafından yaptırılmış, daha mütevazı versiyonları ise yalnızca toplumun en varlıklı kesimi tarafından kullanılabilmiştir. ⓘ
Bununla birlikte, çok yüksek kalitede sanat eserlerinin, mülkiyet açısından toplumun geniş kesimlerinde, özellikle de toprakta kalıcı olan çanak çömlek gibi ucuz malzemelerde ve tekstil ve ahşap gibi bozulabilir malzemelerde mevcut olduğu pek çok dönem olmuştur. Birçok farklı kültürde, Amerika'nın yerli halklarının seramikleri o kadar geniş bir yelpazedeki mezarlarda bulunmuştur ki, diğer sanat biçimleri olsa da, bunların sosyal bir elitle sınırlı olmadığı açıktır. Kalıp gibi çoğaltma yöntemleri seri üretimi kolaylaştırmış ve yüksek kaliteli Antik Roma çömleklerini ve Yunan Tanagra figürinlerini çok geniş bir pazara sunmak için kullanılmıştır. Silindir mühürler hem sanatsal hem de pratikti ve Eski Yakın Doğu'da gevşek bir şekilde orta sınıf olarak adlandırılabilecek kesim tarafından çok yaygın bir şekilde kullanılıyordu. Sikkeler yaygın olarak kullanılmaya başlandıktan sonra, bunlar da toplumun en geniş kesimine ulaşan bir sanat formu haline geldi. ⓘ
Bir diğer önemli yenilik ise 15. yüzyılda Avrupa'da, çoğunlukla dini içerikli, genellikle çok küçük ve elle renklendirilmiş, evlerinin duvarlarına yapıştıran köylüler tarafından bile satın alınabilen küçük tahta baskılarla başlayan baskıresimdir. Basılı kitaplar başlangıçta çok pahalıydı, ancak 19. yüzyıla gelindiğinde en fakirler bile basılı illüstrasyonlara sahip bazı kitapları alabilecek duruma gelene kadar fiyatları giderek düştü. Pek çok farklı türden popüler baskılar yüzyıllar boyunca evleri ve diğer mekanları süslemiştir. ⓘ
1661 yılında İsviçre'nin Basel şehri, dünyanın ilk halka açık sanat müzesi olan Kunstmuseum Basel'i açtı. Bugün koleksiyonu, 15. yüzyılın başlarından günümüze kadar uzanan etkileyici genişlikteki tarihi yelpazesiyle öne çıkıyor. Çeşitli vurgu alanları, müzeye türünün en önemli müzelerinden biri olarak uluslararası bir konum kazandırmaktadır. Bu alanlar: 1400-1600 yılları arasında Yukarı Ren bölgesinde faaliyet gösteren sanatçıların resim ve çizimleri ile 19. ve 21. yüzyıl sanatını kapsamaktadır. ⓘ
Kamusal binalar ve anıtlar, seküler ya da dini, doğaları gereği normalde tüm topluma ve izleyici olarak ziyaretçilere hitap eder ve halka gösterilmesi uzun zamandır tasarımlarında önemli bir faktör olmuştur. Mısır tapınakları, en büyük ve en gösterişli dekorasyonun sadece rahiplerin görebileceği alanlardan ziyade halkın görebileceği kısımlara yerleştirilmesi açısından tipiktir. Kraliyet saraylarının, şatoların ve sosyal seçkinlerin evlerinin pek çok bölümü genellikle genel erişime açıktı ve bu kişilerin sanat koleksiyonlarının büyük bir kısmı, Versailles Sarayı'nda olduğu gibi, kim olduklarına bakılmaksızın, uygun ekstra aksesuarların (gümüş ayakkabı tokaları ve bir kılıç) dışarıdaki dükkanlardan kiralanabildiği herkes tarafından ya da küçük bir ücret ödeyebilenler veya doğru kıyafetleri giyenler tarafından görülebiliyordu. ⓘ
