Resim
Resim, katı bir yüzeye ("matris" veya "destek" olarak adlandırılır) boya, pigment, renk veya başka bir ortam uygulama uygulamasıdır. Malzeme genellikle bir fırça ile tabana uygulanır, ancak bıçak, sünger ve hava fırçası gibi diğer aletler de kullanılabilir. ⓘ
Sanatta resim terimi hem eylemi hem de eylemin sonucunu tanımlar (nihai çalışma "resim" olarak adlandırılır). Resimler için destek duvar, kağıt, tuval, ahşap, cam, lake, çömlek, yaprak, bakır ve beton gibi yüzeyleri içerir ve resim kum, kil, kağıt, alçı, altın varak ve hatta tüm nesneler dahil olmak üzere birçok başka malzemeyi içerebilir. ⓘ
Resim, görsel sanatlarda çizim, kompozisyon, jest (jestsel resimde olduğu gibi), anlatım (anlatı sanatında olduğu gibi) ve soyutlama (soyut sanatta olduğu gibi) gibi unsurları bir araya getiren önemli bir formdur. Resimler natüralist ve temsili (natürmort ve manzara resminde olduğu gibi), fotoğrafik, soyut, anlatısal, sembolistik (Sembolist sanatta olduğu gibi), duygusal (Ekspresyonizmde olduğu gibi) veya politik (Artivizmde olduğu gibi) olabilir. ⓘ
Hem Doğu hem de Batı sanatında resim tarihinin bir bölümüne dini sanat hakimdir. Bu tür resim örnekleri, çanak çömlek üzerindeki mitolojik figürleri tasvir eden sanat eserlerinden, Sistine Şapeli tavanındaki İncil sahnelerine, Buda'nın hayatından sahnelere (veya Doğu dini kökenli diğer imgelere) kadar uzanır. ⓘ
Resim, herhangi bir yüzey üzerine çizgi ve renklerle yapılan, günümüzde kavramsal bir boyutta ele alınması açısından hemen her tür malzemenin kullanılabildiği bir anlatım tekniğidir. Resim yapma sanatıyla meşgul kişiler, ressam olarak adlandırılırlar. ⓘ
Tarih
Bilinen en eski resimler yaklaşık 40.000 yıllıktır ve hem Batı Avrupa'daki Franco-Cantabrian bölgesinde hem de Maros (Sulawesi, Endonezya) bölgesindeki mağaralarda bulunmuştur. Ancak Kasım 2018'de bilim insanları, Endonezya'nın Borneo (Kalimantan) adasındaki Lubang Jeriji Saléh mağarasında, 40.000 yıldan daha eski (belki de 52.000 kadar eski), bilinmeyen bir hayvana ait, o zamana kadar bilinen en eski figüratif sanat resminin keşfedildiğini bildirdi. Aralık 2019'da, Sulawesi'deki Maros-Pangkep karstında domuz avını tasvir eden figüratif mağara resimlerinin daha da eski, en az 43.900 yıllık olduğu tahmin edildi. Bu bulgunun "hikaye anlatımının en eski resimsel kaydı ve dünyadaki en eski figüratif sanat eseri" olduğu kaydedildi. Daha yakın bir tarihte, 2021 yılında, bir Endonezya adasında bulunan ve 45.500 yıldan daha eskiye tarihlenen bir domuz mağara sanatı rapor edilmiştir. Bununla birlikte, resim yapma eyleminin en eski kanıtı Avustralya'nın kuzeyindeki Arnhem Land'da bulunan iki kaya sığınağında keşfedilmiştir. Bu alanlardaki en alt malzeme katmanında, 60.000 yıllık olduğu tahmin edilen kullanılmış aşı boyası parçaları bulunmaktadır. Arkeologlar ayrıca Kuzeybatı Avustralya'nın Kimberley bölgesindeki bir kireçtaşı kaya sığınağında korunmuş 40.000 yıllık bir kaya resmi parçası bulmuşlardır. Endonezya, Fransa, İspanya, Portekiz, İtalya, Çin, Hindistan, Avustralya, Meksika gibi dünyanın her yerinde mağara resimleri örnekleri bulunmaktadır. Batı kültürlerinde yağlıboya ve suluboya resim, stil ve konu bakımından zengin ve karmaşık geleneklere sahiptir. Doğu'da ise mürekkep ve renkli mürekkep, aynı derecede zengin ve karmaşık geleneklere sahip medya seçiminde tarihsel olarak baskın olmuştur. ⓘ
Fotoğrafın icadının resim üzerinde büyük bir etkisi olmuştur. İlk fotoğrafın 1829'da üretilmesinden sonraki on yıllarda, fotoğrafik süreçler gelişti ve daha yaygın bir şekilde uygulanmaya başlandı; bu da resmi, gözlemlenebilir dünyanın doğru bir kaydını sağlama yönündeki tarihi amacından büyük ölçüde mahrum bıraktı. Başta Empresyonizm, Post-Empresyonizm, Fovizm, Ekspresyonizm, Kübizm ve Dadaizm olmak üzere 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarında ortaya çıkan bir dizi sanat akımı, Rönesans'ın dünya görüşüne meydan okumuştur. Bununla birlikte, Doğu ve Afrika resmi uzun bir stilizasyon tarihini sürdürmüş ve aynı zamanda eşdeğer bir dönüşüm geçirmemiştir. ⓘ
Modern ve Çağdaş sanat, konsept lehine zanaat ve dokümantasyonun tarihi değerinden uzaklaşmıştır. Bu durum, yaşayan ressamların çoğunu, çalışmalarının bütünü ya da bir parçası olarak resim yapmaya devam etmekten alıkoymamıştır. Resmin 21. yüzyıldaki canlılığı ve çok yönlülüğü, daha önceki ölüm "ilanlarına" meydan okuyor. Çoğulculuk fikriyle karakterize edilen bir çağda, çağın temsili üslubu konusunda bir fikir birliği yoktur. Sanatçılar, çok çeşitli tarzlarda ve estetik mizaçlarda önemli sanat eserleri üretmeye devam etmektedir; bu eserlerin değerinin takdiri halka ve piyasaya bırakılmıştır. ⓘ
Resim sanatının unsurları
Renk ve ton
Ton, doygunluk ve değerden oluşan ve bir yüzeye dağılan renk, tıpkı perde ve ritmin müziğin özü olması gibi resmin özüdür. Renk son derece özneldir, ancak gözlemlenebilir psikolojik etkileri vardır, ancak bunlar bir kültürden diğerine farklılık gösterebilir. Batı'da siyah yasla ilişkilendirilirken, Doğu'da beyaz yasla ilişkilendirilir. Goethe, Kandinsky ve Newton da dahil olmak üzere bazı ressamlar, teorisyenler, yazarlar ve bilim insanları kendi renk teorilerini yazmışlardır. ⓘ
Dahası, dil kullanımı renk eşdeğeri için yalnızca bir soyutlamadır. Örneğin "kırmızı" kelimesi, görünür ışık spektrumunun saf kırmızısından çok çeşitli varyasyonları kapsayabilir. Müzikte F ya da C♯ gibi farklı notalar üzerinde anlaşmaya varıldığı gibi, farklı renklerin resmileştirilmiş bir kaydı yoktur. Bir ressam için renk basitçe temel (ana) ve türetilmiş (tamamlayıcı veya karışık) renklere (kırmızı, mavi, yeşil, kahverengi, vb.) bölünmez. ⓘ
Ressamlar pratik olarak pigmentlerle uğraşırlar, bu nedenle bir ressam için "mavi" mavilerden herhangi biri olabilir: ftalosiyanin mavisi, Prusya mavisi, indigo, Kobalt mavisi, ultramarin vb. Renklerin psikolojik ve sembolik anlamları, kesinlikle resmin araçları değildir. Renkler yalnızca potansiyel, türetilmiş anlamlar bağlamına katkıda bulunur ve bu nedenle bir resmin algılanması son derece özneldir. Müzikle olan analoji oldukça açıktır - müzikteki ses (Do notası gibi) resimdeki "ışık", "gölgeler" dinamikler ve "renklendirme" resim için müzik aletlerinin özel tınısı gibidir. Bu unsurların kendi başlarına (müzikte) bir melodi oluşturmaları gerekmez; daha ziyade melodiye farklı bağlamlar ekleyebilirler. ⓘ
Geleneksel olmayan unsurlar
Modern sanatçılar resim pratiğini, örnek olarak Kübizm ile başlayan ve tam anlamıyla resim olmayan kolajı da içerecek şekilde oldukça genişletmişlerdir. Bazı modern ressamlar dokuları için metal, plastik, kum, çimento, saman, yaprak veya ahşap gibi farklı malzemeler kullanmaktadır. Jean Dubuffet ve Anselm Kiefer'in çalışmaları buna örnek olarak gösterilebilir. Adobe Photoshop, Corel Painter ve diğerleri gibi programları kullanarak dijital bir "tuval" üzerine renk "boyamak" için bilgisayar kullanan ve giderek büyüyen bir sanatçı topluluğu vardır. Bu görüntüler gerektiğinde geleneksel tuval üzerine basılabilir. ⓘ
Ritim
,_oil_on_canvas,_73_x_54_cm_DSC05359...jpg)
Jean Metzinger'in mozaik benzeri bölme tekniğinin edebiyatta bir benzeri vardı; Sembolist yazarlar ve Neo-Empresyonist sanatçılar arasındaki ittifakın bir özelliği:
Bölünmüş fırça işinden ışığın nesnel bir şekilde işlenmesini değil, yanardönerlikleri ve rengin resme hala yabancı olan bazı yönlerini istiyorum. Bir tür kromatik şiirselleştirme yapıyorum ve heceler için, doğanın uyandırdığı çeşitli duyguları tercüme etmeye yönelik resimsel bir ifadenin ritmini değiştirmeden, miktar olarak değişken, boyut olarak farklı olamayan vuruşlar kullanıyorum. (Jean Metzinger, 1907 civarı) ⓘ
Piet Mondrian gibi sanatçılar için ritim, müzikte olduğu gibi resimde de önemlidir. Eğer ritim "bir dizinin içine yerleştirilmiş bir duraklama" olarak tanımlanırsa, o zaman resimlerde de ritim olabilir. Bu duraklamalar, yaratıcı gücün araya girmesine ve yeni yaratımlar -biçim, melodi, renklendirme- eklemesine olanak tanır. Verili bir sanat eserinde formun ya da her türlü bilginin dağılımı hayati önem taşır ve o eserin estetik değerini doğrudan etkiler. Bunun nedeni estetik değerin işlevselliğe bağlı olmasıdır, yani algının özgürlüğü (hareket) güzellik olarak algılanır. Enerjinin serbest akışı, sanatta olduğu kadar diğer "techne" biçimlerinde de estetik değere doğrudan katkıda bulunur. ⓘ
Müzik soyut sanatın doğuşu için önemliydi çünkü müzik doğası gereği soyuttur - dış dünyayı temsil etmeye çalışmaz, ancak ruhun içsel duygularını dolaysız bir şekilde ifade eder. Wassily Kandinsky eserlerini tanımlamak için sıklıkla müzik terimleri kullanmıştır; en spontane resimlerini "doğaçlama" olarak adlandırmış ve daha ayrıntılı çalışmalarını "kompozisyon" olarak tanımlamıştır. Kandinsky "müziğin nihai öğretmen" olduğu teorisini ortaya atmış ve daha sonra on bestesinin ilk yedisine başlamıştır. Resim yaparken tonları ve akorları duyan Kandinsky, (örneğin) sarının tiz bir trompette orta Do'nun rengi olduğunu; siyahın kapanışın ve her şeyin sonunun rengi olduğunu ve renk kombinasyonlarının piyanoda çalınan akorlara benzer şekilde titreşimsel frekanslar ürettiğini teorize etti. Genç Kandinsky 1871'de piyano ve çello çalmayı öğrendi. Kandinsky'nin Mussorgsky'nin Pictures at an Exhibition adlı eserinin bir performansı için yaptığı sahne tasarımı, onun formlar, renkler ve müzikal sesler arasındaki evrensel tekabüliyete ilişkin "sinestetik" kavramını ortaya koymaktadır. ⓘ
Müzik, modernist soyut resmin çoğunu tanımlar. Jackson Pollock 1950 tarihli Sonbahar Ritmi (30 Numara) adlı tablosuyla bu ilginin altını çizer. ⓘ
Estetik ve teori
_-_Napoli_MAN_9018.jpg)