Çoğunlukla Paris'teki Palais Royal'in bir kanadında yer alan ve 18. yüzyılın büyük bir bölümünde ziyaret edilebilen Orleans Koleksiyonu'nda olduğu gibi, galerilere yerleştirilen birçok kraliyet veya özel koleksiyonun halk tarafından görülebilmesi için özel düzenlemeler yapılmıştır. İtalya'da Büyük Tur'un sanat turizmi Rönesans'tan itibaren büyük bir endüstri haline geldi ve hükümetler ve şehirler önemli eserlerini erişilebilir kılmak için çaba sarf etti. İngiliz Kraliyet Koleksiyonu farklı kalmaya devam etti, ancak Eski Kraliyet Kütüphanesi gibi büyük bağışlar 1753 yılında kurulan British Museum'a yapıldı. Floransa'daki Uffizi 1765 yılında tamamen bir galeri olarak açıldı, ancak bu işlev binayı uzun bir süre önce orijinal memur ofislerinden yavaş yavaş devralmıştı. Şu anda Madrid'deki Prado'nun bulunduğu bina, Fransız Devrimi'nden önce kraliyet sanat koleksiyonunun bir kısmının halka sergilenmesi için inşa edilmişti ve halka açık benzer kraliyet galerileri Viyana, Münih ve diğer başkentlerde de vardı. Fransız Devrimi sırasında (1793'te) Musée du Louvre'un eski Fransız kraliyet koleksiyonunun büyük bir kısmı için halka açık bir müze olarak açılması, mülkiyetin cumhuriyetçi bir devlete devredilmesiyle sanata halkın erişiminin gelişiminde kesinlikle önemli bir aşamaya işaret ediyordu, ancak zaten iyi kurulmuş olan eğilimlerin bir devamıydı. ⓘ
Modern halk müzelerinin ve okullarda çocuklara yönelik sanat eğitimi programlarının çoğu, sanatın herkesin erişimine açık olması yönündeki bu dürtüye dayandırılabilir. Ancak müzeler sadece sanata erişim sağlamakla kalmaz, aynı zamanda araştırmaların da ortaya koyduğu gibi sanatın izleyiciler tarafından algılanma biçimini de etkiler. Dolayısıyla müze, sadece sanatın sunulduğu kör bir sahne değil, modern toplumdaki genel sanat algısında aktif ve hayati bir rol oynamaktadır. ⓘ
Amerika Birleşik Devletleri'ndeki müzeler, çok zenginlerin kitlelere armağanı olma eğilimindedir. (Örneğin New York'taki Metropolitan Sanat Müzesi, kişisel sanat koleksiyonuyla müzenin tohumlarını atan bir demiryolu yöneticisi olan John Taylor Johnston tarafından kurulmuştur). Ancak tüm bunlara rağmen, 21. yüzyılda sanatın önemli işlevlerinden en az biri zenginlik ve sosyal statü göstergesi olmaya devam ediyor. ⓘ
Sanatçılar tarafından, zenginler tarafından bir statü nesnesi olarak satın alınamayacak bir sanat yaratma girişimleri olmuştur. 1960'ların sonu ve 1970'lerin sanatının çoğunun başlıca özgün motivasyonlarından biri, alınıp satılamayacak bir sanat yaratmaktı. Savaş sonrası önemli Alman sanatçı Joseph Beuys, "salt nesnelerden daha fazlasını sunmak gerekir" diyordu. Bu dönem performans sanatı, video sanatı ve kavramsal sanat gibi şeylerin yükselişine tanık oldu. Fikir şuydu: Eğer sanat eseri arkasında hiçbir şey bırakmayan bir performans ya da sadece bir fikir ise, alınıp satılamazdı. "Sanat eserinin bir meta olduğu fikri etrafında dönen demokratik ilkeler, 1960'ların ortalarında filizlenen ve 1970'ler boyunca biçilen estetik yeniliği tetikledi. Genel olarak Kavramsal sanat başlığı altında tanımlanan sanatçılar... performans ve yayıncılık faaliyetlerini boyalı ya da heykelsi formun hem maddi hem de materyalist kaygılarıyla uğraşmanın yerine ikame ederek... [sanat nesnesinin] altını oymaya çalıştılar."
O zamandan bu yana geçen on yıllar içinde, sanat piyasası video işlerinin sınırlı sayıda üretilen DVD'lerini, özel performans sanatı parçalarının davetiyelerini ve kavramsal parçalardan arta kalan nesneleri satmayı öğrendiği için bu fikirler bir şekilde kayboldu. Bu performansların birçoğu, yalnızca bir fikrin, videonun ya da görünürdeki bir çöp parçasının neden sanat olarak kabul edilebileceği konusunda eğitim almış seçkinler tarafından anlaşılan eserler yaratıyor. Statü göstergesi, esere sahip olmak yerine onu anlamak haline gelir ve sanat eseri bir üst sınıf etkinliği olarak kalır. "2000'lerin başında DVD kayıt teknolojisinin yaygınlaşmasıyla birlikte sanatçılar ve kârını sanat eserlerinin satışından elde eden galeri sistemi, video ve bilgisayar sanat eserlerinin sınırlı sayıda koleksiyonerlere satışını kontrol etmek için önemli bir araç elde etti." ⓘ
Tartışmalar
.jpg)
Sanat uzun zamandır tartışmalı olmuştur, yani bazı izleyiciler tarafından çok çeşitli nedenlerle beğenilmemiştir, ancak modern öncesi tartışmaların çoğu belirsiz bir şekilde kaydedilmiş veya modern görüş için tamamen kaybolmuştur. İkonoklazm, dini olanlar da dahil olmak üzere çeşitli nedenlerle beğenilmeyen sanat eserlerinin tahrip edilmesidir. Anikonizm ya tüm figüratif imgelerden ya da genellikle sadece dini olanlardan genel bir hoşnutsuzluktur ve birçok büyük dinde bir konu olmuştur. Muhammed'in tasvirlerinin özellikle tartışmalı olduğu İslam sanatı tarihinde önemli bir faktör olmuştur. Pek çok sanat eseri, sırf popüler olmayan yöneticileri, partileri ya da diğer grupları tasvir ettiği ya da başka bir şekilde temsil ettiği için beğenilmemiştir. Sanatsal gelenekler çoğu zaman muhafazakâr olmuş ve sanat eleştirmenleri tarafından çok ciddiye alınmış olsa da geniş halk kitleleri tarafından çok daha az ciddiye alınmıştır. Sanatın ikonografik içeriği, İsa'nın Çarmıha Gerilmesi sahnelerindeki yeni Bakire Bayılması motifinin geç ortaçağ tasvirlerinde olduğu gibi tartışmalara neden olabilir. Michelangelo'nun Son Yargı adlı eseri, çıplaklık ve İsa'nın Apollo benzeri duruşu yoluyla edep ihlalleri de dahil olmak üzere çeşitli nedenlerle tartışmalara neden olmuştur. ⓘ
Tarih boyunca pek çok resmi sanat eserinin içeriği sanatçıdan ziyade patron ya da komisyoncu tarafından belirlenmiştir, ancak Romantizmin ortaya çıkışı ve sanat üretimindeki ekonomik değişikliklerle birlikte sanatçının vizyonu sanatının içeriğinin olağan belirleyicisi haline gelmiş, bu da tartışmaların sıklığını artırmış, ancak çoğu zaman önemini azaltmıştır. Algılanan özgünlük ve tanıtım için güçlü teşvikler de sanatçıları tartışmalara girmeye teşvik etti. Théodore Géricault'nun Medusa'nın Salı (1820 civarı), kısmen yakın tarihli bir olay üzerine siyasi bir yorumdu. Édouard Manet'nin Le Déjeuner sur l'Herbe (1863) adlı tablosu, çıplak kadın nedeniyle değil, antik dünyanın giysileri yerine dönemin giysilerini giymiş erkeklerin yanında oturduğu için skandal olarak değerlendirildi. John Singer Sargent'ın Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884) adlı tablosu, kadının kulak memesini renklendirmek için kullanılan kırmızımsı pembenin çok müstehcen olduğu ve yüksek sosyete modelinin itibarını zedelediği düşüncesiyle tartışmalara neden oldu. Natüralizmin kademeli olarak terk edilmesi ve 19. ve 20. yüzyıllarda öznelerin görsel görünümlerinin gerçekçi temsillerinin tasvir edilmesi, bir yüzyıldan fazla süren tartışmalara yol açmıştır. ⓘ