Estetik, sanat ve güzelliğin incelenmesidir; Kant ve Hegel gibi 18. ve 19. yüzyıl filozofları için önemli bir konuydu. Platon ve Aristoteles gibi klasik filozoflar da sanat ve özellikle resim hakkında teoriler geliştirmiştir. Platon kendi felsefi sisteminde ressamları (ve heykeltıraşları) göz ardı etmiş; resmin gerçeği tasvir edemeyeceğini, gerçekliğin bir kopyası (idealar dünyasının bir gölgesi) olduğunu ve ayakkabıcılık ya da demir dökümcülüğü gibi bir zanaattan başka bir şey olmadığını savunmuştur. Leonardo'nun zamanında resim, gerçeğin Antik Yunan'da olduğundan daha yakın bir temsili haline gelmişti. Leonardo da Vinci ise tam tersine, "İtalyanca: La Pittura è cosa mentale" ("İngilizce: painting is a thing of the mind") demiştir. Kant, Güzellik ve Yücelik arasında, birincisine açıkça öncelik veren terimlerle ayrım yapmıştır. Özellikle resme atıfta bulunmamış olsa da, bu kavram J.M.W. Turner ve Caspar David Friedrich gibi ressamlar tarafından benimsenmiştir. ⓘ
Hegel, evrensel bir güzellik kavramına ulaşmanın başarısızlığını kabul etmiş ve estetik denemesinde, resmin sembolik, yüksek entelektüel amacı nedeniyle Şiir ve Müzik ile birlikte üç "romantik" sanattan biri olduğunu yazmıştır. Resim üzerine kuramsal eserler yazmış ressamlar arasında Kandinsky ve Paul Klee sayılabilir. Makalesinde Kandinsky, resmin manevi bir değeri olduğunu savunur ve Goethe ve diğer yazarların daha önce yapmaya çalıştığı gibi ana renkleri temel duygulara veya kavramlara bağlar. ⓘ
İkonografi, resimlerin tarzından ziyade içeriğinin incelenmesidir. Erwin Panofsky ve diğer sanat tarihçileri önce resmedilen şeyleri anlamaya çalışır, ardından bunların o dönemde izleyici için taşıdığı anlama bakar ve son olarak da daha geniş kültürel, dini ve sosyal anlamlarını analiz eder. ⓘ
1890'da Parisli ressam Maurice Denis ünlü bir iddiada bulunmuştur: "Unutmayın ki bir resim - bir savaş atı, çıplak bir kadın ya da bir hikaye veya başka bir şey olmadan önce - esasen belirli bir düzende bir araya getirilmiş renklerle kaplı düz bir yüzeydir." Dolayısıyla, Kübizm gibi 20. yüzyıl resim sanatındaki pek çok gelişme, daha önce resmin ana konusu olan dış dünyadan -doğadan- ziyade resmin araçları üzerine yansımalardı. Resim hakkında düşünmeye son katkılar ressam ve yazar Julian Bell tarafından sunulmuştur. Bell, What is Painting? (Resim Nedir?) adlı kitabında, resimlerin duygu ve düşünceleri ifade edebileceği fikrinin tarih boyunca gelişimini tartışıyor. Dünyanın Aynası'nda Bell şöyle yazıyor:
Bir sanat eseri dikkatinizi çekmeye ve sabit tutmaya çalışır: bir sanat tarihi, hayal gücünün evleri arasında buldozerle bir otoyol açarak onu ileriye doğru iter. ⓘ
Resim medyası
Farklı boya türleri genellikle pigmentin süspanse edildiği veya içine gömüldüğü ortamla tanımlanır ve bu da viskozite, karışabilirlik, çözünürlük, kuruma süresi gibi boyanın genel çalışma özelliklerini belirler. ⓘ
Sıcak balmumu veya enkaustik
Sıcak balmumu boyama olarak da bilinen enkostik boyama, renkli pigmentlerin eklendiği ısıtılmış balmumunun kullanılmasını içerir. Sıvı/hamur daha sonra bir yüzeye uygulanır-genellikle hazırlanmış ahşap, ancak tuval ve diğer malzemeler de sıklıkla kullanılır. En basit enkaustik karışım balmumuna pigmentler eklenerek yapılabilir, ancak kullanılabilecek başka tarifler de vardır - bazıları başka balmumu türleri, damar reçinesi, keten tohumu yağı veya başka bileşenler içerir. Saf, toz pigmentler satın alınabilir ve kullanılabilir, ancak bazı karışımlarda yağlı boyalar veya diğer pigment formları kullanılır. Boyayı soğumadan önce şekillendirmek için metal aletler ve özel fırçalar kullanılabilir veya balmumu yüzeye soğuduktan sonra manipüle etmek için ısıtılmış metal aletler kullanılabilir. Diğer malzemeler yüzeye kaplanabilir veya kolajlanabilir ya da yüzeye yapıştırmak için enkaustik ortam kullanılarak katmanlandırılabilir. ⓘ
Bu teknik antik Yunan ve Roma panel resimleri için normal bir teknikti ve Doğu Ortodoks ikona geleneğinde kullanılmaya devam etti. ⓘ
Suluboya
.jpg)
Suluboya, boyaların suda çözünen bir araçta süspanse edilen pigmentlerden yapıldığı bir boyama yöntemidir. Suluboya resimler için geleneksel ve en yaygın destek kağıttır; diğer destekler arasında papirüs, ağaç kabuğu kağıtları, plastikler, parşömen veya deri, kumaş, ahşap ve tuval bulunur. Doğu Asya'da mürekkeple suluboya boyama fırça boyama veya parşömen boyama olarak adlandırılır. Çin, Kore ve Japon resminde, genellikle tek renkli siyah veya kahverengilerde baskın araç olmuştur. Hindistan, Etiyopya ve diğer ülkelerin de uzun gelenekleri vardır. Suluboya boyalarla parmak boyama Çin'de ortaya çıkmıştır. Sanatçılar tarafından kullanılan çeşitli suluboya türleri vardır. Bunlara örnek olarak tava suluboyaları, sıvı suluboyalar, suluboya fırça kalemleri ve suluboya kalemleri verilebilir. Suluboya kalemleri (suda çözünen renkli kalemler) ıslak ya da kuru olarak kullanılabilir. ⓘ
Guaj