20. yüzyılda Pablo Picasso'nun Guernica (1937) adlı eseri, küçük, antik bir Bask kasabasının çağdaş bir bombardımanının üzücü sonuçlarını tasvir etmek için çarpıcı kübist teknikler ve tek renkli yağlı boya kullanmıştır. Leon Golub'un Sorgu III (1981) adlı eserinde, bir sandalyeye bağlanmış, bacakları cinsel organını gösterecek şekilde açık, çıplak ve kapüşonlu bir tutuklu kadın, gündelik kıyafetler giymiş iki işkenceci tarafından çevrelenmiş olarak resmedilmiştir. Andres Serrano'nun Piss Christ (1989) adlı eseri, Hıristiyan dini için kutsal olan ve İsa'nın kurban edilişini ve çektiği son acıyı temsil eden bir haçın, sanatçının kendi idrarından oluşan bir bardağa batırılmış halinin fotoğrafıdır. Ortaya çıkan kargaşa, Birleşik Devletler Senatosu'nda sanatın kamu tarafından finanse edilmesine ilişkin yorumlara yol açmıştır. ⓘ
Teori
Modernizmden önce, Batı sanatında estetik, gerçekçiliğin farklı yönleri ya da doğaya ve ideale uygunluk arasında uygun dengeyi sağlamakla büyük ölçüde ilgiliydi; uygun dengenin ne olduğuna dair fikirler yüzyıllar boyunca bir o yana bir bu yana kaymıştır. Bu kaygı diğer sanat geleneklerinde büyük ölçüde yoktur. J. M. W. Turner'ın natüralizmini savunan estetik kuramcısı John Ruskin, sanatın rolünü, yalnızca doğada bulunabilecek temel bir hakikatin sanat yoluyla iletilmesi olarak görmüştür. ⓘ
Sanatın tanımı ve değerlendirilmesi 20. yüzyıldan bu yana özellikle sorunlu hale gelmiştir. Richard Wollheim, sanatın estetik değerini değerlendirmeye yönelik üç yaklaşımı birbirinden ayırır: Estetik kalitenin herhangi bir insan görüşünden bağımsız mutlak bir değer olduğu Realist; aynı zamanda mutlak bir değer olduğu, ancak genel insan deneyimine bağlı olduğu Objektivist; ve mutlak bir değer olmadığı, ancak farklı insanların insan deneyimine bağlı olduğu ve değiştiği Relativist pozisyon. ⓘ
Modernizmin Gelişi
Modernizmin 19. yüzyılın sonlarında ortaya çıkışı, sanatın işlevine ilişkin anlayışta radikal bir kırılmaya yol açmış, 20. yüzyılın sonlarında ise postmodernizmin ortaya çıkışıyla birlikte bu kırılma yeniden yaşanmıştır. Clement Greenberg'in 1960 tarihli "Modernist Resim" makalesi modern sanatı "bir disiplinin karakteristik yöntemlerinin o disiplinin kendisini eleştirmek için kullanılması" olarak tanımlar. Greenberg bu fikri ilk olarak Soyut Dışavurumcu harekete uygulamış ve düz (illüzyonist olmayan) soyut resmi anlamanın ve haklı çıkarmanın bir yolu olarak kullanmıştır:
Gerçekçi, natüralist sanat, sanatı gizlemek için kullanarak aracı parçalara ayırmıştı; modernizm ise sanatı, dikkatleri sanata çekmek için kullanmıştı. Resim aracını oluşturan sınırlamalar - düz yüzey, desteğin şekli, pigmentin özellikleri - Eski Ustalar tarafından sadece dolaylı ya da dolaysız olarak kabul edilebilecek olumsuz faktörler olarak ele alınmıştır. Modernizm döneminde aynı sınırlamalar olumlu faktörler olarak görülmeye başlandı ve açıkça kabul edildi.
Greenberg'den sonra Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin ve Griselda Pollock gibi birçok önemli sanat kuramcısı ortaya çıkmıştır. Başlangıçta yalnızca belirli bir sanatçı grubunu anlamanın bir yolu olarak tasarlanmış olsa da Greenberg'in modern sanat tanımı, 20. yüzyılın ve 21. yüzyılın başlarındaki çeşitli sanat akımları içindeki sanat fikirlerinin çoğu için önemlidir. ⓘ
Andy Warhol gibi pop sanatçıları, sanat dünyasının yanı sıra popüler kültürü de içeren ve muhtemelen eleştiren çalışmalarıyla hem kayda değer hem de etkili oldular. 1980'lerin, 1990'ların ve 2000'lerin sanatçıları bu özeleştiri tekniğini yüksek sanatın ötesine taşıyarak moda imgeleri, çizgi romanlar, reklam panoları ve pornografi de dahil olmak üzere tüm kültürel imge üretimine genişletmiştir. ⓘ
Duchamp bir keresinde sanatın herhangi bir türden herhangi bir etkinlik olduğunu öne sürmüştü-her şey. Ancak günümüzde yalnızca belirli faaliyetlerin sanat olarak sınıflandırılması sosyal bir inşadır. Bunda bir gerçeklik payı olabileceğine dair kanıtlar vardır. The Invention of Art (Sanatın İcadı): A Cultural History adlı kitabında Larry Shiner, modern sanat sisteminin, yani güzel sanatların inşasını incelemektedir. Modern sistemimizden (güzel sanatlar) önceki eski sanat sisteminin sanatı herhangi bir yetenekli insan faaliyeti olarak gördüğüne dair kanıtlar bulmuştur; örneğin Antik Yunan toplumu sanat terimine değil, techne terimine sahipti. Techne ne sanat ne de zanaat olarak anlaşılabilir, bunun nedeni sanat ve zanaat ayrımlarının insanlık tarihinde daha sonra ortaya çıkan tarihsel ürünler olmasıdır. Techne resim, heykel ve müziğin yanı sıra aşçılık, tıp, binicilik, geometri, marangozluk, kehanet ve çiftçilik gibi alanları da kapsıyordu. ⓘ
Yeni Eleştiri ve "kasıtlı yanılgı"
Duchamp'ın ardından, 20. yüzyılın ilk yarısında, estetik teoriyi edebi sanatlar ve görsel sanatlar da dahil olmak üzere çeşitli sanat türleri arasında uygulamaya çalışan genel estetik teorisine önemli bir geçiş gerçekleşti. Bu, Yeni Eleştiri ekolünün yükselişiyle ve kasıtlı yanılgıya ilişkin tartışmalarla sonuçlandı. Söz konusu olan, sanatçının sanat eserini yaratırkenki estetik niyetinin, biçimi ne olursa olsun, sanat eserinin nihai ürününün eleştirisi ve değerlendirilmesiyle mi ilişkilendirilmesi gerektiği, yoksa sanat eserinin sanatçının niyetinden bağımsız olarak kendi değerleriyle mi değerlendirilmesi gerektiği sorusuydu. ⓘ
1946 yılında William K. Wimsatt ve Monroe Beardsley, bir edebi eserin analizinde yazarın niyetinin ya da "amaçlanan anlamın" uygunluğuna şiddetle karşı çıktıkları "Kasıt Yanılgısı" başlıklı klasik ve tartışmalı bir Yeni Eleştiri makalesi yayınladılar. Wimsatt ve Beardsley için önemli olan tek şey sayfadaki kelimelerdi; metnin dışından anlamların ithal edilmesi alakasız ve potansiyel olarak dikkat dağıtıcı olarak görülüyordu. ⓘ
Wimsatt ve Beardsley, "Kasıt Yanılgısı "na bir tür kardeş deneme işlevi gören "Duygusal Yanılgı" başlıklı bir başka makalelerinde de okurun bir edebi esere verdiği kişisel/duygusal tepkiyi bir metni analiz etmenin geçerli bir yolu olarak görmemişlerdir. Bu yanılgı daha sonra edebiyat kuramının okur-tepki ekolüne mensup kuramcılar tarafından reddedilecektir. İronik bir şekilde, bu ekolün önde gelen teorisyenlerinden Stanley Fish'in kendisi de Yeni Eleştirmenler tarafından eğitilmiştir. Fish, 1970 tarihli "Okurdaki Edebiyat" adlı makalesinde Wimsatt ve Beardsley'i eleştirir. ⓘ
Gaut ve Livingston'ın "Sanatın Yaratılışı" adlı makalelerinde özetledikleri gibi: "Yapısalcı ve post-yapısalcı kuramcılar ve eleştirmenler, estetik beğeni ve sanatın sözde özerkliği vurgusundan başlayarak Yeni Eleştiri'nin pek çok yönünü sert bir şekilde eleştirmiş, ancak biyografik eleştirilerin sanatçının faaliyetleri ve deneyiminin ayrıcalıklı bir eleştirel konu olduğu varsayımına yönelik saldırıyı yinelemişlerdir." Bu yazarlar şunu iddia etmektedir: "Biçimciler gibi niyet karşıtları, sanatın yapımında yer alan niyetlerin, sanatı doğru bir şekilde yorumlamakla ilgisiz ya da çevresel olduğunu savunurlar. Dolayısıyla, bir eser yaratma eyleminin ayrıntıları, kendi içlerinde ilgi çekici olsalar da, eserin doğru yorumlanması üzerinde hiçbir etkiye sahip değildir." ⓘ