Guaj, opak boyama yönteminde kullanılmak üzere tasarlanmış pigment ve diğer malzemelerden oluşan su bazlı bir boyadır. Guaj, parçacıkların daha büyük olması, pigmentin suya oranının çok daha yüksek olması ve tebeşir gibi ek, inert, beyaz bir pigmentin de mevcut olmasıyla suluboyadan farklıdır. Bu da guajı daha ağır, daha opak ve daha yüksek yansıtıcı niteliklere sahip hale getirir. Tüm su medyaları gibi su ile seyreltilir. ⓘ
Mürekkep
Mürekkep resimleri, pigmentler veya boyalar içeren bir sıvı ile yapılır ve bir görüntü, metin veya tasarım üretmek için bir yüzeyi renklendirmek için kullanılır. Mürekkep, kalem, fırça veya tüy kalemle çizim yapmak için kullanılır. Mürekkep, çözücüler, pigmentler, boyalar, reçineler, yağlayıcılar, çözündürücüler, yüzey aktif maddeler, partikül maddeler, floresanlar ve diğer malzemelerden oluşan karmaşık bir ortam olabilir. Mürekkep bileşenleri birçok amaca hizmet eder; mürekkebin taşıyıcısı, renklendiricileri ve diğer katkı maddeleri mürekkebin akışını, kalınlığını ve kuruduğunda görünümünü kontrol eder. ⓘ
Emaye
Emayeler, tipik olarak metal olan bir alt tabakanın toz cam ile boyanmasıyla yapılır; renk oksitleri adı verilen mineraller renklendirmeyi sağlar. 750-850 santigrat derece (1380-1560 Fahrenheit) sıcaklıkta pişirildikten sonra, sonuç cam ve metalin kaynaşmış bir laminasyonudur. Çoğu boyalı tekniğin aksine, yüzey elle tutulabilir ve ıslatılabilir Emayeler geleneksel olarak değerli nesnelerin dekorasyonunda kullanılmış, ancak başka amaçlar için de kullanılmıştır. Limoges emayesi, plaklar ya da tuzluklar veya tabutlar gibi nesneler üzerinde, süslü çevreler içinde küçük dini ve mitolojik sahnelerle Rönesans emaye resminin önde gelen merkeziydi. 18. yüzyılda mine boyama, özellikle portre minyatürleri için bir araç olarak Avrupa'da bir moda haline gelmiştir. 20. yüzyılın sonlarında, metal üzerine porselen emaye tekniği, dış mekan duvar resimleri için dayanıklı bir ortam olarak kullanılmıştır. ⓘ
Tempera
Yumurta temperası olarak da bilinen tempera, suda çözünen bir bağlayıcı madde (genellikle yumurta sarısı veya başka bir boyut gibi yapışkan bir malzeme) ile karıştırılmış renkli pigmentten oluşan kalıcı, hızlı kuruyan bir boyama aracıdır. Tempera aynı zamanda bu ortamda yapılan resimleri de ifade eder. Tempera resimler çok uzun ömürlüdür ve MS ilk yüzyıllardan kalma örnekler hala mevcuttur. Yumurta temperası, yağlı boyanın icadıyla yerini aldığı 1500 yılından sonrasına kadar birincil boyama yöntemiydi. Pigment ve tutkal boyutundan oluşan ve genellikle tempera olarak adlandırılan bir boya (öyle olmasa da) yaygın olarak kullanılmakta ve Amerika'daki bazı üreticiler tarafından poster boyası olarak adlandırılmaktadır. ⓘ
Fresk
Fresk, duvarlarda veya tavanlarda sıva üzerine yapılan, birbiriyle ilişkili çeşitli duvar resmi türlerinden herhangi biridir. Fresk kelimesi, Latince taze anlamına gelen affresco [afˈfresːko] kelimesinden türemiştir. Freskler genellikle Rönesans ve diğer erken zaman dilimlerinde yapılmıştır. Buon fresk tekniği, ıslak, taze kireç harcı veya alçıdan oluşan ince bir tabaka üzerine suyla karıştırılmış pigmentle resim yapmaktan oluşur; bunun için alçı için İtalyanca kelime olan intonaco kullanılır. Buna karşılık secco resim kuru sıva üzerine yapılır (secco İtalyanca'da "kuru" anlamına gelir). Pigmentleri duvara yapıştırmak için yumurta (tempera), tutkal veya yağ gibi bağlayıcı bir madde gerekir. ⓘ
Yağ
Yağlı boya, erken modern Avrupa'da yaygın olarak kullanılan keten tohumu yağı gibi kuruyan bir yağ ile bağlanmış pigmentlerle resim yapma işlemidir. Yağ genellikle çam reçinesi ve hatta tütsü gibi bir reçine ile kaynatılırdı; bunlara 'vernik' denirdi ve gövdeleri ve parlaklıkları için ödüllendirilirlerdi. Yağlı boya, avantajları yaygın olarak bilindikçe sonunda sanat eserleri yaratmak için kullanılan başlıca araç haline geldi. Geçiş, Kuzey Avrupa'da Erken Hollanda resmiyle başlamış ve Rönesans'ın zirvesinde yağlı boya teknikleri Avrupa'nın büyük bölümünde neredeyse tamamen tempera boyaların yerini almıştır. ⓘ
Pastel
Pastel, saf toz pigment ve bir bağlayıcıdan oluşan çubuk şeklinde bir boyama aracıdır. Pastellerde kullanılan pigmentler, yağlı boyalar da dahil olmak üzere tüm renkli sanat malzemelerini üretmek için kullanılanlarla aynıdır; bağlayıcı nötr bir tonda ve düşük doygunluktadır. Pastellerin renk etkisi, doğal kuru pigmentlere diğer tüm işlemlerden daha yakındır. Bir pastel resmin yüzeyi kırılgan olduğundan ve kolayca lekelendiğinden, korunması cam altında çerçeveleme gibi koruyucu önlemler gerektirir; ayrıca üzerine bir sabitleyici de püskürtülebilir. Bununla birlikte, kalıcı pigmentlerle yapıldığında ve uygun şekilde bakıldığında, bir pastel resim yüzyıllar boyunca değişmeden kalabilir. Pasteller, akışkan bir malzemeyle yapılan resimlerde olduğu gibi, kurudukça malzemenin renginde, opaklığında veya boyutlarında meydana gelen değişikliklerden kaynaklanan çatlama ve renk bozulmalarına karşı hassas değildir. ⓘ
Akrilik
Akrilik boya, akrilik polimer emülsiyonu içinde pigment süspansiyonu içeren hızlı kuruyan bir boyadır. Akrilik boyalar su ile seyreltilebilir, ancak kuruduğunda suya dayanıklı hale gelir. Boyanın ne kadar seyreltildiğine (su ile) veya akrilik jeller, ortamlar veya macunlarla modifiye edildiğine bağlı olarak, bitmiş akrilik resim bir suluboya veya yağlıboya resme benzeyebilir veya diğer ortamlarla elde edilemeyen kendine özgü özelliklere sahip olabilir. Çoğu akrilik ve yağlı boya arasındaki temel pratik fark, doğal kuruma süresidir. Yağlı boyalar renkleri karıştırmak ve alt resimlerin üzerine eşit sırlar uygulamak için daha fazla zaman sağlar. Yağın bu yavaş kuruma özelliği belirli teknikler için bir avantaj olarak görülebilir, ancak sanatçının hızlı çalışma yeteneğini de engelleyebilir. ⓘ
Sprey boya
Aerosol boya (sprey boya olarak da adlandırılır), kapalı basınçlı bir kapta gelen ve bir valf düğmesine basıldığında ince bir sprey sisi halinde salınan bir boya türüdür. Bir sprey boyama şekli olan aerosol boya pürüzsüz, eşit kaplanmış bir yüzey bırakır. Standart boyutlu kutular taşınabilir, ucuz ve saklaması kolaydır. Aerosol astar doğrudan çıplak metale ve birçok plastiğe uygulanabilir. ⓘ
Hız, taşınabilirlik ve kalıcılık da aerosol boyayı yaygın bir grafiti aracı haline getirmektedir. 1970'lerin sonlarında, sokak grafitisi yazarlarının imzaları ve duvar resimleri daha ayrıntılı hale geldi ve aerosol ortamın ve yasadışı işler için gereken hızın bir faktörü olarak benzersiz bir stil gelişti. Artık pek çok kişi grafiti ve sokak sanatını benzersiz bir sanat formu olarak kabul etmekte ve grafiti sanatçıları için özel olarak üretilmiş aerosol boyalar kullanılmaktadır. Bir şablon, boyanacak belirli şekil dışında bir yüzeyi korur. Şablonlar hareketli harfler olarak satın alınabilir, profesyonelce kesilmiş logolar olarak sipariş edilebilir veya sanatçılar tarafından elle kesilebilir. ⓘ
Su ile karışabilen yağlı boya
Suyla karışabilen yağlı boyalar ("suda çözünür" veya "suyla karıştırılabilir" olarak da adlandırılır), terebentin gibi kimyasallar kullanmak yerine suyla inceltilmek ve temizlenmek üzere tasarlanmış modern bir yağlı boya çeşididir. Geleneksel yağlı boya ile aynı teknikler kullanılarak karıştırılabilir ve uygulanabilir, ancak hala ıslak iken fırçalardan, paletlerden ve bezlerden normal sabun ve su ile etkili bir şekilde çıkarılabilir. Suda çözünürlüğü, molekülün bir ucunun bir çözeltide olduğu gibi su moleküllerine gevşek bir şekilde bağlanacak şekilde değiştirildiği bir yağ ortamının kullanılmasından kaynaklanır. ⓘ
Dijital boyama
Dijital resim, dijital olarak bir sanat nesnesi (resim) yaratma yöntemi veya bilgisayarda dijital sanat yapma tekniğidir. Bir sanat nesnesi yaratma yöntemi olarak, akrilik boya, yağlı boya, mürekkep, sulu boya vb. gibi geleneksel boyama ortamını uyarlar ve pigmenti endüstriyel robotik veya ofis makinelerini (yazıcılar) çalıştıran yazılım aracılığıyla dokuma tuval bezi, kağıt, polyester vb. gibi geleneksel taşıyıcılara uygular. Bir teknik olarak, sanal bir tuval ve fırçalar, renkler ve diğer malzemelerden oluşan sanal boyama kutusu kullanan bir bilgisayar grafik yazılım programını ifade eder. Sanal kutu, bilgisayarın dışında var olmayan ve dijital bir sanat eserine geleneksel yolla yapılan bir sanat eserinden farklı bir görünüm ve his veren birçok araç içerir. Ayrıca, bilgisayar bazı matematiksel hesaplamalar kullanarak ekranda otomatik olarak görüntü yaratmadığı için dijital resim 'bilgisayar tarafından üretilen' bir sanat değildir. Öte yandan, sanatçı bilgisayarda belirli bir eser yaratmak için kendi boyama tekniğini kullanır. ⓘ
Resim stilleri
Stil iki anlamda kullanılır: Bireysel bir sanatçının çalışmalarını karakterize eden ayırt edici görsel unsurları, teknikleri ve yöntemleri ifade edebilir. Aynı zamanda bir sanatçının ilişkili olduğu akım ya da ekolü de ifade edebilir. Bu, sanatçının bilinçli olarak dahil olduğu gerçek bir gruptan kaynaklanabilir ya da sanat tarihçilerinin ressamı yerleştirdiği bir kategori olabilir. İkinci anlamdaki 'üslup' sözcüğü çağdaş resimle ilgili akademik tartışmalarda gözden düşmüş olsa da popüler bağlamlarda kullanılmaya devam etmektedir. Bu tür akımlar veya sınıflandırmalar aşağıdakileri içerir: ⓘ
Batı
Modernizm
Modernizm, 19. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarında Batı toplumunda meydana gelen geniş çaplı ve kapsamlı değişikliklerden kaynaklanan bir dizi kültürel eğilimi ve bunlarla ilişkili bir dizi kültürel hareketi tanımlamaktadır. Modernizm, gerçekçiliğin muhafazakâr değerlerine karşı bir isyandı. Bu terim, sanat, mimari, edebiyat, dini inanç, sosyal organizasyon ve günlük yaşamın "geleneksel" biçimlerinin, tamamen sanayileşmiş bir dünyanın yeni ekonomik, sosyal ve siyasi koşullarında modası geçmiş hale geldiğini düşünenlerin faaliyetlerini ve çıktılarını kapsar. Modernizmin göze çarpan bir özelliği de öz-bilinçtir. Bu durum genellikle biçimle ilgili deneylere ve kullanılan süreç ve malzemelere (ve daha ileri bir soyutlama eğilimine) dikkat çeken çalışmalara yol açmıştır. ⓘ