Gaut ve Livingston amaçsalcıları biçimcilerden farklı olarak şöyle tanımlamaktadır: "Niyetçiler, biçimcilerin aksine, eserlerin doğru yorumlanmasında niyetlere atıfta bulunmanın esas olduğunu savunurlar." Richard Wollheim'ın şu sözlerini aktarırlar: "Eleştirinin görevi, yaratıcı sürecin yeniden inşasıdır; yaratıcı süreç de sanat eserinin kendisinde durmayan, ama onda son bulan bir şey olarak düşünülmelidir." ⓘ
"Dilbilimsel dönüş" ve tartışmaları
20. yüzyılın sonu, sanat felsefesinde dilsel dönüş tartışması ya da "masum göz tartışması" olarak bilinen kapsamlı bir tartışmayı besledi. Bu tartışma, sanat eseriyle karşılaşmanın, sanat eseriyle kavramsal karşılaşmanın sanat eseriyle algısal karşılaşma üzerinde ne ölçüde baskın olduğu tarafından belirlendiğini tartışmıştır. ⓘ
Sanat tarihi ve beşeri bilimlerdeki dilbilimsel dönüş tartışmaları için belirleyici olan, bir başka geleneğin, yani Ferdinand de Saussure'ün yapısalcılığı ve onu izleyen postyapısalcılık hareketinin eserleriydi. 1981 yılında sanatçı Mark Tansey, 20. yüzyılın son on yıllarında sanat felsefesinde hakim olan anlaşmazlık ortamına bir eleştiri olarak "Masum Göz" adlı bir sanat eseri yarattı. Etkili kuramcılar arasında Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault ve Jacques Derrida sayılabilir. Dilin, daha spesifik olarak da belirli retorik mecazların sanat tarihi ve tarihsel söylemdeki gücü Hayden White tarafından araştırılmıştır. Dilin şeffaf bir düşünce aracı olmadığı gerçeği, Johann Georg Hamann ve Wilhelm von Humboldt'un çalışmalarında ortaya çıkan çok farklı bir dil felsefesi biçimi tarafından vurgulanmıştır. Ernst Gombrich ve Nelson Goodman Sanat Dilleri adlı kitabında: An Approach to a Theory of Symbols adlı kitabında, 1960'lar ve 1970'lerde sanat eseriyle kavramsal karşılaşmanın, sanat eseriyle algısal ve görsel karşılaşmaya üstün geldiğini savunmuştur. Nobel ödüllü psikolog Roger Sperry, insanın görsel karşılaşmasının yalnızca dilde temsil edilen kavramlarla sınırlı olmadığını (linguistik dönüş) ve sanat eserinin diğer psikolojik temsil biçimlerinin de eşit derecede savunulabilir ve kanıtlanabilir olduğunu savunan araştırmalara dayanarak ona meydan okudu. Sperry'nin görüşü 20. yüzyılın sonunda Nick Zangwill gibi estetik filozoflarının diğer alternatiflerin yanı sıra ılımlı estetik biçimciliğe dönüşü güçlü bir şekilde savunmasıyla galip gelmiştir. ⓘ
Sınıflandırma tartışmaları
Bir şeyin sanat eseri olarak sınıflandırılıp sınıflandırılmayacağına ilişkin anlaşmazlıklar, sanatla ilgili sınıflandırma anlaşmazlıkları olarak adlandırılır. Yirminci yüzyıldaki sınıflandırma anlaşmazlıkları arasında kübist ve empresyonist resimler, Duchamp'ın Çeşmesi, filmler, banknotların üstün taklitleri, kavramsal sanat ve video oyunları yer almaktadır. Filozof David Novitz, sanatın tanımına ilişkin anlaşmazlıkların nadiren sorunun merkezinde yer aldığını savunmuştur. Daha ziyade, "insanların sosyal yaşamlarında sahip oldukları tutkulu kaygılar ve çıkarlar", "sanat hakkındaki tüm sınıflandırma tartışmalarının bir parçasıdır." Novitz'e göre, sınıflandırma tartışmaları teori ile ilgili olmaktan çok toplumsal değerler ve toplumun nereye gitmeye çalıştığı ile ilgili tartışmalardır. Örneğin Daily Mail gazetesi Hirst ve Emin'in çalışmalarını eleştirirken "1000 yıldır sanat bizim en büyük uygarlaştırıcı güçlerimizden biri olmuştur. Bugün, salamura koyunlar ve kirli yataklar hepimizi barbarlaştırmakla tehdit ediyor" diyerek sanat hakkında bir tanım ya da teori ileri sürmüyor, Hirst ve Emin'in çalışmalarının değerini sorguluyorlar. 1998 yılında Arthur Danto, "bir eserin sanat eseri statüsünün, onun doğasında var olan fiziksel ya da algılanabilir niteliklerinden ziyade, bir kültürün ona uyguladığı fikirlerden kaynaklandığını" gösteren bir düşünce deneyi önermiştir. Dolayısıyla kültürel yorum (bir tür sanat teorisi) bir nesnenin sanat olma halini oluşturur." ⓘ
Anti-sanat, sanatın yerleşik parametrelerine ve değerlerine kasıtlı olarak meydan okuyan sanat için kullanılan bir etikettir; Dadaizm ile ilişkilendirilen ve I. Dünya Savaşı'ndan hemen önce, buluntu nesnelerden sanat yaptığı sırada Marcel Duchamp'a atfedilen bir terimdir. Bunlardan biri olan ve sıradan bir pisuar olan Fountain (1917), sanat üzerinde hatırı sayılır bir öneme ve etkiye sahip olmuştur. Anti-sanat, Situationist International, lo-fi Mail art hareketi ve Young British Artists'in çalışmalarının bir özelliğidir, ancak kendilerini anti-anti-sanat olarak tanımlayan Stuckistler tarafından hala reddedilen bir biçimdir. ⓘ
Mimarlık genellikle görsel sanatlardan biri olarak kabul edilir; ancak dekoratif sanatlar ya da reklamcılık gibi, örneğin bir resimde genellikle olmadığı şekilde, pratik kullanım hususlarının esas olduğu nesnelerin yaratılmasını içerir. ⓘ
Değer yargısı
Biraz da yukarıdakilerle bağlantılı olarak sanat kelimesi, "o yemek bir sanat eseriydi" (aşçı bir sanatçıdır) veya "aldatma sanatı" (aldatanın yüksek beceri düzeyi övülür) gibi ifadelerde olduğu gibi değer yargılarını uygulamak için de kullanılır. Kelimenin yüksek kalite ve yüksek değerin bir ölçüsü olarak bu şekilde kullanılması, terime öznellik tadını vermektedir. Değer yargısında bulunmak, eleştiri için bir temel gerektirir. En basit düzeyde, nesnenin duyular üzerindeki etkisinin sanat olarak kabul edilme kriterlerini karşılayıp karşılamadığını belirlemenin bir yolu, çekici veya itici olarak algılanıp algılanmadığıdır. Algı her zaman deneyimlerle renklendirilse ve zorunlu olarak öznel olsa da, bir şekilde estetik olarak tatmin edici olmayan şeyin sanat olamayacağı yaygın olarak anlaşılmaktadır. Bununla birlikte, "iyi" sanat her zaman ya da hatta düzenli olarak izleyicilerin çoğunluğu için estetik açıdan çekici değildir. Başka bir deyişle, bir sanatçının başlıca motivasyonunun estetik arayışı olması gerekmez. Ayrıca, sanat genellikle sosyal, ahlaki veya düşündürücü nedenlerle yapılmış korkunç imgeleri tasvir eder. Örneğin, Francisco Goya'nın 3 Mayıs 1808'deki İspanyol kurşuna dizilmelerini tasvir eden tablosu, yalvaran birkaç sivili infaz eden bir idam mangasının grafik bir tasviridir. Ancak aynı zamanda bu korkunç görüntü Goya'nın kompozisyon ve uygulamadaki keskin sanatsal yeteneğini ortaya koymakta ve uygun bir sosyal ve siyasi öfke yaratmaktadır. Dolayısıyla, 'sanat'ı tanımlamak için, eğer varsa, hangi estetik tatmin biçiminin gerekli olduğu tartışması devam etmektedir. ⓘ