İzlenimcilik
Modernizmin resimdeki ilk örneği, başlangıçta stüdyolarda değil, açık havada (en plein air) yapılan çalışmalara odaklanan bir resim okulu olan izlenimcilikti. Empresyonist resimler, insanların nesneleri görmediğini, bunun yerine ışığın kendisini gördüğünü göstermiştir. Okul, önde gelen uygulayıcıları arasındaki iç bölünmelere rağmen taraftar topladı ve giderek daha etkili hale geldi. Başlangıçta dönemin en önemli ticari sergisi olan ve hükümet tarafından desteklenen Paris Salonu'na kabul edilmeyen İzlenimciler, 1870'ler ve 1880'ler boyunca ticari mekanlarda yıllık grup sergileri düzenlediler ve bunları resmi Salon ile aynı zamana denk getirdiler. 1863'ün önemli bir etkinliği, İmparator Napolyon III tarafından Paris Salonu tarafından reddedilen tüm resimlerin sergilenmesi için oluşturulan Salon des Refusés idi. ⓘ
Soyut stiller
Soyut resim, dünyadaki görsel referanslardan bir dereceye kadar bağımsız olarak var olabilen bir kompozisyon yaratmak için biçim, renk ve çizgiden oluşan görsel bir dil kullanır. Soyut dışavurumculuk, Alman Dışavurumcularının duygusal yoğunluğunu ve kendini inkârını, Fütürizm, Bauhaus ve Kübizm gibi Avrupa soyut okullarının anti-figüratif estetiği ile birleştiren ve isyankâr, anarşik, son derece kendine özgü ve bazılarına göre nihilist olma imajını veren İkinci Dünya Savaşı sonrası bir Amerikan sanat hareketiydi. ⓘ
Bazen gestural soyutlama olarak da adlandırılan aksiyon resmi, boyanın dikkatlice sürülmek yerine kendiliğinden tuvale damlatıldığı, sıçratıldığı veya bulaştığı bir resim tarzıdır. Ortaya çıkan eser genellikle, bitmiş eserin ya da sanatçısının kaygısının temel bir yönü olarak resmin fiziksel eylemini vurgular. Bu tarz 1940'lardan 1960'ların başına kadar yaygındı ve soyut dışavurumculukla yakından ilişkilidir (bazı eleştirmenler "aksiyon resmi" ve "soyut dışavurumculuk" terimlerini birbirinin yerine kullanmıştır). ⓘ
Diğer modernist tarzlar şunlardır:
- Renk Alanı
- Lirik Soyutlama
- Sert kenarlı boyama
- Pop sanat ⓘ
Yabancı sanat
Outsider art terimi 1972 yılında sanat eleştirmeni Roger Cardinal tarafından, Fransız sanatçı Jean Dubuffet'nin resmi kültürün sınırları dışında yaratılan sanatı tanımlamak için yarattığı bir etiket olan art brut'un (Fransızca: [aʁ bʁyt], "ham sanat" veya "kaba sanat") İngilizce eşanlamlısı olarak ortaya atılmıştır; Dubuffet özellikle akıl hastanesi mahkumlarının sanatına odaklanmıştır. Outsider art başarılı bir sanat pazarlama kategorisi olarak ortaya çıkmıştır (1992'den beri New York'ta her yıl Outsider Art Fair düzenlenmektedir). Bu terim bazen yanlış bir şekilde, ana akım "sanat dünyası" dışındaki kişiler tarafından yaratılan sanat eserleri için, içinde bulundukları koşullara ya da eserlerinin içeriğine bakılmaksızın, her şeyi kapsayan bir pazarlama etiketi olarak kullanılmaktadır. ⓘ
Fotogerçekçilik
Fotogerçekçilik, bilgi toplamak için kamera ve fotoğrafların kullanılmasına ve daha sonra bu bilgilerden bir fotoğraf gibi çok gerçekçi görünen bir resim yaratmaya dayanan resim türüdür. Bu terim öncelikle 1960'ların sonu ve 1970'lerin başında başlayan Amerika Birleşik Devletleri sanat hareketindeki resimlere uygulanır. Tam teşekküllü bir sanat akımı olarak Fotogerçekçilik, Pop Art'tan evrilmiş ve Soyut Dışavurumculuğa bir karşı çıkış olarak ortaya çıkmıştır. ⓘ
Hiperrealizm, yüksek çözünürlüklü bir fotoğrafa benzeyen bir resim ve heykel türüdür. Hiperrealizm tam teşekküllü bir sanat ekolüdür ve ortaya çıkan resim veya heykelleri yaratmak için kullanılan yöntemlerle Fotorealizmin bir ilerlemesi olarak kabul edilebilir. Bu terim öncelikle Amerika Birleşik Devletleri ve Avrupa'da 2000'li yılların başından bu yana gelişen bağımsız bir sanat hareketi ve sanat tarzına uygulanmaktadır. ⓘ
Sürrealizm
Sürrealizm 1920'lerin başında başlayan kültürel bir harekettir ve en çok Sürrealist Harekete bağlı olanların sanatsal ve edebi üretimleriyle bilinir. Sürrealist sanat eserlerinde sürpriz unsuru, tekinsizlik, bilinçdışı, beklenmedik yan yana gelişler ve sırasızlık ön plandadır; ancak birçok Sürrealist sanatçı ve yazar eserlerini her şeyden önce felsefi hareketin bir ifadesi olarak görür ve eserleri bir yapıt olarak değerlendirir. Lider André Breton, Sürrealizm'in her şeyden önce devrimci bir hareket olduğu iddiasında açıktı. ⓘ
Sürrealizm, Birinci Dünya Savaşı'ndaki Dada etkinliklerinden doğmuştur ve hareketin en önemli merkezi Paris'tir. Hareket 1920'lerden itibaren dünyanın dört bir yanına yayıldı ve sonunda birçok ülkenin görsel sanatlarını, edebiyatını, filmini ve müziğini, ayrıca siyasi düşünce ve pratiğini, felsefesini ve sosyal teorisini etkiledi. ⓘ
Doğu Asya
- Çince
- Tang Hanedanlığı
- Ming Hanedanlığı
- Shan shui
- Mürekkep ve yıkama boyama
- Hua niao
- Güney Okulu
- Zhe Okulu
- Wu Okulu
- Çağdaş
- Japonca
- Yamato-e
- Rimpa Okulu
- Emakimono
- Kanō okulu
- Shijō Okulu
- Superflat
- Korece ⓘ
Güneydoğu Asya
- Endonezce ⓘ
İslami
- Arapça minyatür
- Babür minyatürü
- Osmanlı minyatürü
- İran minyatürü ⓘ
Hintli
Pattachitra, Hindistan'ın doğusundaki Odisha ve Batı Bengal eyaletlerinde bulunan geleneksel, kumaş tabanlı parşömen boyama için kullanılan genel bir terimdir Pattachitra boyama geleneği, Odisha'daki Lord Jagannath tapınmasıyla yakından bağlantılıdır. Pattachitra'nın konusu dini temalarla sınırlıdır. Patachitra sanat biçimi, karmaşık ayrıntılarının yanı sıra mitolojik anlatılar ve halk hikayeleri ile tanınır. Resimlerde kullanılan tüm renkler doğaldır ve resimler tamamen eski geleneksel yöntemlerle Chitrakaras yani Odiya Ressamları tarafından yapılır. Pattachitra tarzı resim Odisha'nın en eski ve en popüler sanat formlarından biridir. Patachitralar, eski bir Bengal anlatı sanatının bir bileşenidir ve başlangıçta bir şarkının performansı sırasında görsel bir araç olarak hizmet eder. ⓘ
_cropped.jpg)
Şirket üslubu, çoğu 18. ve 19. yüzyıllarda İngiliz Doğu Hindistan Şirketi'nde veya diğer yabancı Şirketlerde Avrupalı patronlar için çalışan Hintli sanatçılar tarafından Hindistan'da yapılan melez bir Hint-Avrupa resim üslubu için kullanılan bir terimdir. 3 farklı Şirket Resmi üslubu, üç İngiliz Güç Merkezi olan Delhi, Kalküta ve Madras'ta ortaya çıkmıştır. Batılı patronlar için yapılan şirket resimlerinin konusu genellikle hayal gücünden ziyade belgeseldi ve bunun sonucunda Hintli sanatçıların geleneksel olarak alışılagelenden daha natüralist bir resim yaklaşımı benimsemeleri gerekiyordu. ⓘ
Bengal Okulu, başta Kalküta ve Şantiniketan olmak üzere Bengal'de ortaya çıkan ve 20. yüzyılın başlarında İngiliz Raj'ı döneminde Hint alt kıtası boyunca gelişen bir sanat hareketi ve Hint resim tarzıdır. Bengal ekolü, daha önce Hindistan'da hem Raja Ravi Varma gibi Hintli sanatçılar hem de İngiliz sanat okulları tarafından desteklenen akademik sanat tarzlarına tepki gösteren avangart ve milliyetçi bir hareket olarak ortaya çıktı. Abanindranath Tagore, sömürgeci estetiği reddetmek amacıyla, pan-Asya estetiğini teşvik etmek amacıyla Çin ve Japonya'ya yönelmiş ve Japon yıkama tekniği gibi Uzak Doğu sanatından unsurları bir araya getirmiştir. ⓘ
Kangra resim sanatı, adını sanatı himaye eden eski bir prenslik devleti olan Himachal Pradesh, Kangra'dan alan Kangra resim sanatıdır. Basohli resim ekolünün 18. yüzyılın ortalarında kaybolmasıyla yaygınlaşan Kangra resminin odak teması Shringar'dır (erotik duygu). Kangra resminde görülen konular, o dönemin toplumunun zevkini ve yaşam tarzının özelliklerini sergiler. Sanatçılar, Bhakti'nin itici güç olduğu Radha ve Krishna'nın aşkını coşkuyla kaleme alan Jayadeva ve Keshav Das'ın aşk şiirlerinden temalar benimsemişlerdir. ⓘ
Madhubani Sanatı, Hindistan ve Nepal'in Mithila bölgesinde uygulanan bir Hint resim tarzıdır. Stil, karmaşık geometrik desenlerle karakterize edilir, bu resimler festivaller, dini ritüeller vb. gibi belirli durumlar için kullanılan ritüel içeriği temsil etmeleriyle ünlüdür. ⓘ
Mysore resmi, Mysore hükümdarları tarafından teşvik edilen ve beslenen Karnataka'daki Mysore kasabası ve çevresinde ortaya çıkan önemli bir klasik Güney Hindistan resim biçimidir. Mysore resimleri zarafetleri, sessiz renkleri ve detaylara gösterdikleri özenle bilinir. Bu resimlerin çoğunun teması Hindu tanrı ve tanrıçaları ile Hindu mitolojisinden sahnelerdir. ⓘ
Rajasthani resim sanatı, özellikle 17. yüzyılda kuzey Hindistan'daki Rajputana kraliyet saraylarında gelişip serpilmiştir. Babür minyatürü geleneğinde yetişmiş sanatçılar Babür sarayından dağılmış ve yerel resim geleneklerinden, özellikle de Sanskrit destanları Mahabharata ve Ramayana'dan esinlenen üsluplar geliştirmişlerdir. Konular çeşitlilik göstermekle birlikte, genellikle avcılıkla veya günlük faaliyetleriyle uğraşan yönetici ailenin portreleri, destanlardan veya Hindu mitolojisinden anlatı sahnelerinin yanı sıra bazı manzara ve insan sahneleri de popülerdi. ⓘ
Babür resmi, Güney Asya'nın, özellikle de Kuzey Hindistan'ın (daha spesifik olarak günümüz Hindistan ve Pakistan'ı), kitap illüstrasyonları ya da albümlerde (muraqqa) saklanacak tek eserler olarak minyatürlerle sınırlı özel bir resim tarzıdır. İran minyatür resminden (kendisi de kısmen Çin kökenlidir) ortaya çıkmış ve 16. yüzyıldan 18. yüzyıla kadar Babür İmparatorluğu sarayında gelişmiştir. Babür resmi, İran minyatürlerine kıyasla gerçekçi portreciliğe çok daha fazla ilgi göstermiştir. Hayvanlar ve bitkiler albümler için yapılan birçok minyatürün ana konusuydu ve daha gerçekçi bir şekilde tasvir edilmişlerdi. ⓘ
Diğerleri
- Samikshavad
- Tanjore
- Warli
- Kerala duvar resmi
- Deccan tarzı ⓘ
Afrika
- Tingatinga ⓘ
Çağdaş sanat
ⓘ |
Wikimedia Commons'ta Resim ile ilgili ortam dosyaları bulunmaktadır. |
- Daniel, H. (1971). Encyclopedia of Themes and Subjects in Painting; Mythological, Biblical, Historical, Literary, Allegorical, and Topical. New York: Harry N. Abrams Inc.