Yeni değerlerin benimsenmesi ya da estetik açıdan üstün olanın kabul edilmiş kavramlarına karşı isyan, estetik açıdan çekici olanın arayışından tamamen vazgeçilmesiyle eş zamanlı olarak gerçekleşmek zorunda değildir. Aslında, bunun tersi de çoğu zaman doğrudur; halk arasında estetik açıdan çekici olarak algılanan şeyin gözden geçirilmesi, estetik duyarlılığın yeniden canlanmasına ve sanat standartlarının yeniden takdir edilmesine olanak tanır. Sayısız ekol, kaliteyi tanımlamak için kendi yollarını önermiştir, ancak hepsi en azından bir noktada hemfikir görünmektedir: estetik seçimleri kabul edildiğinde, sanat eserinin değeri, sanatçının becerisinin nadirliği veya zeitgeist olarak adlandırılan şeyi doğru bir şekilde yansıtması yoluyla evrensel bir akor vurmak için seçilen ortamın sınırlarını aşma kapasitesi ile belirlenir. Sanat genellikle insan duygularına hitap etmeyi ve onlarla bağlantı kurmayı amaçlar. Estetik veya ahlaki duygular uyandırabilir ve bu duyguları iletmenin bir yolu olarak anlaşılabilir. Sanatçılar, izleyicilerinin bir dereceye kadar uyarılması için bir şeyler ifade ederler, ancak bunu bilinçli olarak yapmak zorunda değildirler. Sanat, insanlık durumunun, yani insan olmanın ne olduğunun bir keşfi olarak düşünülebilir. Emily L. Spratt, yapay zekanın gelişiminin, özellikle de imgelerle ilgili kullanımının, günümüz sanat tarihinde estetik teorinin yeniden değerlendirilmesini ve insan yaratıcılığının sınırlarının yeniden gözden geçirilmesini gerektirdiğini ileri sürmüştür. ⓘ
Sanat ve hukuk
Sanat sahteciliği, intihal, kopyalar ve diğer sanat eserlerine güçlü bir şekilde dayanan eserler önemli bir yasal konudur. ⓘ
Sanat eserlerinin ticareti veya bir ülkeden ihracatı yasal düzenlemelere tabi olabilir. Uluslararası alanda da yaratılan sanat eserlerini korumak için kapsamlı çabalar vardır. BM, UNESCO ve Blue Shield International ulusal düzeyde etkin koruma sağlamaya ve silahlı çatışma ya da afet durumlarında doğrudan müdahale etmeye çalışmaktadır. Bu durum özellikle müzeleri, arşivleri etkileyebilir, sanat koleksiyonları ve kazı alanları. Bu aynı zamanda bir ülkenin ekonomik temelini de güvence altına almalıdır, çünkü özellikle sanat eserleri genellikle turistik öneme sahiptir. Blue Shield International'ın kurucu başkanı Karl von Habsburg, Nisan 2019'da Lübnan'da gerçekleştirdiği bir görev sırasında, kültürel varlıkların tahrip edilmesi ile kaçış nedenleri arasındaki bir başka bağlantıyı daha açıklamıştır: "Kültürel varlıklar, belirli bir yerde yaşayan insanların kimliğinin bir parçasıdır. Kültürlerini yok ederseniz, kimliklerini de yok edersiniz. Birçok insan köklerinden koparılıyor, çoğu zaman artık hiçbir umutları kalmıyor ve sonuç olarak anavatanlarından kaçıyorlar." ⓘ
Sanatın tanımlanması
Başat Biçim Görüşü
Clive Bell, 1914 yılında Cezanne'dan etkilenerek yazdığı Sanat ('Art') isimli kitabında sanatın başat biçim (significant form) olduğunu savunmuştur. Bell'e göre her biçim bu sınıfa girmez, çünkü önemli olan çizgi, şekil ve renk ilişkilerinin kendi aralarındaki kombinasyonudur. Bu görüş, temsilin sanatsal beğeniye etki etmediğini söyler. Sanatı tamamen estetikle bağlantılı olarak tanımlayan bu görüş, 20. yüzyılda Marcel Duchamp, Andy Warhol, Joseph Beuys gibi bildiğimiz anlamda estetik nesneler üretmeyen, görünümden çok kavramlara önem veren sanatçıların eserlerini kapsamadığından, bugün zamanında olduğu kadar etkili değildir. ⓘ
Neo-Wittgenstein'cı Görüş
Morris Weitz'ın 1956'da, Wittgenstein'ın görüşlerinden ve şeylerin özünü bulmaya karşı direncinden yola çıkarak ortaya attığı görüştür. Weitz'a göre Fry ve Bell, Tolstoy, Croce, Collingwood gibi kuramcılar, yaptıkları tanımlarda kendi kişisel sanat görüşlerini ifade etmekten öteye gidememişlerdir. Neo-Wittgenstein'cı görüşü özetlemek gerekirse, sanat açık bir kavramdır ve tanımlanamaz. Ancak bu, Weitz'a göre felsefi açıdan bir sorun yaratmamalıdır, çünkü aile benzerliği yöntemi kullanılarak neyin sanat olup olamayacağı konusunda hükümler getirmek olasıdır. ⓘ