- W. Stanley Jr. Taft, James W. Mayer, The Science of Paintings, First Edition, Springer, 2000 ⓘ
Resim türleri
Alegori
Alegori, gerçek anlamın dışında bir anlam taşıyan mecazi bir temsil biçimidir. Alegori mesajını sembolik figürler, eylemler veya sembolik temsiller aracılığıyla iletir. Alegori genellikle bir retorik figürü olarak ele alınır, ancak bir alegorinin dille ifade edilmesi gerekmez: göze hitap edebilir ve genellikle gerçekçi resimlerde bulunur. Basit bir görsel alegoriye örnek olarak Azrail imgesi verilebilir. İzleyiciler Azrail imgesinin ölümün sembolik bir temsili olduğunu anlarlar. ⓘ
Bodegón
.jpg)
İspanyol sanatında bodegón, genellikle basit bir taş levha üzerine yerleştirilmiş erzak, av hayvanı ve içki gibi kiler malzemelerini tasvir eden bir natürmort tablodur ve aynı zamanda bir veya daha fazla figürlü, ancak önemli natürmort unsurları içeren, tipik olarak bir mutfak veya tavernada geçen bir tablodur. Barok dönemden başlayarak, bu tür resimler 17. yüzyılın ikinci çeyreğinde İspanya'da popüler hale gelmiştir. Natürmort resim geleneği, çağdaş Alçak Ülkeler'de, bugün Belçika ve Hollanda'da (o zamanlar Flaman ve Hollandalı sanatçılar) başlamış ve Güney Avrupa'da olduğundan çok daha popüler olmuş gibi görünmektedir. Kuzey natürmortlarının pek çok alt türü vardı: kahvaltı parçasına trompe-l'œil, çiçek buketi ve vanitas eklenmişti. İspanya'da bu tür şeylerin müşterisi çok daha azdı, ancak bir masanın üzerine yerleştirilmiş birkaç yiyecek ve sofra takımını içeren bir tür kahvaltı resmi popüler hale geldi. ⓘ
Figür boyama
Figür resmi, giyinik ya da çıplak olsun, birincil konusu insan figürü olan, herhangi bir resim medyumunda yapılan bir sanat eseridir. Figür resmi, böyle bir eser yaratma faaliyetini de ifade edebilir. İnsan figürü, ilk Taş Devri mağara resimlerinden bu yana sanatın karşıt konularından biri olmuş ve tarih boyunca çeşitli tarzlarda yeniden yorumlanmıştır. Figür resmiyle tanınan bazı sanatçılar Peter Paul Rubens, Edgar Degas ve Édouard Manet'dir. ⓘ
.jpg)
İllüstrasyon resim
İllüstrasyon resimler, kitaplarda, dergilerde, tiyatro veya film afişlerinde ve çizgi romanlarda illüstrasyon olarak kullanılan resimlerdir. Günümüzde, orijinal sanat eserlerini toplamaya ve onlara hayranlık duymaya yönelik artan bir ilgi vardır. Çeşitli müze sergileri, dergiler ve sanat galerileri geçmişin illüstratörlerine yer ayırmıştır. Görsel sanat dünyasında illüstratörler bazen güzel sanatçılar ve grafik tasarımcılara kıyasla daha az önemli görülmüştür. Ancak bilgisayar oyunu ve çizgi roman endüstrisinin büyümesinin bir sonucu olarak illüstrasyonlar, özellikle Kore, Japonya, Hong Kong ve Amerika Birleşik Devletleri'nde diğer ikisinden daha geniş bir pazar elde edebilen popüler ve kârlı sanat eserleri olarak değer kazanmaktadır. ⓘ
Manzara resmi
Manzara resmi, dağlar, vadiler, ağaçlar, nehirler, göller ve ormanlar gibi doğal manzaraların tasvirini ve özellikle ana konunun geniş bir manzara olduğu ve öğelerinin tutarlı bir kompozisyon halinde düzenlendiği sanatı kapsayan bir terimdir. Diğer eserlerde figürler için manzara arka planları yine de eserin önemli bir parçasını oluşturabilir. Gökyüzü neredeyse her zaman manzaraya dahil edilir ve hava genellikle kompozisyonun bir unsurudur. Ayrı bir konu olarak ayrıntılı manzaralar tüm sanatsal geleneklerde bulunmaz ve diğer konuları temsil eden sofistike bir gelenek olduğunda gelişir. İki ana gelenek Batı resminden ve Çin sanatından kaynaklanır ve her iki durumda da bin yıldan daha eskiye dayanır. ⓘ
Portre resmi
Portre resimleri, bir kişinin yüzünün ve ifadesinin baskın olduğu temsillerdir. Amaç, kişinin benzerliğini, kişiliğini ve hatta ruh halini sergilemektir. Portre sanatı Antik Yunan ve özellikle de Roma heykeltıraşlığında gelişmiştir; burada alıcılar kişiselleştirilmiş ve gerçekçi portreler, hatta çirkin portreler talep etmişlerdir. Batı dünyasında en iyi bilinen portrelerden biri Leonardo da Vinci'nin Francesco del Giocondo'nun karısı Lisa Gherardini'nin portresi olduğu düşünülen Mona Lisa adlı tablosudur. ⓘ
Natürmort
Natürmort, doğal (yiyecekler, çiçekler, bitkiler, kayalar veya deniz kabukları) veya insan yapımı (içki bardakları, kitaplar, vazolar, mücevherler, madeni paralar, borular vb.) olabilen, çoğunlukla cansız konuları, tipik olarak sıradan nesneleri tasvir eden bir sanat eseridir. Kökenleri Orta Çağ ve Antik Yunan/Roma sanatına dayanan natürmort resimler, bir kompozisyon içindeki tasarım öğelerinin düzenlenmesinde sanatçıya manzara veya portre gibi diğer konu türlerine göre daha fazla hareket alanı sağlar. Natürmort resimler, özellikle 1700'den önce, genellikle tasvir edilen nesnelerle ilgili dini ve alegorik sembolizm içeriyordu. Bazı modern natürmortlar iki boyut bariyerini yıkarak üç boyutlu karışık medya kullanır ve buluntu nesneler, fotoğraf, bilgisayar grafikleri, video ve ses kullanır. ⓘ
Veduta
Veduta, bir şehir manzarasının veya başka bir manzaranın oldukça detaylı, genellikle büyük ölçekli bir resmidir. Bu manzara türü, Paul Bril gibi sanatçıların 16. yüzyılın başlarında vedute resimleri yaptığı Flandre'da ortaya çıkmıştır. Büyük Tur'un güzergahı biraz standartlaştıkça, Roma Forumu veya Büyük Kanal gibi tanıdık sahnelerin vedute'leri aristokrat İngilizler için Kıta'ya yapılan ilk girişimleri hatırlattı. 19. yüzyılın sonlarında, şehir manzaralarına dair daha kişisel izlenimler, topografik doğruluk arzusunun yerini aldı ve bu arzu boyalı panoramalarla tatmin edildi. ⓘ
Resim yapmakta kullanılan malzemeler
|
Resim yapma kavramı içinde kullanılan ortak deyimlerküçükresim|1935 yılında resim yapmayı öğrenen bir çocuk Jacksonville, Florida. Resim yapma kavramı içinde geçen ve diğer kavramlarla ortak kullanılan deyimler şunlardır:
Resim yapma Kavramında kullanılan diğer ortak deyimlerden bazıları: Altarpiece, Broken Color, Karikatür, Chiaroscuro, Kompozisyon, Drybrush, Easel Picture, Foreshortening, Genre, Halo, Highlights, Resim Tarihi, Imprimatura, Peyzaj, Madonna, Maulstick, Portre Minyatürü, Mural Painting, Palet, Panel Painting, Perspektif, Pietá, Plein Air, Portre, Sfumato, Stippling, Teknik, Trompe l'oeil, Underpainting, Varnish, Wet-on-wet ve Dört Boyutlu Resim. ⓘ Resim oluşturmakta kullanılan teknikler
Galeri
|
